Serie Perfiles del Teatro, Cine y Video en Brasil I Jefferson Manes, realizador

Sábado, 27.06.2009 I Video brasilero I Esta nota en portugués

En el comando de la productora paulista Zuba Filmes, el realizador Jefferson Manes Alves acumula experiencia al frente de diversos proyectos, como videoclips, programas de televisión y videos de los más diferentes formatos. La incursión en el género de la ficción tuvo su primer resultado en agosto del año pasado, cuando el director presentó el corto Arcos Azuis (Arcos Azules), hecho en coproducción con Cinema de Guerrilha.

Además de haber sido exhibido en la Cinemateca Brasilera, el trabajo fue seleccionado para participar del Sapporo International Short Film Festival and Market (Japón) y del Concorto Film Festival del Cortometraggio (Italia). Con una estética totalmente urbana y un guión basado en un cuento de André Parra, el corto tuvo los actores Alexandre Amazonas, Juliana Amorim y Érika Forlim como protagonistas de una trama que acompaña el universo solitario, surrealista y decadente de un joven.

En una breve entrevista, el director habla sobre su corto de estreno, revela sus principales influencias y también teje comentarios sobre la compleja situación del cine en Brasil, así como las opciones proporcionadas por los nuevos medios.

Entrevista I Jefferson Manes, realizador

"Las salas de cine contribuyen con una dictadura cultural"

ALDEA CULTURAL (AC). El año pasado, presentaste el corto Arcos Azules, que fue exhibido en la Cinemateca Brasilera y también en festivales internacionales. ¿Cómo fue la recepción del público a ese trabajo?
JEFFERSON MANES (JM). En su estreno tuvimos la sala BNDES de la Cinemateca copada y la película fue bien recibida por el público. Creemos haber alcanzado un gran público también en los festivales internacionales, blanco de este tipo de producción, tanto en Japón como en Italia.

AC. ¿Cómo fue hecha la selección del trío de actores que protagonizó el corto?
JM. Difundimos a través de internet y de productores de casting. Efectuamos algunos tests de selección con actores que encajaban en el perfil de los personajes, terminamos encontrando a la actriz Juliana Amorim, el actor Alexandre Amazonas y una actriz que desistió del papel poco antes de las filmaciones; la actriz Érika Forlim terminó ingresando al casting por indicación de Juliana Amorim, que ya conocía el perfil deseado para el papel.

AC. En el blog de la producción, afirmaste que una de tus referencias fue el filme Spun. ¿Qué otras películas o directores te influyeron/influyen?
JM. Creo que no sólo las películas y pinturas terminan influyendo en mi trabajo, en realidad lo que más me ha llevado a hacer esta cinta sin duda es el surrealismo absurdo que vivimos en nuestro día a día en cualquier local del planeta, aquello que está en nuestra cara y no vemos por más próximo que esté. [Influencias] Stanley Kubrick, Alfred Hitchcock, Glauber Rocha, Amâncio Mazzaropi, Carl Theodor Dreyer, Luis Buñuel, Brian de Palma, Ed Wood, Georges Méliès, entre tantos otros artistas. La influencia para esta obra fue realmente la película Spun, así como obras de René Magritte, Salvador Dalí y Buñuel.

AC. En un país en que la distribución y exhibición de largos ya es complicada, ¿cómo quedan los cortos? ¿Cuál es la salida para ellos?
JM. Creo que la salida para los cortos y otros productos de tamaño semejante debe ser dirigida hacia un tipo de difusión poco utilizado hasta el momento, siendo una posible tendencia la venta o exhibición por teléfono celular. Es lógico que cuando se produce una película quieres verla en la pantalla del cine, pero la dificultad de difusión por este medio es tan compleja y sin apoyo en este país que es más fácil para el realizador obtener visibilidad de su cortometraje en el mercado extranjero, sea por los medios tradicionales de exhibición o nuevos medios.

AC. Con la tecnología digital, quedó más barato producir; de la misma forma, la internet hoy facilita la difusión de trabajos. En contrapartida, el público es cada vez menor en las salas de cine y obtener patrocinio es siempre difícil. ¿Cómo ves el panorama actual del mercado brasilero para los realizadores?
JM. Sin duda está mucho más barato producir, pero aún hay un cierto prejuicio en el mercado audiovisual brasilero con quien hace su trabajo en video, sea él en HD o cualquier otro formato digital. Si no tienes una copia en 35 mm, por ejemplo, no puedes inscribir tu producto en varios festivales importantes del escenario nacional. Considero realmente absurdo este tipo de perspectiva, pues no importa y no influye en nada el contenido de la obra. Es lógico que una cinta hecha en 35 o 16 mm queda estéticamente más bonita, pero, además de todo el proceso ser altamente dispendioso, es contaminante al medio ambiente y encima segrega los tipos de productores del audiovisual en el país. Todo eso termina reflejándose en las salas de cine, que en la gran mayoría son de corporaciones que cobran precios altos por la entrada y contribuyen con una dictadura cultural apoyada por los estudios y mercado cinematográfico americano, que nos obliga cada vez más a consumir productos del audiovisual americano. Yo no tengo coraje de pagar 20 o 30 reales para ver una película en una sala de cine, siendo que la misma cinta está disponible por internet para hacer el download, eso sin hablar de la calidad y carácter tendencioso de este tipo de película. Creo que el público que frecuenta, disfruta, entiende y participa de los circuitos de cine será cada vez más reducido si esta situación no cambia, como lo que ocurre con la industria fonográfica en el globalizado mundo actual.

AC. ¿Tienes nuevos proyectos en el área de ficción? ¿Cuáles?
JM. Actualmente vengo dedicándome a proyectos de bandas sonoras y documentales que tengo hace mucho en el cajón. Tengo sí algunos proyectos de ficción en etapa de idealización, uno de los proyectos en etapa de preproducción trata sobre músicos en Brasil.

Teatrales argentinas: opciones para niños, adultos y también para todo público

Sábado, 20.06.2009 I Teatro argentino

Comedia muestra a hombre abandonado por su novia.

La obra Me Duele una Mujer (foto), comedia dramática escrita y dirigida por Manuel González Gil, será presentada los días 21 y 28 de este mes, luego de funciones en espacios como el Teatro San Martín, la Ciudad de las Artes y el Cineclub Municipal, entre otros. La trama presenta a Miguel Sánchez, un joven profesor de filosofía que es abandonado por su novia Paula, y vive los primeros seis meses desde esa separación. Un psicoanalista lo recibe en las diversas etapas de su tratamiento, marcando con su particular humor e ironía una paliza terapéutica. La obsesión por Paula provoca que vea en cada mujer al paso a su ex pareja, pero sólo al final se sabrá si logra nuevamente transitar por esa esquina que hoy lo paraliza. Con un elenco compuesto por Fernando Ponce de León, Emilio Mazzuco, Matías Benedetti, Eduardo Ferreyra, Soledad López Vaca y María Hernández, la obra cuenta también con la música original de Martín Bianchedi y la participación de Rufo Cruz (voz y bandoneón) y los bailarines Walter Rodríguez y Andrea Genero. Las funciones se realizarán a las 21:00 en sala Alquimia (avenida Padre Claret, 5033). La entrada tiene un costo de $20.

Teatro Crudo presenta espectáculo en La Ratonera.

Todos los viernes, a partir de las 22:30, el espectáculo Lame Vulva - Ejercicio de Poder es presentado en el Teatro La Ratonera Cultural, en su segunda temporada. Escrita y dirigida por Martín Marcou, la obra no sólo indaga en las diversas formas de violencia, sino que las expone, para favorecer y potenciar las situaciones. Los actores comparten su convivencia y revelan episodios de su cotidianeidad, incluyendo el abuso en todas sus formas: físico, verbal, psíquico y sexual. El espectáculo, llevado a escena por Teatro Crudo, ha sido seleccionado para el III Festival Internacional Fintdaz (Iquique, Chile) y para el X Encuentro Internacional de Teatro Otoño Azul (Azul, Argentina). También ha recogido un sinfín de críticas positivas desde su estreno, el año pasado; mientras Susana Weingast (Página Digital) calificó a Lame Vulva de "extravagante, peculiar, bizarramente profunda" y Daniel Gaguine (Noticias Urbanas) de "gritona, violenta, mordaz", Lucho Bordegaray (Montaje Decadente) asegura que Marcou "estimula un extrañamiento al romper con el estereotipo y seduce al espectador a no mantenerse distante ofreciéndole algo inesperado". Con actuaciones de Checha Amorosi, Puchi Labaronnie y Javier Rosón, la obra permanecerá en cartelera hasta el 31 de julio en La Ratonera, ubicada en la avenida Corrientes, 5552 (Buenos Aires). Las entradas tienen un costo de $20 y las reservas pueden ser hechas al 4857-2193.

Cantando con Adriana es opción para los más chicos.

Los niños también tienen su turno con el espectáculo Cantando con Adriana, que se presenta todos los sábados, domingos y feriados de junio, a las 16:00, en el Auditorio de San Isidro. Declarado de Interés Cultural por la Honorable Cámara de Diputados de la Nación Argentina por su aporte a la cultura y a la educación de los niños, el show es dirigido, producido y protagonizado por la artista Adriana Szusterman, que ha sido convocada en reiteradas oportunidades a participar de los Grammy Latinos, y ya lleva seis libros escritos y pensados para chicos menores a seis años de edad, además de ocho discos grabados. Cantando con Adriana tiene música, títeres y muñecos, y está recomendada para niños de cero a seis años. El auditorio donde se realizan las presentaciones se encuentra en la avenida del Libertador, 16.138 y las reservas pueden ser hechas a los números 4747-9585 y 4742-8987. Las entradas tienen un valor de $40, pero los menores de dos años que no ocupen butaca pagan $20; para más información, basta escribir al correo electrónico.
 

Cortas Bolivianas: Peter Travesí, La Tuja Digital, Bienal de Arte y un taller

Sábado, 20.06.2009 I De todo un poco, Bolivia

Peter Travesí lanza convocatoria para este año.

El Premio Nacional de Teatro Peter Travesí abrió la convocatoria para su decimotercera edición, que se realizará en Cochabamba del 21 al 27 de septiembre de este año. Serán elegidos doce grupos de teatro de sala y otros ocho de teatro de calle, los cuales recibirán un valor de $us 400 cada uno por su participación, además de un trofeo y un certificado. El festival, que excepcionalmente no se realizó el año pasado, de esta vez también llegará a poblaciones cercanas a Cochabamba, como Punata, Cliza, Sacaba y Quillacollo. Para obtener más informaciones, los interesados pueden dirigirse a las sedes de la Oficialía Superior de Cultura de la Alcaldía de Cercado, la Universidad Mayor de San Simón, el Instituto Boliviano de Arte (Ibart) y la Sociedad de Escritores y Poetas, instituciones que están a cargo de la organización.

Arranca la edición 2009 de La Tuja Digital.

La Tuja Digital iniciará este sábado las actividades correspondientes a la gestión 2009, a las 17:00, en la Universidad Nur de Santa Cruz. Además de la presentación de los nuevos participantes, también se exhibirán los trabajos audiovisuales de los chicos de la edición anterior. La Tuja Digital es un proyecto de Locango Films cuyo objetivo es promover las tecnologías y las comunicaciones audiovisuales como herramientas y estrategias de desarrollo social, desde los adolescentes y jóvenes hacia la sociedad civil. El año pasado se dio inicio a este proyecto, que es conducido por Jorge Arturo Lora (director general), Lorena Saillen (directora administrativa) y Waleska Ortega (directora académica), y que contó con la participación de más de 60 chicos y chicas de la ciudad de Santa Cruz.
 

Amplían fecha para la presentación de trabajos del SIART.
A pedido de los participantes y en respuesta al gran interés que generó la VI Bienal Internacional de Arte, SIART Bolivia 2009, se amplió la entrega de trabajos por una semana.

El límite, inicialmente fijado para el 19 de junio, fue extendido hasta el 26 del mismo mes.

La VI Bienal SIART, que está conformada por el Concurso Internacional SIART y el Concurso de Arte Joven, propone Flujos y Reflujos, tema que hace referencia a migraciones y el movimiento de campo y ciudad. El evento es un espacio de promoción, difusión, reflexión e integración a través del arte contemporáneo, que acerca a Bolivia con los procesos artísticos contemporáneos que se desarrollan en el mundo, motiva la producción artística nacional y genera dinámica del arte visual en sus diferentes expresiones. Para mayores informaciones, basta llamar al (591-2) 211-7609 o escribir al correo electrónico (2).

Taller de esgrima para actores se impartirá en La Paz.

Del 7 de julio al 29 de agosto será impartido en La Paz un taller de esgrima para actores, a cargo de Erika Burgos. A lo largo de ocho semanas y en 24 clases, se abordarán la preparación física y de la guardia, conocimientos básicos de las armas y cómo se esgrime cada una de ellas y movimientos de ataque y defensa. Las clases serán los martes y jueves (de 16:00 a 18:00) y los sábados (de 10:00 a 12:00), en la sala de ensayos Moisés, del Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez, donde se realizan las inscripciones, de 15:00 a 20:00. Es posible recabar más información en los números 240-6133 y 762-68206. El costo es de Bs 160 y el límite es de 20 alumnos.

Serie Perfiles del Teatro, Cine y Video en Brasil I Josias Pereira, realizador

Sábado, 13.06.2009 I Video brasilero I Esta nota en portugués

Un hombre acaba de recibir calabazas después de un piropo desafortunado. De repente, una mujer joven y atractiva aparece a su lado y le dice: "Mirá, pasa lo siguiente, estaba allí del otro lado de la calle, y te vi mirando aquella chica, de ahí pensé 'Pobrecito, debe estar con ganas'. Entonces vine aquí, a preguntarte si vos... me querés coger...". Es con ese punto de partida inusual que Josias Pereira inicia el corto Mundo em Mudanças (Mundo en Cambio), que se convirtió en una suerte de fenómeno en YouTube, acumulando más de 4 millones de reproducciones y generando casi 800 comentarios desde que está en el aire.

El director ya produjo incontables videos de bajo presupuesto con su productora ERD Filmes (fundada en 1992), participando de diversos festivales y conquistando más de una decena de premios, cuatro de ellos internacionales. Autor, profesor y realizador, Pereira fue recientemente galardonado en el Festival de Contenidos Digitales, de la Universidad del Minho (Portugal), por A Escola Gerando Traumas (La Escuela Generando Traumas), un excelente documental en que un joven de la periferia de Teresina, en el nordeste brasileño, habla sobre su indignación con el sistema educativo del país.

Recién llegado de la décima edición del Intercom Sur, realizada en Blumenau y donde presentó dos trabajos de pesquisa científica, Pereira concedió una entrevista para ALDEA CULTURAL, hablando sobre sus motivaciones y metodología de trabajo.

Entrevista I Josias Pereira, realizador

"Mis cortos no responden y sí provocan preguntas"

ALDEA CULTURAL (AC). Tu corto Mundo em Mudanças es un verdadero fenómeno en YouTube, con más de 4 millones de reproducciones. ¿Cómo evalúas la repercusión de este trabajo?

JOSIAS PEREIRA (JP). En principio trabajamos con la idea de presentar un guión donde las personas pudieran ver los cambios realizados por las mujeres en la actualidad y que el hombre no está preparado para esta mujer. Por eso muchas mujeres están solitarias. Escribo el guión siempre con base en psicología (esquemas mentales y la teoría de la representación social) y sociología. Creo que por eso mueve a las personas. Al principio era sólo una broma con trasfondo psicológico, y creo que fue mucho más allá de eso, es muy divertido ver las respuestas de las personas. Como uso también la semiótica, creamos los niveles narrativos, o sea, escribimos para que las personas entiendan el nivel discursivo (el más básico), pero escribimos también para el nivel narrativo y profundo. Creo que por eso tiene éxito. Todos los niveles entienden, pero creo que la verdad es que las personas ven en la pantalla lo que siempre soñaron. Una mujer bonita y atractiva, que no es prostituta, queriendo tirar con él. Es un sueño, ¿verdad? (risas)

AC. Los cortos generalmente no tienen muchos espacios de exhibición y los mecanismos de distribución para el formato prácticamente inexisten. ¿Cuál es la salida para que puedan ser vistos por más espectadores y al mismo tiempo sean sustentables económicamente?
JP. Bueno, en cuanto a la exhibición, basta que las emisoras de cable vean el video con una mirada más bondadosa y no con miedo de perder espacio. Siempre creí en el video desde el inicio en 1992, pues creo que el video es la resistencia contra el sistema. Hago lo que quiero en mis videos y veo que hay personas que quieren conocer eso. Creo que con la TV digital el video va a crecer mucho más. Sólo para que tengas una idea he creado el Videvideo de la UFRJ (Universidad Federal de Río de Janeiro) en 1997 y hoy él recibe un promedio de 200 videos por año. Entonces hay mucha gente haciendo y viendo. Creo que internet aún es el mejor espacio para democratizar el medio y YouTube seguramente es la punta de esta revolución, hoy hasta el Big Brother Brasil tiene espacio para exhibir videos, en el Fantástico, en el Faustão (programas de TV brasileños)... Es el fin de la grilla fija de la homogeneidad e inicio de la pluralidad de estilos. Pero eso la psicología ya discute hace años con la salida del hombre homogéneo, racional, y la entrada del posmoderno, del hombre plural sólo leer Foucault o Giddens, está todo allí, sólo que materializándose ahora poco a poco.

AC. ¿Cómo surgió la idea de hacer el filme O Assalto Nosso de Cada Dia (El Asalto Nuestro de Cada Día)?
JP. Trabajaba en una ONG en la Maré (complejo conformado por diversas favelas en Río de Janeiro) y veía las historias de los chicos sobre cómo era el tráfico al principio y pensé en juntar el inicio con lo que ocurre hoy; un malandro de los años 50 en los días de hoy, ingenuo y que sólo quiere vivir y pasarla bien. Entonces surgió el personaje que me gusta, que es interpretado por Nando Cunha, gran amigo y excelente actor. Me encantó filmar este corto, que tuvo ayuda de varias personas.

AC. ¿De qué forma es hecha la selección y preparación de actores para los cortos? Háblanos acerca del método especial que has creado para dirigirlos.
JP. Sí, eso es importante. El ensayo es superimportante. En realidad la dirección usa bases de la sociología, antropología y psicología. Creamos no el personaje, pero un ser humano completo con sus miedos y su base. Llamamos epistemología del personaje, pues detallamos el porqué del personaje actuar. O sea, el parlamento es lo de menos, pero sí el porqué del personaje hablar aquello, lo que lo mueve a decir la palabra y actuar de aquella manera. Así, vemos que el personaje antes de todo es un ser humano y él tiene debilidades y es fuerte, tiene miedos y traumas. El parlamento es lo de menos en la dirección, pero la intención es algo que los actores extrañan, dirijo los actores encima de lo que los personajes no hablan y no sobre lo que se habla.

AC. En casi todos tus cortos, las historias llevan el espectador a reflexionar sobre temas sociales, generalmente sobre la juventud. ¿Cómo es hecha la selección de los asuntos que son abordados y cuáles son tus fuentes para desarrollar los guiones?
JP. La fuente es la vida, ¿verdad? Basta observar alrededor. Como Platón, creo que el guionista, el artista es sólo un radio que recibe del mundo de las ideas y pone en papel lo que las personas querían hablar o ver, el artista debe servir como lo que la comunidad quería decir y no sabía cómo, ése es el papel del artista, está adelante y no detrás de la sociedad. Generalmente veo algo simple y me quedo pensando sobre el porqué de eso y así se va desarrollando; luego, después de la inspiración viene la parte de la sociología, psicología, etc., que van a contribuir a dar una base para reflexión. Por ejemplo, estoy haciendo un guión sobre el miedo que las mujeres tienen de ser rechazadas, cómo la sociedad creó en ellas esas ideas de que no pueden ser rechazadas. Creé un guión donde un tipo viola a una mujer y ella intenta salir, entonces el tipo en medio a la violación falla, ella ríe y él la culpa, porque es flaca y no atractiva; él se va y ella le ordena que vuelva y la viole, porque no puede fallar con ella.

AC. Pese a que tu trabajo es hecho generalmente en Río, también realizaste una serie de cortos en Londrina. Cuéntanos cómo fue la experiencia y por qué decidiste grabar en esa ciudad.

JP. Ahora vivo en Maringá, produje en Londrina porque estaba viviendo allí también en función de mi trabajo. Me pareció raro Londrina, pues en Río los actores quieren hacer y aprender, pero en Londrina querían ganar dinero, algo que me dejó triste, porque no ganan nada, pierdo dinero para hacer, pero encontré un grupo muy bueno y fue excelente grabar con ellos.

AC. ¿Acerca de qué eran los cortos? ¿Eran los temas parecidos a los abordados en Río o el estilo fue diferente en este caso?
JP. Mismo estilo, no cambié nada. Bromeo que ERD no responde y sí provoca preguntas.

Casateatro estrena musical con una treintena de artistas sobre el escenario

Jueves, 11.06.2009 I Teatro boliviano

Casateatro estrenará este viernes en la Casa de la Cultura Raúl Otero Reiche el espectáculo Cabaret, el primer musical realizado en Santa Cruz de la Sierra, en un montaje que reunirá a treinta artistas sobre el escenario, para una temporada que se prolongará hasta el fin del mes, en nueve funciones.

El desafío de la tradicional compañía cruceña es uno de los mayores de sus 23 años de historia, pues supondrá la presentación de una treintena de artistas simultáneamente, de los cuales doce son actores, cinco bailarinas y el restante cantantes e integrantes de la orquesta, que interpretará los temas en vivo. Todo ello con frenéticas y delirantes coreografías, además de la firma de César Morón y Ejti Stih en la elaboración y creación de la escenografía y el vestuario.

Ésta es la primera vez que el director general de la puesta y de la agrupación, René Hohenstein, trabaja con tantas personas en el escenario, además de significar también el retorno de Casateatro a la Casa de la Cultura luego de un periodo de quince años. Para ello, se ha invitado al coreógrafo Gonzalo Canedo y al director musical Vladimir Suárez; el primero está a cargo de las cinco bailarinas profesionales y de todos los cuadros musicales, mientras el segundo se trasladó dos veces desde México para los ensayos con una orquesta especialmente seleccionada para la obra.

La propuesta de Casateatro es convertir la sala de la Casa en un club nocturno de la Alemania de los años 30. Éste será un lugar de sensualidad en el cual la joven cantante Sally Bowles (Nadia Córdova) y Emcee (Rosendo Paz), el travieso maestro de ceremonias, intentan llevar alegría y esperanza a los miles de visitantes que llegan atraídos por la fama del cabaret. Entre estos visitantes se encuentra Cliff (Juan de Dios Castro), un escritor americano que se enamora de Sally. La historia de amor se entrelaza con la de la casera (Waleska Ortega) y el judío Herr Schultz (Jorge Urquidi), y con la presencia de otros personajes como el nazi Ernst Ludwig (Hugo Francisquini) y la prostituta Kost (Dolly Peña).

A través de todos los personajes que componen la trama, se deja entrever la decadencia del pueblo alemán, entrando en un momento crítico de su historia, y la necesidad de un lugar donde se pueda evadir toda realidad. Hermosas cabareteras y un ambiente de la época completan el cuadro de esta versión del musical escrito originalmente por Joe Masteroff y musicalizado por Kander & Ebb. 

Este espectáculo es posible gracias al apoyo de la Fundación Cultural ITOS y de Humberto Roca, creador y primer mecenas del Fondo Casateatro. Serán sólo nueve funciones, a realizarse los días 12, 13, 14, 19, 20, 21, 26, 27 y 28 de junio, siempre a las 20:00, en la Casa de la Cultura cruceña. El costo de las entradas es de Bs 100.

Cabaret I Casateatro

Dirección general: René Hohenstein I Dirección coreográfica: Gonzalo Canedo

Dirección musical: Vladimir Suárez Arredondo I Producción ejecutiva: Alcides Parejas

Benefactor Casateatro: Humberto Roca I Asistencia de dirección: Gloria Fernández

Control general: Guido Álvarez I Iluminación: Ernesto Saavedra

Escenografía: César Morón I Vestuario: Ejti Stih

Actores: Rosendo Paz, Nadia Córdova, Waleska Ortega, Juan de Dios Castro, Jorge Urquidi, José Castro, Dolly Peña, Hugo Francisquini, Ilya Hohenstein, Luis Jorge Francisquini, Bruno Bazán, Fernando Gamarra

Bailarinas: Cecilia Montalván, María Peredo, Mónica Ruiz, Jimena Coimbra, Tatiana Unzueta

Coro y Orquesta: Carlos Benítez, Ray Subieta, Fernando Suárez, María René Luck, Daniel Takano, Isaac Padilla, Juan Pablo Coimbra, Jeanneth García, Claudia Fernández, Leslie Muñoz, Cecilia Díez de Medina, Claudia Delgado, Laura Albertengo
 

Teatro Albor presenta obra basada en el más famoso libro de Eduardo Galeano

Jueves, 11.06.2009 I Teatro boliviano

La compañía alteña Albor estrenará este jueves, en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez, de La Paz, la obra Las Venas Abiertas de América Latina, basada en el famoso ensayo homónimo del escritor uruguayo Eduardo Galeano.

El texto original, publicado por primera vez en 1971, fue estudiado y adaptado por el grupo, algo que según su director, Willy Flores, resultó ser muy difícil. "Pero aceptamos el reto y una vez construido el guión trabajamos desde el 2006 en la puesta en escena hasta que la estrenamos en agosto del 2007 en el Teatro Municipal Raúl Salmón de la ciudad de El Alto", sostuvo.

En total, son doce actores que recrearán la historia de América Latina, en una obra que fue presentada anteriormente en el Premio Nacional de Teatro Peter Travesí 2007, en la ciudad de Cochabamba. En aquella oportunidad, uno de los integrantes del elenco, Ángel Terceros, obtuvo el premio al mejor actor de reparto.

Las Venas Abiertas de América Latina fue escrita en una época en que el continente se encontraba golpeado por los enfrentamientos políticos e ideológicos de aquel momento; en ese entonces, muchos países de la región se encontraban o caerían bajo el régimen militar. En el ensayo, Galeano analiza la historia latinoamericana narrando los saqueos de los recursos naturales por parte primero de España y Portugal y luego de Reino Unido y Estados Unidos. Casi 40 años después de su publicación, la obra continúa vigente y continúa como referencia para entender la realidad local.

Las presentaciones en La Paz se realizarán los días 11 y 12 a partir de las 19:30, con un elenco compuesto por los actores María Elena Cárdenas, Samuel Alcázar, Eddy Ticona, Willy Flores —que además dirige la puesta—, Lourdes Mamani, Yuli Gutiérrez, Rolando Parrado, Rosa Orosco Hiram y Mirio Alacama.

Teatreras: Realidades de gira, Simulacro en Santiago y Sara Helen en Lima

Viernes, 05.06.2009 I Teatro, América Latina I Noticia

Bolivia. Realidades está en gira por todo el país.

La Compañía Realidades, de La Paz, se encuentra en la gira de su reciente obra Ay, Concepción, comedia dramática recibida con elogios anteriormente en Potosí y Sucre. Este año, el grupo recorrerá ciudades como Tupiza, Villazón, Llallagua (junio), Tarija, Villamontes, Yacuiba, Bermejo (julio), Cochabamba, Quillacollo, Aiquile y Punata (agosto). La gira será concluida en noviembre en La Paz, luego de pasajes por las ciudades benianas de Trinidad y Riberalta. Ay, Concepción narra la historia de una muchacha que, luego de quedar huérfana de madre, ve a su padre ser acusado de un delito que no cometió, siendo recluido por muchos años en la cárcel. Desde ese momento su vida se convierte en un sacrificio, pues sólo cuenta con el apoyo de su dedicada nana; las cosas cambian cuando Concepción se entera de que antes de morir su madre le había dejado dinero, lo que despierta el interés de muchas personas, entre ellas un doctor, que trama un plan casi perfecto para adueñarse de todo. Pero él no cuenta con la picardía del curita Jerónimo, consejero espiritual de la familia, que entra en acción a partir de entonces. Dirigida por Raúl Villarroel, la compañía está integrada por los actores Ruth Severich, Tito Fernández, Maricruz Pumarino, Ramiro Espejo, Marisol Romero, Belén Escobar y Julio Flores, entre otros. Para mayor información, escribir al correo o llamar al teléfono 732-02128.

Chile. Simulacro de vuelta a salas santiaguinas.

El espectáculo Simulacro, ópera prima de la compañía de teatro La Re-sentida, se reestrena en Santiago, donde quedará en cartelera hasta el 21 de este mes, en funciones los días jueves, viernes y sábado, a las 20:30, y domingo, a las 20:00. Ésta será la última temporada de la obra ganadora del Festival 8 para Directores Teatrales, que se adjudicó también el premio a la mejor actuación masculina, además de ser nominada a los premios Altazor 2009 (mejor dirección) y haber sido seleccionada para el Festival Internacional Santiago a Mil, en la categoría emergentes. La trama presenta a diversos personajes que muestran a un país que es lugar de unos pocos: "un obrero que exige ganarse un Fondart para arreglarle la dentadura a sus hijos, el hijo de un detenido desaparecido que no puede entrar al Estadio Nacional, el niño que tira piedras a los autos desde las pasarelas, la receta de unas humitas, un oso panda que no tiene opinión, el vendedor de Ripley que muere con un TV plasma en sus manos, el actor que necesita ser subversivo y que sus maestros le enseñaron a sufrir como un pobre, el casting para buscar los que interpreten a 'Los héroes de Antuco' y una mujer que necesita urgentemente sentirse chilena". El elenco está compuesto por Benjamín Westfall, Pedro Muñoz, Marco Layera, Nicolás Herrera y Carolina Palacios; la dirección es de Layera, con asistencia técnica de Paola Arancibia y Carlos Silva. Las entradas tienen un costo de $3.500 (general), $2.500 (estudiantes) y $2.000 (viernes populares) y lasa reservas pueden ser hechas al 02-777-9825 o al correo electrónico. El Teatro Antonio Acevedo Hernández (UCINF), donde se realizan las funciones, está ubicado en la calle Ernesto Pinto Lagarrigue 0180 (Barrio Bellavista).

Perú. Kareen Spano interpreta a Sara Helen.

La actriz Kareen Spano protagoniza la performance Sara Helen, con la cual el reconocido director limeño Guillermo Castrillón prosigue su búsqueda en la comprensión del universo femenino. Luego de las bien sucedidas experiencias con Escrito por una Gallina y Mujeres que habitan en mí, Castrillón recupera el mito de Sara Helen, mujer inglesa que vivió a fines del siglo XIX y que fue condenada a la horca, con tan sólo 21 años, acusada de brujería. Se cuenta que antes de morir ella maldijo a todos los que la habían condenado y prometió volver cien años después, para vengarse. La gente del pueblo no permitió que se la sepultara allí y la Iglesia decidió que no debía enterrarse a alguien así en ningún lugar del Reino Unido, de manera que su esposo debió cruzar el Atlántico y recorrer el continente hasta llegar al puerto de Pisco. Allí consiguió un nicho en el cementerio del pueblo, donde el cuerpo de Sara permanece hasta ahora. Tomando como punto de partida esta historia, Castrillón aprovecha para hablar del poder y misterio de la mujer, con un unipersonal en que la actriz transita por una serie de acciones y elementos que remiten a la historia de Sara. Las funciones, que se iniciaron el miércoles, proseguirán hoy y mañana, a las 20:00, en la Galería Germán Krüger Espantoso, del Icpna de Miraflores (avenida Angamos Oeste 120). Las entradas tienen un costo de S/.40 (general) y S/.20 (estudiantes y jubilados).

El Che de Soderbergh devela la segunda parte de su controversial historia

Martes, 02.06.2009 I Cine, Bolivia I Noticia I Esta nota en portugués

Luego del estreno en las ciudades de Cochabamba y La Paz, llegó la hora de que el público cruceño conozca la segunda parte de la historia contada por el cineasta Steven Soderbergh acerca del mítico guerrillero y revolucionario cubano Ernesto 'Che' Guevara, quien terminó muerto en la selva boliviana hace más de 40 años, en medio de la campaña que realizaba en el país.

Che parte 2: Guerrilla (otra web) viene precedida por el éxito de Che parte 1: el Argentino, que fue estrenada en enero en Bolivia con gran afluencia de espectadores en las salas. La primera entrega valió al actor principal, Benicio del Toro, el Premio Goya a la mejor interpretación masculina en la gala realizada por la Academia Española, y la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

Además de tener a Soderbergh (Sex, Lies and Videotape, Traffic) en la dirección y a Del Toro (Traffic, 21 Grams) en el rol protagónico, la cinta cuenta con un gran elenco de estrellas internacionales, entre las que se destacan nombres como el de la alemana Franka Potente (Tania) —quien estuvo anteriormente en otra producción realizada en Bolivia, La Cacería del Nazi—, la inglesa Julia Ormond (Lisa Howard) y el estadounidense Matt Damon (Schwartz), que hace una participación especial en el filme.

Completando el reparto, figuran reconocidos actores de diversas nacionalidades de los dos lados del Atlántico: Carlos Bardem (Moisés Guevara), Demián Bichir (Fidel Castro), Joaquim de Almeida (Presidente Barrientos), Eduard Fernández (Ciro Algañaraz), Marc-André Grondin (Regis Debray), Óscar Jaenada (Darío), Kahil Méndez (Urbano), Jordi Mollà (Capitán Vargas),  Gastón Pauls (Ciro Bustos), Jorge Perugorría (Joaquín), Norman Santiago (Tuma), Mandy Riesco (Benigno), Lou Diamond Philipps (Mario Monje), Rodrigo Santoro (Raúl Castro) y Catalina Sandino Moreno (Aleida March). 

Pero también el talento boliviano está representado, con la presencia de los actores Luis Bredow, Cristian Mercado, Antonio Peredo, Jorge Arturo Lora, Roberto Guilhon y Daniel Larrazábal, entre otros. Asimismo, nombres como el de Rodrigo Bellott, Paola Gosálvez y Gerardo Guerra están en los créditos de producción y casting de la cinta, tal como ocurre con otros profesionales del país, tanto en frente como detrás de cámaras.

Che parte 2: Guerrilla arranca con el 'Che' en lo más alto de su popularidad y poder tras la Revolución Cubana, cuando pronuncia un vehemente discurso en las Naciones Unidas, reafirmando su compromiso con la lucha del Tercer Mundo contra el imperialismo norteamericano. Luego reaparece de incógnito en Bolivia, irreconocible y realizando
operaciones encubiertas, en una aventura de idealismo y llevando a cabo la guerra de guerrillas que finalmente fracasa y lo conduce a la muerte.
 

La première realizada hoy a las 20:30 en el Cine Center es sólo para invitados; el público en general podrá ver el filme a partir del jueves 4, en la misma sala, en diferentes horarios. Los teléfonos de contacto para obtener más informaciones son el 244-4090 (Cinemateca Boliviana, La Paz), 707-98410 (Cochabamba) y 311-5098 o 702-00408 (Santa Cruz).

La película es presentada en Bolivia gracias a la distribuidora Londra Films, que tiene los derechos de exhibición de la cinta en el país.

Cinco actores presentan una Noche Árabe en el Teatro de Cámara en La Paz

Lunes, 01.06.2009 I Teatro, Bolivia I Noticia

Desde hoy hasta el 3 de junio, el Teatro Municipal de Cámara, en La Paz, será el escenario de presentación del espectáculo Noche Árabe. Dirigida por Sergio Caballero, la obra es una de las que más veces ha sido representada en Latinoamérica en los últimos años, con diversos montajes también en el continente europeo.

Escrita por Roland Schimmelpfennig, la pieza muestra un edificio, que será el espacio ideal para una serie de extraños eventos que tomarán total autonomía en un extraño juego. Cinco personajes se adentran en un viaje de sensaciones, de revisión de la memoria como refugio ante el hastío de la cotidianidad, persiguiéndose sin encontrarse, varados en sus respectivas soledades. Buscándose a sí mismos, surgen los reflejos del pasado y las proyecciones del futuro como coartadas ante la incomunicación.

El autor, considerado uno de los principales dramaturgos contemporáneos europeos, nació en 1967 en Göttingen (Alemania) y trabajó como periodista en Estambul antes de sus estudios de dirección teatral en Munich. Comenzó a escribir teatro en 1996 y ya tiene más de quince obras publicadas o estrenadas por importantes compañías de diferentes partes del mundo, con textos como La Mujer de Antes y Antes, Después.

Por su parte, Sergio Caballero es el actual jefe de la Unidad de Teatros y Espacios Culturales del Gobierno Municipal de La Paz, con amplia formación y trayectoria en las tablas nacionales. Ganador de los premios Peter Travesí (2000) y Huáscar Cajías (2003), fue fundador y director del Taller de Teatro de la Facultad de Arquitectura y Bellas Artes, además de haber gestionado el proyecto de la primera escuela de artes escénicas de Bolivia, con el apoyo de la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. 

En este proyecto, Caballero plantea una puesta en escena que gira en torno al encuentro y desencuentro de los espacios escénicos y dramáticos. Los cinco actores comparten un mismo espacio sin interactuar entre ellos; se encuentran en una especie de vitrina o pecera virtual entre un público enfrentado. La música es un personaje más en la obra, marcando el ritmo y la intensidad del proceso de agonía de cada uno de los personajes.

Noche Árabe tiene un elenco integrado por Daniela Lema (que interpreta a Fátima Mansur), Paola Medina (Francisca Díaz), Noel Meruvia (Pedro Carpati), Miguel Alfaro (Kalil) y Sergio Caballero (Juan López). La música en vivo está cargo del DJ Guerrero, mientras Alejandra Sanzetenea es responsable por la iluminación y asistencia de dirección. El espectáculo, cuya duración es de 60 minutos, se presentará en tres funciones, siempre a las 19:30; el costo de las entradas es de Bs 20.

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