El artista paraguayo cumplirá cuatro décadas de trabajo sobre las tablas el próximo año I Foto: Obra Galileo

José Luis Ardissone: "En la dictadura, el teatro era una ventana a la esperanza"

Jueves, 24.12.2009 I Esta nota en portugués I Todas las entrevistas 

Arquitecto, actor, director, escenógrafo, vestuarista y dramaturgo. José Luis Ardissone, el fundador de Arlequín Teatro, la compañía más emblemática de Paraguay y una de las más importantes del continente, es un artista que desarrolló varios talentos a lo largo de una carrera que suma una cantidad impresionante de realizaciones, premios y reconocimientos.

Ardissone nació en Asunción el 3 de noviembre de 1940 y desde temprano empezó a nutrir gusto por la actuación. Sin embargo, se formó en Arquitectura en la ciudad brasileña de Río de Janeiro, adonde llegó a fines de los años 50, en una época de gran efervescencia artística en el país que veía en ese entonces el surgimiento de la bossa nova. "Escuché y vi tocar en una misma noche a Tom Jobim, Vinicius de Moraes, Nara Leão y João Gilberto", recuerda.

Fue solamente en 1970 que el artista decidió dedicarse a la carrera teatral; y desde entonces no paró más. Fue cofundador del Grupo Gente de Teatro y, el 3 de mayo de 1982, fundó el Arlequín Teatro, que se destacó a lo largo de los años no sólo por su trabajo sobre las tablas sino también por su labor de difusión y contribución social. La compañía ya se presentó en Argentina, Uruguay, Chile, Bolivia, Brasil, Perú y Portugal, además de ser considerada de Interés Cultural Nacional por el Parlamento paraguayo.

Con más de 150 obras llevadas a escena y reconocimientos conquistados en Paraguay y en el exterior, el Arlequín Teatro sigue trabajando con el mismo ahínco en nuevos proyectos, como reveló su fundador en esta entrevista realizada en noviembre por ALDEA CULTURAL. Entre otros temas, Ardissone también habla de los años difíciles de la dictadura, de su estadía en tierras brasileñas y del nivel actual del teatro de su país.

Arlequín Teatro: Las Troyanas (1984); La Prohibición de la Niña Francia (1994); Adivine Quién Viene (2007)

ALDEA CULTURAL (AC). Su compañía ya lleva casi 30 años de trabajo sobre las tablas, con más de 150 puestas realizadas y varios premios y reconocimientos. ¿Cuáles han sido los momentos más gratos y, en contrapartida, los más difíciles en todo este tiempo?
JOSÉ LUIS ARDISSONE (JLA). Llegar a completar 27 años de labor teatral ininterrumpida en un medio difícil, y a veces hasta hostil, es un placer muy grande. Cada aniversario nos llena de satisfacción. Levantar el telón una y otra vez, sentir el favor del público, ver cómo nuevas generaciones de actores y actrices se van formando a nuestro lado, cómo se consolida el trabajo de compañeros, es también una alegría grande. Recibir el reconocimiento de instituciones, privadas y oficiales, del país y del extranjero, nos reconforta y nos alienta. Han sido muchos los momentos de alegría en todos estos años. En nuestra historia hay también momentos difíciles y de pesar. La pérdida de nuestro primer local, las amenazas del régimen político imperante en el Paraguay en los primeros siete años de nuestra existencia, problemas económicos que nos angustian cada tanto, la partida definitiva de varios de los compañeros que nos acompañaron en muchas puestas, el fracaso de algunas puestas en escena que pensábamos serían exitosas, nos dejan el alma abatida. Pero lo importante es saber vencer los obstáculos y como cantaba la 'Madre Coraje' después de sufrir tanta angustia: "hay que seguirla y no aflojar".

AC. Cuando usted fundó el Arlequín Teatro, Paraguay y buena parte del continente vivían bajo la dictadura militar, aunque los reclamos por el regreso de la democracia ganaban cada vez más fuerza. En ese contexto, ¿había una dificultad especial en hacer teatro? ¿Qué cambió de aquel tiempo para los días de hoy?
JLA. En los años de la dictadura, el teatro era una ventana abierta a la esperanza. Nuestro repertorio incluía obras de la dramaturgia universal que de alguna manera decían lo que nos pasaba como nación y como habitantes de este país. El público que llenaba la sala escuchaba en boca de los actores aquello que le oprimía el pecho y la garganta, y sentía que era él el que se expresaba. El control era severo, la censura fuerte, pero los encargados de ejercerla eran también ignorantes. Los que hablaban eran Shakespeare, Molière, Sófocles, Eurípides, y los censores no los entendían, pero el público sí. Hasta que llegó un siniestro personaje escapando de España y de los aires nuevos de allá, y ése sí, director de teatro, entendía y nos denunció. Primero fue la orden de cierre del teatro, orden que no llegó a concretarse gracias al entonces ministro de Educación, luego las amenazas anónimas de explosión de bombas en la sala, después el control directo y permanente de la policía en cada representación. Y esto, hasta el mismo día del desmoronamiento del régimen. Después el desconcierto, ya no había contra quién luchar, y el público buscaba otros medios de diversión. El teatro dejó de ser ese centro donde llenaba el alma. Pero todo vuelve a su cauce, de a poco, luchando contra la banalización de la sociedad, la indiferencia de los medios, los avances de la alocada globalización, el teatro fue recuperando su lugar. No es hoy una necesidad, pero las propuestas llegan a un público que aprecia la emoción de verse reflejado en escena. Y algo está cambiando desde el Gobierno; alguna conciencia existe ahora de que el teatro, como decía Lorca, "es la herramienta más eficaz para la edificación de un país", y algún ladrillo tímido está siendo puesto por los que nos gobiernan, en esta época de cambios casi empantanada en la añoranza de los que van perdiendo privilegios.

AC. ¿Cuándo y cómo surgió su pasión por las tablas y cuáles fueron sus primeros acercamientos al teatro?
JLA. Desde muy niño sentí la necesidad de tener frente a mí alguien a quién contar una historia. Era el 'actor' infaltable de las comedias escolares. Tenía ocho años cuando representé al héroe máximo de la historia paraguaya, el Mariscal Francisco Solano López, uno más cuando representé al General José de San Martín. Pero tuvieron que pasar varios años, hasta que mi profesión de arquitecto me acercó profesionalmente al teatro. Comencé como escenógrafo de la Compañía de Comedias del Ateneo Paraguayo. Al poco tiempo, en 1970, fundamos con otros compañeros el Grupo Gente de Teatro, y allí se produjo mi primera incursión como actor en la farsa de Aurelio Ferreti El cajero que se fue hasta la esquina. Desde entonces nadie consiguió bajarme de las tablas. En 1982 fundé el Arlequín Teatro, y levanté su primer local en un viejo depósito en ruinas con los ahorros que pude hacer con mi profesión de arquitecto, y el apoyo de mi esposa, hoy fallecida, de mi familia y de algunos amigos. Después me dediqué a dirigir, y hoy, cuando pasaron sesenta años de aquella primera actuación infantil, continúo con esta apasionante carrera, dirigiendo y actuando y al frente del Arlequín Teatro, con el apoyo de tres de mis cinco hijos.

AC. Usted realizó estudios de Arquitectura en Río de Janeiro. ¿Qué recuerdos guarda del periodo en que vivió en tierras brasileñas? ¿Llegó a tener en ese entonces contacto con artistas locales?
JLA. Creo que lo mejor que mis padres hicieron por mi formación fue haberme enviado a estudiar Arquitectura a Río de Janeiro en 1959. De una sociedad chata y cerrada, como era la Asunción de entonces, pasé a vivir en una ciudad fascinante de un país que vivía sus 'años dorados'. Lo primero que aprendí, yo que había visto subir al poder a Stroessner a los 13 años, fue el valor de la libertad y la democracia. Asistí fascinado a los años del gobierno de Juscelino Kubitschek, a la campaña electoral que llevó al gobierno a Janio Quadros, al shock de su renuncia, a la asunción de João Goulart. Ya había vuelto a Asunción con el título bajo el brazo cuando el 1 de abril de 1964 el golpe militar instauró la dictadura brasileña. Viví el nacimiento de la Bossa Nova, escuché y vi tocar en una misma noche a Tom Jobim, Vinicius de Moraes, Nara Leão y João Gilberto, fui testigo de la inauguración de Brasilia y tuve el privilegio de trabajar con Roberto Burle Marx, el más grande paisajista, en el diseño de los jardines de Brasilia y del Aterro de Flamengo en Río. Vi mucho teatro, el que me permitía mi bolsillo de estudiante, pero no tuve contacto personal con aquellos 'monstruos' que eran Tonia Carrero, Paulo Autran, María Della Costa, Flavio Rangel, Fernanda Montenegro, Raúl Cortez y otros.

AC. Ya con su compañía, usted presentó varias obras en Brasil y también en otros países, como Chile, Bolivia y Portugal, por ejemplo. ¿Cómo evalúa la experiencia de presentarse en otros sitios, incluso en lugares donde se habla otro idioma?
JLA. El poder del teatro es tan grande, que no importa donde actúes, basta que lo hagas frente a un grupo de seres humanos para que la magia se instale y tu emoción se contagie. Los paraguayos tenemos el complejo de considerarnos menos que los de otros países. Si algo viene de afuera, es siempre mejor a lo que aquí hacemos. El actuar ante público de otros países permitió comprobar que no somos peores, que somos tan buenos como muchos y que no estamos equivocados en lo que hacemos. Permite también crear vínculos de amistad y profesionales que enriquecen nuestra carrera y nuestra vocación.

AC. ¿Cómo ve al teatro paraguayo en general? ¿Le gustan las propuestas que se presentan actualmente, la dramaturgia, los actores?
JLA. El río está sonando, y cuando el río suena.... El teatro paraguayo está siendo testigo de la aparición de una generación de jóvenes actores y actrices formados en distintas academias, que dan un aire fresco a las temporadas teatrales. No todo lo que se hace tiene valor ni es muestra de talento, pero bastante de lo que se ve tiene méritos suficientes para decir que aquí hay teatro para rato. Quizá sea nuestra dramaturgia la que se resiente de falta de autores. Algunos pocos jóvenes escriben y representan sus obras. Tal vez sea el inicio de una nueva generación de dramaturgos que vayan ocupando el lugar de los que ya no están, o han dejado de escribir, y que en una época conseguían llenar las salas y emocionar con sus obras.

AC. ¿A qué apunta el Arlequín Teatro en este momento y cuáles son los proyectos que la compañía piensa desarrollar en el futuro próximo?
JLA. Desde sus inicios Arlequín se interesó en los jóvenes y en la posibilidad de contribuir a su formación con el teatro. El programa Estudiantes al Teatro permite que más de 25.000 jóvenes asistan anualmente a nuestras representaciones, y no sólo como público pasivo que ve una obra y se va. Se les proporciona material de estudio sobre la obra y su autor y se debate con ellos al final de las funciones, debate que luego continúa en las aulas con sus profesores. El teatro como herramienta de cambio es otro de nuestros programas. Con apoyo de la Inter American Foundation, se realiza el programa Construyendo ciudadanía a través del teatro, con alumnos de cinco instituciones educacionales del área suburbana. En este momento, además de la continuidad de esos programas, nos hallamos abocados a la preparación de nuestro repertorio de la temporada 2010 y a la elaboración de un proyecto de envergadura para adherirnos a la celebración del Bicentenario de la Independencia Nacional en el 2011.

Fotos: obras La Pasión de Rafael Barrett y Monogamía.

La realizadora española Amancay Tapia protagoniza su primer largo junto a cuatro actrices I Foto: Difusión

Cine boliviano en el 2010: Campo de Batalla, ópera prima de Amancay Tapia

Martes, 15.12.2009

El primer largometraje de la cineasta española Amancay Tapia Montes deberá estrenarse el 2010 en salas bolivianas. Campo de Batalla, cuyo rodaje se realizó el año pasado en la ciudad de La Paz, ya se encuentra en una etapa bastante avanzada del proceso de postproducción, que se desarrolla actualmente en Londres.

La realizadora, que anteriormente dirigió cortometrajes como America, My Name is David Guariti, The Death of My Agent y, más recientemente, The Invisible Man, cuenta que el objetivo es estrenar la cinta en La Paz y otras ciudades bolivianas, aunque también está previsto exhibirla en Europa y participar de festivales. La cineasta pondera el esfuerzo hecho por el equipo de rodaje, una vez que se contó con un presupuesto limitado, y destaca que el resultado dejó muy satisfechos al equipo de postproducción y a los dos distribuidores que tuvieron acceso a las imágenes.

Nacida en la ciudad gallega de Pontevedra y radicada desde hace algunos años en Inglaterra, Tapia tiene ascendencia boliviana por parte de padre y es formada en Filología inglesa por la Universidad Autónoma de Madrid, además de tener un Máster en Producción de Largometrajes en el Goldsmith College de la Universidad de Londres. También trabajó como actriz, directora y escritora en el teatro independiente de la capital española, así como en la producción de documentales y diversos proyectos en cine y televisión.

La película presenta a cinco mujeres que quedan encerradas en un salón de belleza debido a enfrentamientos que ocurren afuera. Es así cómo la cineasta y también guionista del film ha construido un relato en que lo más importante es el conflicto humano que se desarrolla al interior del recinto. "La historia no tiene nada que ver con guerra, básicamente es sobre un grupo de mujeres que se ven atrapadas", aclaró la realizadora, en una entrevista concedida a ALDEA CULTURAL en agosto del año pasado.

Una de las protagonistas de la cinta, Claudia Coronel, recuerda que durante prácticamente todo el rodaje debió usar un vestido de novia, lo cual fue particularmente complejo en las escenas de peleas que se llevaron a cabo en determinado momento. Ésa fue sólo una de las dificultades enfrentadas por la actriz, quien destaca sin embargo que se divirtió mucho durante la filmación y que le 'encantó' su personaje. "Amancay me había manifestado desde un principio que la realización de esta película iba a ser definitivamente un rodaje de guerrilla, por tanto los que estábamos en el proyecto aportamos con lo que pudimos y nos ayudamos mutuamente entre todos", asegura.

Al igual que sus demás compañeras de reparto, la actriz de Esito Sería y El Atraco fue elegida a través de un casting, al cual accedió luego de leer una convocatoria difundida mediante correo electrónico. A su lado, otro nombre de destaque en la película es el de Erika Andia, conocida por su actuación en ¿Quién Mató a la Llamita Blanca?, de Rodrigo Bellott, y que lleva a cuestas un nutrido currículum en el que se destacan varias obras de teatro. Fanny Soledad, María Luque y la propia directora completan el elenco sobre el cual se sustenta la historia.

Campo de Batalla tiene la producción ejecutiva del inglés Justin Chilton, mientras Huáscar Tapia ingresó como productor asociado; la Fundación Paideia Galiza aportó además con parte del presupuesto. Asimismo, el equipo en rodaje estuvo conformado por profesionales como Guillermo Medrano (fotografía) y Ramiro Valdés (sonido). La británica Tansy Huws (que actualmente estudia en San Antonio de los Baños) es la editora del film, que posiblemente no será el único que llegue a rodar la directora española en tierras sudamericanas. "Quiero volver a rodar en Bolivia, ya que historias no faltan y el paisaje es tan especial y cinematográfico que me muero de ganas de volver", anticipa.

Amancay Tapia, directora

ALDEA CULTURAL (AC). La película tiene como protagonistas a cinco actrices. ¿Cómo elegiste al elenco y cuándo tomaste la decisión de actuar también en la cinta?

AMANCAY TAPIA (AT). Nuestras actrices fueron seleccionadas a través de un casting que convocamos en la ciudad de La Paz. Algunas actrices se pusieron en contacto conmigo directamente a través de una nota que se publicó en ALDEA CULTURAL el año pasado y otras a través de contactos. Erika Andia es Dolores. La peluquera y dueña del salón de belleza, ella ha pasado diez años en España como inmigrante y al regresar, su hija apenas la conoce. A Erika la vi en la Llamita (¿Quién Mató a la Llamita Blanca?) y me encantó su versatilidad y ese punto cómico tan natural que tiene. Su papel en Campo de Batalla es muy diferente y tanto el equipo de Bolivia como nuestra actual diseñadora de sonido que es de Taiwan pasando por la animadora de la República Checa, todos la elogian por su credibilidad y madurez. Claudia Coronel, que hace el papel de Lupe, una mujer cuyo sueño es vivir en Miami, y que entra al salón el día de su boda a peinarse y maquillarse pero acaba pasando su gran día atrapada en el mismo, fue quizás la actriz que más me sorprendió. El equipo sabía que Erika podía actuar , pero de Claudia apenas sabíamos nada. Y nos sorprendió a todos, actrices incluidas. Nunca la había visto actuar ni sabía nada de ella pero desde la primera prueba vi una joven mujer que había nacido actriz. Claudia es sin duda un gran talento a explorar por otros cineastas de Bolivia. Además es una muchacha muy fotogénica. María Luque, que interpreta a Adelita, la suegra de Dolores (Erika Andia) y abuela de Penélope (Fanny Soledad), tenía la ventaja de tener un papel muy similar al de su personalidad en la vida real. María es una persona muy tranquila, muy paciente, y el papel de Adelita requería de alguien con un punto cómico innato que María sin duda tiene en la vida real. Adelita es además cocalera y aymará y representa a esas mujeres originarias de Bolivia que luchan por mantener la unidad familiar , que son las encargadas de transmitir su cultura y lengua aymará a sus hijos, y que luchan contra la discriminación por su condición de mujer e indígena. Fanny Soledad es Penélope. Fanny es también la hija de María en la vida real y no tenía ninguna experiencia en el cine, de hecho, ella es dentista, pero me gustó su prueba y el hecho de que es una chica muy normal, muy natural pero con ambiciones grandes, al igual que su personaje. Penélope es una adolescente que sufre una disfunción familiar, se ha criado con su abuela y siente más cariño por la abuela que por la madre. En cuanto a mi papel, Ana, una turista perdida en La Paz que acaba pasando sus vacaciones atrapada en el salón de belleza de Dolores, me decidí por mi propia cuenta pero también por insistencia de mi propia madre que ha visto todas mis obras de teatro, cortos y funciones donde he actuado. Al principio estaba muy insegura de mi decisión pero ahora me alegro muchísimo de haber actuado en la película. Las actrices creo que tampoco estaban muy cómodas con la decisión ya que los actores siempre quieren ver a una figura de padre o madre en su director pero creo que cuando vean la película se van a alegrar del resultado final. Para mí fue muy importante ya que un director debe ser también un actor pues tienes que dar pautas constantemente. De hecho, ahora mismo estoy tomando clases de interpretación con unos profesores argentinos y me encanta que me dirijan y ser parte de un grupo de actores. Los cinco personajes son entrañables y todos tienen un lado vulnerable que al principio tratan de ocultar, pero a medida que los conocemos, esa vulnerabilidad sale a flote.

AC. ¿Cómo definirías la experiencia de haber rodado en La Paz y cuál es el recuerdo que tienes de todo el proceso de rodaje?
AT. Ésta fue una película hecha con un presupuesto muy muy bajo, eso ha demorado muchísimo el proceso de postproducción ya que la mayoría, por no decir todo, el presupuesto se esfumó en la producción. Felizmente estamos ya a puntito de acabar el diseño de sonido y de ahí podremos ir ya al online (nota de edición: el diseño de sonido ya se encuentra concluido). Tengo muy buenos recuerdos de mi vida en La Paz, evidentemente en un rodaje hay siempre altos y bajos pero como directora tú eres la responsable de sacar el proyecto adelante por tu propia cuenta así que si te derrumbas, tienes que levantarte y seguir adelante ya que al final del día nadie lo va a hacer por ti o por la película. Aprendí a seguir adelante a pesar de todo. Sin duda, quiero volver a rodar en Bolivia ya que historias no faltan y el paisaje es tan especial y cinematográfico que me muero de ganas de volver.

AC. ¿Cuáles son las expectativas en cuanto a fechas de estreno y sitios donde se exhibirá la película, especialmente en Bolivia?

AT. Mi idea es estrenar la película en Bolivia primero, idealmente en La Paz, que es donde la rodamos. No mucha gente la ha visto hasta el momento a excepción del equipo de postproducción y dos distribuidores y todos estamos muy satisfechos con el resultado final. Creo que puede funcionar bien en taquilla ya que los cinco personajes son mujeres entrañables con virtudes y defectos como todos. Me encantaría estrenarla en el 2010, y espero así sea.

El director argentino tuvo un año copado de trabajo y ya planea nuevos montajes para 2010 I Foto: Archivo

Martín Marcou: "Me interesa forzar mi propia imaginación y la del espectador"

Martes, 08.12.2009 I Esta nota en portugués I Todas las entrevistas 

Brillosa, Lamevulva, Tortita de Manteca: tres obras que tienen en común la exploración del universo femenino, bajo la visión de un mismo autor. Todas fueron presentadas en distintos escenarios en 2009, que ha sido un año intenso en la historia de Teatro Crudo, la compañía creada hace tres años por el actor, dramaturgo y director argentino Martín Marcou.

Nacido en Comandante Luis Piedra Buena, una pequeña localidad de la provincia de Santa Cruz, Marcou demostró desde los cinco años su vocación para la dirección teatral, pues pasaba las tardes de su infancia armando obras en la plaza del pueblo, como reveló en una entrevista para la Revista Afuera. Mientras algunos de sus amigos actuaban, otros se acercaban a mirar, anticipando lo que vendría a ocurrir años después.

Ya en la capital, el artista ingresó al Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA), donde cursó actuación, y a la Escuela Buenos Aires Comunicación (BAC), tomando estudios de dirección y producción en cine y televisión. Con más de quince años de carrera, varios montajes realizados y presentaciones llevadas a cabo dentro y fuera de Argentina, el director se viene firmando como uno de los más transgresores de la escena teatral porteña, asumiendo riesgos tanto en la temática como en la puesta de sus obras.

Hoy Marcou dirige a un equipo de poco más de diez personas, entre actores y técnicos, algunos de ellos integrantes del grupo desde su fundación, en 2006. En esta entrevista concedida en noviembre para ALDEA CULTURAL, el director realiza un breve balance de los tres años de existencia de su compañía, comenta la situación actual del teatro independiente argentino y habla sobre sus planes en las tablas y en otras áreas.

ALDEA CULTURAL (AC). Hace tres años fundaste el Teatro Crudo, del cual eres director. ¿Cuál es el balance que haces de este período?
MARTÍN MARCOU (MM). El balance es positivo, lo cual no significa en absoluto, que no hayamos atravesado momentos de desasosiego, de cansancio, de desaliento. Hemos tenido experiencias intensas y gratificantes. Y también períodos donde la cosa se nos hizo cuesta arriba. El grupo surgió en el 2006 a partir de mi necesidad imperiosa de autogestionar un espacio de experimentación. Cuando se golpean puertas y no se abren, cuando tenés ganas de decir lo tuyo y no encontrás sostenes, lo mejor es no esperar a que las cosas lleguen, sino salir en su búsqueda, sin tener miedo al error, a equivocarse.

AC. Actualmente está en cartelera Brillosa, tú más reciente creación. Cuéntanos un poco sobre la obra y de tu percepción acerca de ella, al verla en escena.
MM. Brillosa es una pieza simple y extraña a la vez. Es muy posmoderna, imperfecta y fragmentada en su construcción. Que funcione depende de la intensidad, y de lo hilarantes y relajadas que estén las actrices a la hora de la función. Es un permitido dentro de lo que venía haciendo hasta ahora. Se edificó en base a retazos de momentos creados por las actrices en los ensayos. Estas situaciones de estados fueron atravesadas por textos sueltos, que escribí sin la intención de construir una historia. La mixtura entre lo que las actrices traen consigo y son a la hora del trabajo, combinado con algunas de mis obsesiones, dieron como resultado un todo que es cruel y divertido al mismo tiempo. Como resultado del proceso creativo, apareció un primer corte, una primera versión, que con el correr de las presentaciones va mutando, ajustándose en su propia forma y dinámica. El desafío es que en sólo 10 presentaciones la pieza pueda alcanzar una forma que nos termine cerrando a todos. Brillosa es una edición grupal progresiva, que acontece función a función. La obra son las actrices hablando de temas como la soledad, la muerte, el desprecio, el vacío, el desamor y principalmente de sus inseguridades y las mías. El público tiene un lugar esencial en la propuesta, porque es el que construye el relato con su mirada. La obra también ironiza bastante, sobre ciertos recursos de los cuales nos valemos 'algunos creadores' en este tiempo, para contar nuestras miradas. Me interesa desvelar el uso y abuso que se hace a veces del efecto, de los gritos, de las peleas y cómo el capricho y la arbitrariedad a la hora de montar una obra tienen su protagonismo. Me divierten los entretelones, evidenciar las fallas, los errores y accidentes, que las actrices dialoguen con el público de forma desprolija, reírme a mi modo del uso de los desnudos, las coreografías y la tecnología digital, entre otros elementos. Preguntarme en escena por qué y para qué tanta maraña de cosas y elementos decorativos y qué pasa con las historia. Me autorizo a divertirme con eso, y las actrices son cómplices de ese juego, lo acompañan muy bien.

AC. Desmesura Vaginal, Lame Vulva, Tortita de Manteca... Todas ellas son obras que hablan de mujeres. ¿De dónde viene ese interés por el universo femenino, que siempre está retratado en tus espectáculos?
MM. Siempre suelen preguntarme eso. Y cada vez que lo hacen, lo vuelvo a pensar. Creo que mi interés por el universo femenino va de la mano con mi historia personal. Mi madre, mi abuela, mis tías, mi prima, mi hermana, mis amigas de la infancia, mis maestras, las señoras del pueblo donde me crié han tenido una fuerte y determinante presencia en mi vida. Estar rodeado de actrices es como seguir rodeado de aquel afecto que recibí de niño, de esa atención especial que construyo en gran parte mi identidad. Al mismo tiempo la mujer como figura, como institución, como ser político me merece el mayor de los respetos. Soy feliz entre mujeres, las banco a morir.

AC. ¿Cómo ves el panorama actual del teatro independiente argentino y por qué crees que es tan fuerte y prolífico, como tal vez en ningún otro país del continente?
MM. Es una pregunta compleja. Además de hacer teatro, y de leer teatro, suelo ver muchas obras. Es un buen ejercicio para ver dónde uno está situado. Creo que hay cosas muy buenas y también de las otras, como ha sucedido siempre. La proliferación de grupos tiene su cosa positiva, que está ligada a la libertad que tenemos de crear, pero a veces en función de esa libertad, y en el afán de hacer, se resigna la calidad de las propuestas. Es necesario y legítimo que cada uno se exprese del modo que lo necesita, pero lamentablemente no hay público para todos. En todo caso habría que rever hacia dónde se apunta, como crear nuevos públicos que sostengan a todos los que hacemos teatro. Hacerse un nicho, un espacio en el teatro independiente no es sencillo. Es verdad que en Argentina se hace teatro en locales abandonados, en galpones, en fábricas, en depósitos, y obvio en espacios preparados especialmente para tal fin, pero hay muchos grupos satélites, que hacen sólo un trabajo y luego se desarman, y hay otros, en donde me incluyo, que priorizamos la investigación, y que luchamos creativamente contra la falta de producción. Me interesa buscar nuevos lenguajes, forzar mi propia imaginación y la del espectador, me gusta trabajar de manera independiente y democrática, donde los roles participativos nutran la propuesta de inventiva, ingenio e impulsos transformadores.

AC. Con tus espectáculos viajaste a festivales en Argentina y en el exterior. ¿Notas una diferencia entre cómo recibe tu obra el público bonaerense y el de otras partes o las reacciones son parecidas?
MM. El público siempre recibe el trabajo de manera diferente. Cada función es única en ese sentido. Inclusive en Buenos Aires, en la misma sala, con la misma obra. De un fin de semana al otro, podés apreciar grandes diferencias en ese sentido. Nosotros hemos recorrido muchos lugares con nuestras obras, hemos actuado en un bosque, en una iglesia, en pueblo indígena, en un penal de máxima seguridad, al aire libre y en lugares más tradicionales, y recibimos lecturas diferentes sobre un mismo trabajo. La multiplicidad de miradas, de sensaciones, de estados por los que atraviesa el público resignifica todo el tiempo nuestro trabajo, lo nutre, le da otro sentido.

AC. Estudiaste guión y eres formado en dirección y producción de cine y televisión. En algún momento, ¿piensas dirigir o escribir trabajos también para la pantalla, ya sean cortos o largometrajes?
MM. Tengo guiones escritos y muchas ideas. Y con la cuestión digital, sé que ahora es más factible poder hacer una película. No digo sencillo, pero no es imposible, pero aún no sentí esa fuerte necesidad. Me gustaría primero actuar en cine, es un sueño. Un deseo que lo tengo muy presente. Y creo que lo del cine va a llegar como consecuencia y preponderancia de trabajo. No sé en cuánto tiempo, pero me veo haciendo cine como actor y como director de mis propias películas en unos años.

AC. ¿Cuáles son tus proyectos para el próximo año? ¿Estás trabajando en nuevos textos para llevar a escena?
MM. Tengo la idea de trabajar con dos obras. Por un lado un espectáculo que se llama Te Estaba Esperando, que habla sobre cómo el prejuicio con uno mismo puede operar a todo nivel como nuestro peor aliado. También pienso montar una pieza de temática gay, protagonizada por hombres, donde voy a abordar temas como la búsqueda de sexo casual en la vía pública y la traición. Voy a viajar a varios festivales con mis obras como todos los años, y organizaré dos ciclos de teatro.

Fotos: archivo del director y blog de Teatro Crudo (descargar foto central).

La Última Habitación es la propuesta de la Compañía Internacional de Comediantes I Foto: Difusión del evento

Festival Pirologías prosigue hasta el domingo con presentaciones y debates

Viernes, 04.12.2009

El III Festival Internacional de Teatro Independiente Pirologías, organizado por la Compañía Nacional de Fósforos, prosigue hasta el próximo domingo con presentaciones programadas en los barrios bonaerenses de Villa Bosch, San Martín, Caseros y Palomar, con espectáculos de Perú, España, Paraguay, México, Portugal y Argentina.

Iniciado el último miércoles, el festival tiene entrada gratuita a todas las actividades, tanto para las presentaciones de obras como para los debates, en los que intervienen destacados especialistas. Las sedes de esta edición son el Club de Leones, Osmecon Salud, Sociedad de Fomento, Teatro Municipal Discepolo, Capitán Capote y Expreso de Medianoche 1942.

Pirologías cuenta con auspicios del Banco Hipotecario, el Instituto Nacional del Teatro, la Municipalidad de Tres de Febrero, el Instituto Cultural de la Provincia De Buenos Aires, la Comedia de la Provincia De Buenos Aires, Osmecon Salud y la Asociación de Médicos de San Martín y Tres de Febrero, Mano Salud y Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación.

Viernes 4 de diciembre

11:00-13:00 Taller de Clown
Docente: Pedro Correia I Escuela Municipal

Sede Cultural Caseros Auditorio Municipal Eva Perón
Urquiza 4750 1er. Piso - Caseros

14:00 Proyección Desde el Margen (Pirologías 2008)

Jonathan Ortegat y Josefina Torino

Sede Cultural Caseros Auditorio Municipal Eva Perón I Urquiza 4750 1er. Piso - Caseros

14:45 Mesa de Discusión: La mujer y el teatro
Participantes: Magdalena Segunda Generación, Sara Joffre, Maria del Carmen Sánchez, Cristina Escofet, Leticia Buenadicha
Moderador: Sol Lebenfisz I Sede Cultural Caseros Auditorio Municipal Eva Perón
Urquiza 4750 1er. Piso - Caseros

17:00 La Cocina Musical
Dir. Walter Garibotto I El Mestre Papanata - España

Teatro para toda la familia I Osmecon Salud - Ayacucho 2350 - San Martín

18:30 Fe de Ratas
Dir. Diego La Hoz I Espacio Libre – Perú
Teatro para adultos I Osmecon Salud - Ayacucho 2350 - San Martín

20:30 La Soledad en la Ciudades
Dir. Armando Madero I La Cordura del Copete - San Justo
Apto para todo publico I Soc. de Fomento de V. Bosch - Gascón 761 V. Bosch

22:30 Con el Alma en la Piel I Dir: Galia Gimenez
Kananga Producciones- Paraguay I Teatro para adultos
Club de Leones - V. Bosch Arturio Illia 1060 V. Bosch

Sábado 5 de diciembre

11:00-13:00 Taller de Clown
Docente: Pedro Correia I Escuela Municipal

Sede Cultural Caseros Auditorio Municipal Eva Perón

Urquiza 4750 1er. Piso - Caseros

17:00 Sueño de una Noche de Verano

Dir. Teatrantes I Teatrantes, Mar del Plata

Teatro para chicos I A.S.I. - San Ramón 829 Villa Bosch

19:00 La Última Habitación (El despertar de Clara)
Dir. Walter Velázquez I Compañía Internacional de Comediantes - Sin pulgares - CABA
Apto todo público I Soc. de Fomento de V. Bosch - Gascón 761 V.Bosch

21:30 Defensa de Dama
Dir. Cesar Gil I El Barracón- España I Teatro para adultos
Club de Leones - Arturio Illia 1060 V. Bosch

23:30 Varieté
Presentador: Carlos Calostro Meconio (Walter Velázquez)
Las Chicas de Blanco, Bardos de Berta. Clowns: Sol Lebenfisz, Gabriel Paez,
Para todo público I Expreso de Medianoche 1942
José M. Bosch 1151 y Vías FCGU V. Bosch

Domingo 6 de diciembre
 

13:30 Si può fare... I Dir. Tony Célico

El Baldio - Ciudad Jardín I Teatro de calle

Boulevard Finca 6577 – Ciudad Jardín, Palomar

17:00 Papel Papel I Dir. Noe Andrade – Pablo Gigena

La Vorágine – Tucumán I Teatro para adultos

Soc. de Fomento de V. Bosch - Gascón 761 V.Bosch

19:00 Cuidado, un Payaso malo anda suelto
Chacovachi - Prov. Bs. As. I Teatro de calle
Capitan Capote - V. Bosch - José María Bosch 1051 - V. Bosch

20:30 La G Sutramuta
Banda de cierre I Capitán Capote - V. Bosch - José María Bosch 1051 - V. Bosch

Fotos de los espectáculos Fe de Ratas, Las Chicas de Blanco y Papel Papel (Difusión).

Cinco personajes deben convivir de manera forzosa dentro y fuera de un supermercado I Foto: Difusión

Obra inspirada en novela de Diamela Eltit entra en cartelera en Santiago

Martes, 01.12.2009

Se inicia este viernes en Santiago una corta temporada del espectáculo La Obra Ltda., inspirada en la novela "Mano de Obra", de Diamela Eltit, y dirigida por Nicolás Herrera, en el cual cinco personajes conviven forzosamente trabajando en un supermercado y, como si no bastara, fuera de él porque así reducen los gastos.

En la trama, la presión sobre los personajes aumenta cuando comienzan a generarse incómodos cambios en el ambiente laboral que afectan directamente a cada uno de ellos: a la promotora le quitan sus productos, la cajera es destinada a trabajar en la carnicería, el vértigo constante que produce el inminente despido se hace cada vez más presente, los ingresos se reducen pero los abusos aumentan, llega el embargo, las apariencias se desmoronan, la relación entre ellos es cada vez más cruel y la estabilidad se convierte en un lugar desconocido e inalcanzable.

El espectáculo muestra el empobrecimiento espiritual, ideológico y físico de los personajes, en medio al caos que se instala en la medida en que éstos se sienten sofocados por el sistema. Sin embargo, la situación es presentada con una mirada irónica, expresionista y repleta de un humor que desplaza a la autocompasión, mientras delirantes seres articulan con fuerza un inconsciente discurso que nunca se oye desde la indiferente mentalidad de consumidores que todos tienen.

La Obra Ltda. es una puesta en escena realizada por el Colectivo Teatral "i", conformado en su mayoría por ex alumnos del desaparecido Teatro Escuela La Matriz. El elenco está integrado por Johanna Peñaloza, Matías Guzmán, Daniela Rodríguez, Denisse Romero y Nelson Retamal. La producción es de Carolina Villanueva y la asistencia de dirección está a cargo de Paola Arancibia.
 
La temporada se realizará en White Lounge Session (ex Café Sonoro, Miraflores, 620, esquina Santo Domingo), del 4 al 20 de diciembre, con funciones los viernes y sábados, a las 21:00, y domingos, a las 20:00. Las entradas tendrán un costo de $3.000 (general) y $2.000 (estudiantes, tercera edad y viernes popular). Para información y reservas están los números 9-1826076 y 9-4298106 y el correo electrónico.

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