Cortas sudamericanas: teatro en Argentina y Brasil y una de poesía en Chile

Miércoles, 29.04.2009 I De todo un poco, Argentina, Brasil y Chile I Noticias

Argentina. Obra de teatro tendrá su fiesta de recaudación. Las Bastardas Argentinas convocan a actores y amantes del teatro a la fiesta de recaudación del espectáculo Bastardas. Ésta es una obra vanguardista del director español Andrés Morté, cofundador de La Fura dels Baus, presentada con mucho éxito en 2006 en Barcelona. Ahora, junto a Esteban Mihalik, el espectáculo se presenta por primera vez en Argentina, junto a Esteban Mihalik (dirección actoral) y al siguiente elenco: Begoña Domínguez, Natalia Imbrosciano, Melody Llarens, Mara Meter, Eliana Migliarini, Ana Laura Moscato, Mariela Pizzo, Bianca Randón y Daniela Vargas. La cita es en Uniclub (Guardia Vieja, 3360, Buenos Aires), a partir de las 23:00. La banda Dopingüe animará la fiesta, cuyas entradas están a la venta a $15. Para anunciarse en la lista de Bastardas, se puede escribir al correo electrónico. 

Brasil. Espectáculo taquillero cierra ciclo de funciones. La obra A Noite Mais Fria do Ano (La Noche Más Fría del Año), escrita y dirigida por Marcelo Rubens Paiva, cerrará este fin de semana su temporada de presentaciones en la unidad provisoria del Sesc ubicado en la región central de la capital paulista. El espectáculo ya se convirtió en uno de los mayores éxitos del año, de modo que tendrá un nuevo ciclo en otra sala a partir de junio. La reunión del consagrado escritor Rubens Paiva en la dirección (autor del clásico Feliz Año Viejo, entre varias otras obras), de la renombrada Fernanda D' Umbra en la asistencia y de los actores Mário Bortolotto, Alex Gruli, Hugo Possolo y Paula Cohen, todos muy conocidos en la escena local, generó en los casi dos meses de presentación de la obra una gran búsqueda por entradas, que se agotaron en poco tiempo (Aldea Cultural Brasil).

Chile. La poesía tiene su turno hoy en Santiago. A partir de las 19:30, la noche santiaguina ganará aires poéticos gracias a la actividad realizada por el Grupo de Gestión Cultural, Cultura a la Vena y su propuesta Bar Per Verso, instalación poético-interactiva, que busca insertar a sus asistentes en un ambiente de bar convencional, pero donde los elementos literarios juegan un rol predominante. El encuentro será en el Centro de Extensión de la Universidad Central (3er piso), ubicado en Lord Cochrane, 418, Santiago. La entrada a este evento es libre y gratuita.

Cortas bolivianas: danza y teatro en La Paz y un taller infantil en Cochabamba

Miércoles, 29.04.2009 I De todo un poco, Bolivia I Noticias

Celebran el Día Internacional de la Danza. Hoy el salón Centenario del Club La Paz, ubicado en la sede de Gobierno, tendrá una noche de gala debido en celebración por el Día Internacional de la Danza, instituido por la UNESCO en 1982, recordando la fecha de nacimiento del revolucionario coreógrafo francés Jean Jacques Noverre. Este acontecimiento es organizado por cuarto año consecutivo por el Taller Nacional de Arte y Cultura Expresiones, con el patrocinio del Ministerio de Culturas. Los elencos participantes serán el Ballet Folklórico Nacional, Tango Sur, Modance, Compañía de Danza Folklórica Illimani, Grupo de Danza Escocesa La Paz, Compañía de Danzas Españolas A Compás, Estudio de Danzas Árables Shalabia, Tnace, Ballet Folklórico Peruano Y Se Llama Perú, Cultura China Tian He, Ballet Tradición Chaqueña, Extravadance, Radha Gopal y el Baile Español-Flamenco Sangre y Madera, entre otros. El ingreso al evento, que tendrá inicio a las 19:00, será libre y gratuito.

En mayo empieza taller de literatura para niños. El próximo viernes se iniciará en Cochabamba el Taller de Niños: Letras y Literatura. Del 1 al 31 de mayo, los participantes tendrán la oportunidad de producir una revista infantil, cuyo contenido, diseño y edición estará a cargo de ellos mismos. La revista será distribuida posteriormente en sus respectivas escuelas y las actividades para elaborarla serán: escritura libre de historias, ensayos y otros (día 19), elaboración de gráficas y diseño (20), edición final y reproducción (22) y difusión en las escuelas (25 al 29). El producto original será entregado al Proyecto mARTadero junto con una copia digitalizada para su difusión para el día 25 de mayo. Una vez realizada esta actividad, los niños tendrán una noción general de los aspectos que implican la producción de un producto literario sujeto a una difusión y podrán reconocerse como literatos, diseñadores y editores.

Impartirán talleres de formación escénica en La Paz. La Unidad de Teatros y Espacios Culturales del Gobierno Municipal de La Paz está organizando los Talleres de Formación Escénica, dirigidos a actores que quieren complementar su formación, como también a niños y adolescentes que desean ingresar al mundo teatral. Son seis talleres, con un costo de Bs 160 cada uno, a ser impartidos en el Teatro Municipal Alberto Saavedra Pérez; la única excepción es el taller dirigido a niños, que será dictado en la a Cúpula de Adobe Minke, con costo de Bs 150. Las inscripciones son realizadas en el Teatro Municipal, de 15:00 a 19:30. El teléfono para más informaciones es el 240-6133.
 

Taller de Formación Actoral Para Niños
Capacitador: Rodrigo Ayo
Contenidos mínimos: estará dividido en dos etapas, la de preparación y la de Montaje de una obra teatral, para celebrar el bicentenario. En el taller, se realizarán ejercicios de creatividad, improvisación y técnica teatral, hasta llegar a la creación grupal de un texto dramático que será presentado en el Teatro Municipal de Cámara.
Horarios: de 15:00 a 16:30; domingos de 10:00 a 12:00
Fechas: del 1 de junio al 8 de julio, los lunes, miércoles y domingos
Presentación: 19 y 20 de julio

Formación Integral del actor

Taller de Instrumentos Nativos
Capacitador: Antonio Melgarejo
Contenidos mínimos: nombre originario de los instrumentos, lugar de origen, en qué época del año se toca, si se lo interpreta en grupo o solo; introducción a la música pentatónica, abordaje del instrumento, interpretación de piezas musicales nativas, improvisación.
Horarios: de 16:00 a 18:00
Fechas: del 4 de mayo al 26 de junio, los lunes, miércoles y viernes

Taller de Canto Lírico
Capacitador: Beatriz Méndez
Contenidos mínimos: conocimientos básicos de la anatomofisiología del aparato de formación; respiración y músculos respiratorios; resonadores y proyección de voz; escalas y solfeo; ejercicios para el canto.
Horarios: de 9:00 a 11:00
Fechas: del 5 de mayo al 25 de junio, los martes y jueves

Taller de Canto Popular
Capacitador: Walter Reyes Villa
Contenidos mínimos: conocimientos básicos de la anatomofisiología del aparato de formación; respiración y músculos respiratorios; resonadores y proyección de voz; escalas y solfeo; ejercicios para el canto.
Horarios: de 9:00 a 11:00
Fechas: del 5 de mayo al 25 de junio, los martes y jueves
 

Taller de Acrobacia
Capacitadores: Hugo Mendoza y Andrés Laura
Contenidos mínimos: preparación física, coordinación de movimientos, flexibilidad, rolos, invertida, rueda, puente, rondo, giros con salto, mortal, portes y otros.
Horario: de 8:00 a 20:00
Fechas: del 6 de julio al 28 de agosto, los lunes, miércoles y viernes
 

Taller de Esgrima
Capacitador: Erika Burgos
Contenidos mínimos: preparación física y de la guardia; conocimientos básicos de las armas y como se esgrime cada una de ellas; movimientos de ataque y defensa.
Horarios: de 10:00 a 12:00; sábados de 16:00 a 18:00
Fechas: del 7 de julio al 29 de agosto, los martes, jueves y sábados

Ulises Guzmán, un realizador que apuesta por un cine guiado por la fantasía

Domingo, 26.04.2009 I Cine, México I Nota y entrevista exclusiva

La reconocida tradición mexicana en revelar grandes realizadores de la animación y del cine fantástico tiene desde hace varios años a un nuevo exponente que se suma a la vasta lista de talentos de ese país. Con una trayectoria avalada por diversos premios internacionales otorgados por la crítica y el público, Ulises Guzmán Reyes ha demostrando desde temprano su habilidad para combinar diversos géneros, mezclando la realidad con generosas dosis de fantasía, elemento casi siempre presente en sus relatos.

Fue a principios de la década pasada que el camino profesional de Guzmán empezó a diseñarse, en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), de donde egresó con especialización en realización y guionismo. Allí escribió y dirigió el corto Las insólitas imágenes de Aurora (1990), el documental Lluvia Ácida (1991) y los mediometrajes Corazones de Terciopelo (1992) y  Virgen de Medianoche (1993).

Por Virgen de Medianoche, presentada como su tesis escolar, el director recibió sus primeros galardones internacionales. La cinta, que narra la historia de un muchacho creado bajo el yugo de su abuelo, un charlatán religioso que oculta un pasado oscuro, fue premiada en el Festival de Sitges, en la Semana de Cine y Video Latinoamericanos de Cancún y en el Festival de Cine Independiente de Querétaro, además de haber logrado una mención honorífica en el Festival de Huesca.

Seis años después, en 1999, el cineasta filmó Cupo Limitado, su primer largometraje, con las actuaciones de Vanessa Bauche, Pilar Souza, Magda Vizcaíno y Silvia Rizzo. Sin embargo, y aunque asegura guardar buenos recuerdos del rodaje, Guzmán considera que la realización de esa película fue una experiencia agridulce. "Me encontré con un productor mediocre y hampón que a base de engaños pudo descarrilar —aunque no del todo, creo yo— lo que era un buen proyecto", revela.

Pero no tardó mucho para que este realizador, nacido en la Ciudad de México en 1968 y cuya formación comprende seminarios y talleres con Alejandro Jodorowsky, Saul Bass, Jan Švankmajer, Philip Kaufman, Jordi Savall y Syd Field, produjera un nuevo cortometraje. Fue así como al año siguiente estrenó Malapata, trabajo escrito y animado por él en el que habla sobre la libertad y la imaginación oprimidas por el poder. Además de quedar nominado a los premios Ariel, el corto ganó cinco premios en el Festival Pantalla de Cristal, tradicional encuentro llevado a cabo anualmente en la capital mexicana.

Cinco años después, presentó otro corto, XX-XY Fuera del Mundo, que contó con las actuaciones de Maya Zapata, Alberto Estrella, Pascacio López, Arianne Pellicer y Valentina Guzmán. Se trata de un relato fantástico inspirado por una historia real ocurrida en 1985, cuando un gran terremoto devastó el Distrito Federal y otras ciudades del país. Por aquella época, el entonces futuro director leyó una nota periodística que narraba el hallazgo, debajo de las ruinas de un hotel de paso, de una carta suicida que revelaba un pacto entre dos amantes; sin embargo, los cuerpos nunca fueron encontrados, dando origen a la idea que motivó el realizador a filmar la historia veinte años después.

Trabajando profesionalmente desde hace casi veinte años como escritor y realizador de programas de televisión, el cineasta —cuyos trabajos se presentaron en festivales de Brasil, Cuba, España, Estados Unidos, Francia, Grecia y Suiza— se apresta a dirigir diversos proyectos este año. En la entrevista, Guzmán habla de sus influencias, de la relación de amor y odio con su primera película y, por supuesto, de los cortometrajes que ha producido hasta el momento.
 

Con información del Portal del Cine y el Audiovisual Latinoamericano y Caribeño y del diario Jornada; agradecimientos a la diseñadora multimedia y animadora Harumy Delmira por la colaboración.

Entrevista I Ulises Guzmán Reyes, cineasta

"Estoy enamorado del cine mexicano"

ALDEA CULTURAL (AC). Sus cortometrajes siempre tienen una importante dosis de fantasía. ¿Cuáles han sido sus referentes y en qué medida influyen en su trabajo?
ULISES GUZMÁN (UG). Sucedió algo extraño conmigo. No tengo antecedente alguno en la familia que se hubiera dedicado a esto del cine, vaya ni cercanamente, mis padres no se esmeraron especialmente en pulir o fomentar mi cultura visual o así... Creo que así como hay gente que nace con cierta inclinación por algo, así sucedió conmigo... Vivía cerca del cine Cuitlahuac (un héroe azteca del prehispánico mexicano) y fue ahí donde conocí este lenguaje, ¿sabes?, soy el menor de una familia de cuatro hijos, y mis hermanos mayores me llevaban a lo que eran las 'matinés', es decir, funciones para niños en las mañanas de los fines de semana. Había quizá unas tres funciones al día y al parecer en esos tiempos fomentaban lo que en el fin de milenio nos dio por llamarle el postmodernismo, es decir, eran promiscuos y eclécticos a la hora de elegir las pelis pues bien te podrías encontrar en la misma función una película del 'Santo', el luchador, con El Acorazado Potemkin, con Sissi Emperatriz o Gunga Din o Canoa o... un largo etcétera. En ellas había mezclas de temas para adultos con fantasías y realismo latinoamericano o filmes que sólo pasarían en cine clubes. Fíjate que lo he discutido con amigos de esa época y hemos llegado a la conclusión de que dejaban entrar niños y viejos cochinos en ese cine... En fin, el asunto es que la mezcla de todas esas imágenes y el barroco que de por sí se vive en esta ciudad que adoro y aborrezco a un mismo tiempo, han logrado, creo yo, 'permear' en mi cine. Además, y a eso iba mi respuesta, junto con los 'cortos' de nuevas películas, pasaban cortos de las escuelas de cine. Fue ahí que me enamoré del cortometraje, fue ahí que decidí 'hacer' cine y esperé con impaciencia a acabar con mi bachillerato para entrar al CUEC, de la UNAM, donde aprendí lo básico del cine.

AC. Háblenos ahora sobre cómo funciona su proceso creativo. ¿Añade usted elementos fantásticos sobre una historia previamente creada o estos elementos surgen en su mente de manera simultánea a la historia en sí?
UG. Lo que le podríamos llamar pomposamente 'mi proceso creativo' resulta natural para mí, así como para los daltónicos el mundo es ocre, para mí el mundo o lo que llamamos realidad colinda con todo el tiempo con lo que, para nombrarlo de alguna forma, le decimos el inconciente, ya sea individual o colectivo... La escuela te da una preparación formal, que tu combinas con tu intuición o talento o punto de vista hacia el mundo, y creo que eso es lo valioso de este lenguaje, al menos para mí... Me permite comunicarme con mis semejantes y contar historias que de otra forma serían muy aburridas o imposibles de imaginar para otro que no fuera yo... Entonces es así donde dejo fluir todo ese acervo de imágenes que me han acompañado toda la vida, desde mi infancia y ese idílico cine que te cuento (el cual ahora es un estacionamiento y previamente fue una iglesia mormona, y antes de dejar de ser cine, se convirtió en una sala porno) y la vida en un país (lo habrás oído antes) que presumen es surrealista... A que le llaman a eso, es un crisol de culturas, las prehispánicas (más de 50 comunidades indígenas), las árabe–hispánicas, la gringa, la francesa, etc., todo lo que te puedas imaginar, eso combínalo con el tercer mundo y una idiosincrasia peculiar, y ahí está ese coctel explosivo... Mis influencias son Cantinflas, Tin Tan, Pedro Infante, Los Olvidados, Buñuel, Luis Alcoriza (el verdadero Buñuel detrás de Buñuel). ¿Conoces a Ismael Rodríguez (Los Hermanos de Hierro, Nosotros los Pobres, Ustedes los Ricos, A Toda Máquina, etc. )? También tuve la fortuna de conocer a Carlos Carrera, entre otras el del cortometraje animado El Héroe. La verdad es que me siento afortunado de haber podido abrevar de todo este caudal de películas. Estoy enamorado del cine mexicano (no de todo), de las imágenes que ha propuesto al cine mundial, y de también la poca o mucha aportación que ha hecho... ergo, la cosa fantástica la traigo en las venas, y las veces en que he tenido que narrar de otra forma mis historias, me he sentido incompleto.

AC. México tiene tradición en animación y trabajos que exploran el género fantástico (mucho más que la gran mayoría de los países latinoamericanos). ¿A qué cree qué se debe eso?
UG. Bueno, creo que en parte ya respondí a esta pregunta con la anterior respuesta, pero creo que hemos abordado en general los latinoamericanos mal el concepto. Muchos creen que lo fantástico requiere de efectos especiales carísimos, de escenografías inmensas o así, yo creo que se debe más al relato, si bien el cine mexicano lo ha intentado, con mayor o con menor éxito, también los argentinos han hecho cosas maravillosas al respecto, y me refiero específicamente a Hombre Mirando al Sudeste y a Moebius... En México esa tradición está vigente dado que, creo, ha habido grandes maestros de ello, recientemente Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón, antes Jodorowsky, Corkidi, Juan López Moctezuma, Carlos Enrique Taboada, y muchos más anteriores, todo ese cine que a algunos gusta y a otros no como el de luchadores, monstruos, momias, dráculas, hombres y mujeres lobo, duendes y demás... Una respuesta menos sofisticada sería que nos gusta a los mexicanos la fantasía por evasores de la realidad, no por un gusto cultural concreto, hoy mismo estoy posproduciendo una serie para la televisión que trata de eso, de un investigador sumergido en situaciones fantásticas... Participan actores que son famosos por acá, como Manuel Ojeda, Oscar Yoldi y Gerardo Albarrán.

AC. Dos de sus cortos, XX-XY Fuera del Mundo y Retrato de un Vampiro, están inspirados en hechos reales. Cuéntenos un poco sobre las historias que originaron esos cortometrajes.
UG. Es curioso, pero lo que algunos llaman realismo, a mí me persigue, pero siempre termina siendo sólo una especie de paráfrasis de mi mundo, si así puedo llamarlo. En varias películas mías (Cupo Limitado, Virgen de Medianoche y XX-XY) hay un común denominador, el terremoto que destruyó la ciudad de México en 1985. Yo soy de esa generación, mi despertar a la temprana adolescencia y adultez fue por esas fechas... Me tocó ver a mi ciudad deshecha y llena de espanto, y no del que veía en las pelis, si no uno de a de veras, el de la desesperación de tener gente querida bajo las ruinas o cosas por el estilo... Creo que mi trabajo que mejor refleja eso es Virgen de Medianoche... XX-XY es ya una interpretación a distancia y como una metáfora de la pérdida amorosa... Ahora bien, la película que mezcla toda esa cosa técnica que he estado experimentando, ficción, realidad documentada y animación, es la del Retrato de un Vampiro, que no es otra cosa que el relato de un encuentro entre seres marginales y la redención que encuentran juntos. Toda es una historia real, auténtica, de la vida diaria, pero que rebasa por mucho lo más fantástico que he relatado. Te cuento una muy breve sinopsis: dos admiradores (pareja) de la película de culto de Juan López Moctezuma llamada Alucarda. Uno de ellos quiere, literalmente, transformarse en ese personaje. Durante un tiempo (esto sucedió en los segundos medios de los 90) se dan a la tarea de buscar la película por todos lados. No la encuentran por los bajos fondos de los mercados callejeros, donde encuentras de todo... Más tarde se dan a la tarea de buscar a los actores y actrices que participaron en la peli, entre ellos a Tina Romero. Total de que van a dar con el director de la película Juan López Moctezuma, lo encuentran en un hospital psiquiátrico y se lo 'roban' para curarlo. Según ellos su tratamiento consistió en ponerle pedazos de sus películas y llevarlo a las locaciones de las mismas. JLM sale de su letargo y recupera la cordura después de tres días de este tratamiento. Hacen amistad y un año después fallece dejándoles de custodios de su obra y heredándoles unas imágenes inéditas. Con esa historia y varios afluentes más estoy elaborando esta película. Como puedes ver, incluso en el documental me sigue lo fantástico.

AC. También ya hizo cortos de animación, como Malapata, por ejemplo. ¿Qué resulta más cómodo (o más difícil): trabajar con actores reales o en proyectos como éste?
UG. Son proyectos realmente distintos completamente. La ficción requiere de una fecha de filmación muy apretada... Estás contra el tiempo y contra la naturaleza y demás compromisos de otros, en el documental debes de elegir o realmente cerrar tu investigación en algún momento, porque en realidad todo está conectado con todo, y entonces tienes que determinar hasta dónde llegas, pero si no tienes un tiempo de entrega, puedes seguir toda la vida así, investigue e investigue... pero la animación... la animación, según yo es como el elixir, el maná del cine, el plus... Es el único género que no necesitas casi de los demás, es lo más cercano al arte que se puede estar utilizando este tipo de lenguaje... No hay intermediación con guionistas o así, no hay que suplicarle a un actor para que haga algo que tú no harías (risas), no sé... A mí en lo particular me gusta mucho la animación... Mira, en octubre del 2008 me invitaron en el festival de cine de animación llamado Animadrid, por el trabajo Malapata, que hice ya hace unos años, y la verdad es que aún está vigente, se ve mucho por todos lados y personalmente aún lo veo y me reconozco en él, cosa que no me pasa habitualmente con mis trabajos. Además disfruto mucho de cómo la gente que no conoce mi background me entiende y se mete en la historia. La animación es trabajo de dioses —dar movimiento, vida a lo que no lo tiene—, así de pretencioso. Bueno, y también es muy costosa, de tiempo y de dinero, por eso no he hecho muchos trabajos así.

AC. A fines del 99, usted filmó su primer largometraje, que fue protagonizado por Vanessa Bauche, en ese entonces aún desconocida para el público fuera de México. ¿Cómo recuerda la experiencia de ese rodaje?
UG. Difícil y fácil. Mi relación con esa película es de amor-odio, ¿sabes? La recuerdo, en rodaje, como una tremenda fascinación... Era la comprobación de por qué había elegido esa carrera, conocí a actores y actrices fabulosas (entre ellas a Vanessa Bauche, de quien guardo un recuerdo muy grato como persona y como profesional talentosa, de hecho mantenemos una amistad, ya añeja). Sin embargo también fue mi primer encuentro con lo fiero de este medio. Me encontré con un productor mediocre y hampón que a base de engaños pudo descarrilar —aunque no del todo, creo yo— lo que era un buen proyecto. La película me fue arrebatada en la sala de edición. La armaron un poco cómo entendían el cine. Lo que en un principio estaba planteado como un plano secuencia se le agregaron escenas que no estaban en el guión y entonces, sin cobrar ni un quinto por guión, dirección y parte de la edición, le di la espalda y no la vi durante años. Curiosamente es la película por la cual me conoce más gente, dado que pasa o pasaba en la tele muy seguido y ya sabes cómo es eso. Ahora más con lo famosa que se hizo Vanessa. Pero regresando al tema, no la vi. Si no hasta que un día que iba dormido en un camión hacia un festival en Guanajuato (México), comencé a soñar que estaba filmando Cupo Limitado, los diálogos me los sabía, el timming de respuesta, etc. Abrí los ojos y desperté de lo que creía era un sueño, pero no, en la televisión del camión estaban proyectándola. ¿Ves cómo la fantasía me persigue, lo inverosímil? Total de que la vi y aunque no me reconozco en ella del todo, no me disgustó, pero creo que ahora la abordaría de una manera distinta. Me pondría más 'perro' defendiendo mi concepto artístico, que al final de cuentas es por lo que me contratan y por lo que tengo un poco de prestigio. Así que ésa es la historia que nunca había contado de Cupo...

AC. Cuéntenos algo sobre el proyecto en el que está trabajando ahora.
UG. En México tenemos una frase cuando alguien se fija en tu trabajo: "por fin me hizo justicia la revolución", creo que ya está pasando. El año trae consigo para mí muchas expectativas buenas. Me acaban de ofrecer un contrato por la serie que te comenté y por tres películas a lo largo de este año. Bueno, te lo cuento porque es oficial el ofrecimiento, ahora que quién sabe... Pero qué te parece que te tengo informado ahora que comience. De hecho acabo de terminar mi segundo largometraje, que se llama Luis Toscanni, Tosco, que tiene una duración de hora y media y es el capítulo cero de la serie que te digo. Estoy muy satisfecho y feliz, ya que combina temas que me gustan con cosas detectivescas y de acción. 

Cortas bolivianas en las artes plásticas, visuales, teatrales y cinematográficas

Sábado, 25.04.2009 I De todo un poco, Bolivia I Noticias

Seis artistas develan sus secretos en La Paz. En homenaje al Bicentenario de La Paz, seis reconocidos artistas locales se reúnen desde ayer y hasta mañana en la Plaza Bolivia, al lado del Hotel Radisson, para demostrar 'en vivo y en directo' la forma en que producen sus obras de arte en un evento inusual por su carácter interactivo y didáctico. Es así como en la pintura Susana Castillo López demostrará la técnica del pastel y la temática del retrato, al igual que Carolina Lovo (técnica del óleo) y Javier Fernández (técnica de la acuarela). En escultura, Windsor Vargas mostrará el modelado en arcilla (figura humana), al paso que Víctor Balladares hará lo propio con la manufactura de moldes; a su vez, Ramón Tito esculpirá el alabastro. La actividad, realizada desde las 10:00 hasta las 19:00, es organizada por el grupo denominado Artistas para la Plaza Bolivia, con el auspicio de la Oficialía de Culturas de la Honorable Alcaldía de La Paz. Para mayores informes y material fotográfico, contactar con Susana Castillo López.

Elegirán a cinco artistas bolivianos para competir por premio. El proyecto mARTadero, de Cochabamba, fue designado para seleccionar a cinco artistas bolivianos con significativo currículo, los cuales participarán en el Premio Internacional Bice Bugatti, en Milán (Italia). Con ocasión de los cincuenta años de la premiación, cuya ceremonia se realizará el próximo junio en Nova Milanese, los organizadores han reservado un espacio expositivo a jóvenes artistas contemporáneos latinoamericanos. Una sección estará reservada a Bolivia, siendo que una de las obras será premiada con un monto económico. La convocatoria, abierta hasta el 30 de abril (con selección en la semana siguiente), dispone que cada artista podrá exponer dos obras de pintura o escultura de dimensiones aceptables (se mandarán imágenes en .jpg, a 300 dpi, de tamaño mínimo 15 x 15 o aproximado, al correo electrónico), escribiendo en el asunto "Para el Bice Bugatti", e indicando título, dimensiones reales, técnica de la obra, y otros detalles a tenerse en cuenta. Se recomienda pensar en formatos y enmarcados no frágiles y fáciles de enviar.

Festival cruceño de teatro se cerrará este domingo. La séptima edición del Festival Internacional de Teatro Santa Cruz de la Sierra llegará a su fin este domingo, con cinco funciones en la capital y otras tres en provincias. A las 16:00, Bodas de Sangre será presentada en la Escuela Nacional de Teatro, mientras la obra infantil Convocadores de Estrellas (Brasil) estará en la Casa de la Cultura. A las 18:00, en el Franco Alemán, será el turno de 120 Kilos de Jazz, del Teatro de Los Andes, y por la noche se verá a Mi Nombre es Rachel Corrie (Perú) y Moreno de Plata, en la Aecid y el Paraninfo, respectivamente. Asimismo, los elencos de Ditirambo y Libélula se presentarán en Concepción, al paso que la Compañía de Danza Contemporánea Melo Tomsich hará lo propio en Montero.

La Fábrica abre convocatoria para especialidades. Hasta el 30 de abril, La Fábrica Escuela Internacional de Cine recibirá postulaciones de estudiantes que hayan vencido el tercer semestre de su curso regular y profesionales del medio audiovisual avalados con currículum que deseen ampliar sus conocimientos técnicos. Los cursos iniciarán las primeras fechas de mayo, en la sede de la escuela cochabambina, con un cupo mínimo y máximo de acuerdo al área seleccionada. Las especialidades abiertas son: edición (Power Mac Pro Duo y cámara JVC), fotografía (prácticas con luz HMI y cámara Red One) y guión (para televisión, documental y largometraje de ficción). Más informaciones al teléfono (591-4) 445-5981.

Dos festivales de teatro arrancan simultáneamente en Santa Cruz y La Paz

Jueves, 16.04.2009 I Festivales de teatro, Bolivia I Nota

A partir de hoy La Paz y Santa Cruz de la Sierra empezarán a disfrutar al mismo tiempo de dos verdaderas fiestas de las artes escénicas, cuando tengan inicio dos grandes encuentros internacionales: el Escénica y el VII Festival Internacional de Teatro.

En la capital cruceña, todo está listo para la séptima versión del festival, aunque los organizadores de esta vez deberán sortear el déficit de 80.000 dólares generado por la falta de patrocinios debido a la crisis de los últimos meses. Sin embargo, esto no disminuirá la dimensión del evento, puesto que 46 compañías provenientes de 12 países deberán presentarse en diferentes escenarios de la ciudad y provincias hasta el 26 de este mes, cuando concluirá la presente edición.

Alemania, Argentina, Bélgica, Bolivia, Brasil, Chile, Ecuador, España, Holanda, México, Perú y Paraguay serán los países representados en el festival, cuyas entradas tendrán un costo de Bs 25 a Bs 50 para adultos y Bs 10 a Bs 30 para niños, estudiantes y personas de la tercera edad. En los centros culturales, espacios ubicados en los barrios y en provincias el ingreso será libre.

Para el inicio del festival, se tiene programada la presentación de La Gran Marcha de los Muñecones, de Perú, que a partir de las 18:00 animará las calles del centro de la ciudad con el espectáculo Los Pecerros. Asimismo, Bodas de Sangre (Ana Salas, España/Bolivia), Valparaíso Vals (Ballet Nacional Chileno) y Tercer Cuerpo (Timbre 4, Argentina) serán las opciones de la primera jornada.

Por otra parte, a las 20:00, en Sonilum, la inauguración oficial contará con la distinción a la ex directora del Ballet Nacional de Chile Maritza Parada Allende y al actor vallegrandino Arturo Lora, cofundador de Casateatro, ex director del Sindicato Cruceño de Actores y con decenas de obras representadas, además de sendas participaciones en el cine y la televisión local.

Mientras los cruceños estarán viviendo los primeros momentos de su fiesta teatral bianual, en La Paz el público también comenzará a acompañar el desarrollo de un festival de carácter único, creado especialmente para conmemorar el bicentenario del primer grito libertario de América. El Escénica - Festival Internacional de Teatro arrancará esta noche, con una programación que se extenderá hasta el 30 de este mes.

Dispuesta a regalar a la ciudad un inolvidable evento teatral, la Alcaldía local dispuso de Bs 600.000 para la realización de Escénica, definiendo asimismo el valor de las entradas a Bs 10, de manera a facilitar la afluencia de público. En total, serán 65 funciones de 17 elencos nacionales y 13 extranjeros.

Un punto de destaque en el festival es el hecho de que ocho grupos bolivianos recibieron auspicio para preparar y estrenar diferentes obras en el encuentro. Así, los directores David Mondacca, Diego Aramburo, Eduardo Calla y Patricia García recibieron Bs 17.000 cada uno, mientras Alejandro Molina, Claudia Eid, Enrique Gorena y Miguel Ángel Estellanos contaron con Bs 10.000 para desarrollar sus trabajos.

A las 18:30, la fiesta tendrá arranque con una performance frente al Teatro Municipal; una hora después, será el turno de la obra Moreno de Plata, propuesta por el elenco de Mondacca Teatro, que subirá a escena con los actores Ángel Terceros, Rodrigo Ayo, Jhazel Vargas, Beatriz Espinoza, Irma Choquehuanca, Camila Vargas, Miguel Ángel Mamani, David Mondacca, Ramiro Vargas y Claudia Andrade, bajo la dirección de esta última.

Programación para hoy

En Santa Cruz

Paraninfo Universitario, 16:00. Bodas de Sangre I Dirección de Ana Salas I Bolivia/España

Manzana Uno, 18:00. La Gran Marcha de los Muñecones I Los Pecerros I Perú

Sonilum, 20:00. Ballet Nacional Chileno I Valparaíso Vals I Chile

Casa de la Cultura, 22:00. Timbre 4 I Tercer Cuerpo I Argentina

En La Paz

Teatro Municipal, 19:30. Mondacca Teatro I Moreno de Plata I Bolivia

La segunda comedia del realizador Rodrigo Ayala ingresa a la cartelera local

Jueves, 09.04.2009 I Cine Boliviano I Nota

Luego del éxito comercial que representó Día de Boda en 2008, el realizador tarijeño Rodrigo Ayala Bluske regresa con su nueva película, Historias de Vino, Singani y Alcoba (ver tráiler) que se exhibe comercialmente a partir de hoy en Santa Cruz de la Sierra, después de su estreno en La Paz y Cochabamba.

Producida por Toborochi Films, la segunda comedia de Ayala vuelve a mezclar elementos utilizados en la primera, repitiendo una fórmula que funcionó bien con el público el año pasado, además de presentar prácticamente el mismo reparto. Así, rostros conocidos como los de Elías Serrano y Andrea Camponovo nuevamente ganan la pantalla grande, al lado de un numeroso grupo de actores locales.

La utilización de un elenco muy similar entre las dos películas representó un ahorro de costos importante para Ayala, pues rodó ambas de forma casi simultánea, como reveló el director en una entrevista concedida a ALDEA CULTURAL en octubre de 2007. Sin embargo, el plan de establecer una producción fílmica continua en Tarija se ve algo dificultado en el momento por la falta de salas de exhibición, de tal manera que la première de la cinta en esa ciudad se realizó al aire libre, con un público estimado de mil espectadores.

Por otra parte, Camponovo, quien fuera protagonista de la ópera prima del realizador tarijeño, de esta vez tiene una participación menor, compartiendo créditos con Toto Vaca, Luciana Acosta, Liliana Arce, Luigi Antezana, Virginio Lema y Raúl Pitín Gómez. La actriz, que también proporcionó datos sobre el filme y su personaje en una entrevista para el portal, deberá estar otra vez frente a cámaras en Los Viejos, la próxima película de Martín Boulocq, basada en un cuento de Rodrigo Hasbún.

En resumen, Historias de Vino... relata las peripecias amorosas de una serie de personajes característicos de una pequeña ciudad. Así, se ve a un senador con ínfulas de gran seductor, pero que se muere por los celos que le causa su esposa, una estudiante de economía que lleva a su catedrático al motel para negociar buenas calificaciones, un joven artista que intenta suicidarse porque el amor de su vida se casa con otro, un viejo Don Juan que cae rendido al ver a una hermosa mujer cuarenta años menor que él, una pareja en vías de hacer el amor por primera vez y un empresario obsesionado con la posibilidad de hacer un papelón en su noche de bodas. Todo eso al sabor de las bebidas y tragos típicos de esa región.

Historias del Desencanto, una película de culto para el cine latinoamericano

Miércoles, 01.04.2009 I Cine Mexicano I Nota y entrevista exclusiva

Entre las películas hispanas estrenadas en la primera década del milenio, una se destaca por su retorcido e irreverente guión, la mezcla de diversos géneros y una estimulante combinación de recursos musicales y visuales. Luego de un extenso recorrido por festivales internacionales, Historias del Desencanto, ópera prima de los mexicanos Alejandro Valle y Felipe Gómez, se ha convertido en una suerte de película de culto, anotándose como una de las propuestas más interesantes y refrescantes del cine latinoamericano actual.

El filme narra la historia de un limbo entre los siglos XX y XXI, en el cual el tiempo no transcurre y el mundo es devastado por un hechizo conocido como el desencanto. Allí, tres personajes se encuentran en sus sueños: Ainda (Fabiana Perzabal), una sensual artista con alas de murciélago; Diego (Mario Oliver), un joven soñador que resguarda la inocencia en su ombligo; y Ximena (Ximena Ayala), una adolescente en pleno despertar sexual y que posee dotes de hechicera aún no descubiertos. Juntos, ellos viven una mística historia de amor.

La película, cuya historia fue creada hace más de diez años por el videoartista Alejandro Valle —realizador con estudios formales de psicología, dramaturgia, cine y teatro—, ha sido estrenada recién en 2005, luego de un arduo proceso de captación de fondos para ser concluida. Tras su presentación, fue elogiada con la misma intensidad de las críticas que recibió, dividiendo al público y a la crítica dentro y fuera de México. No obstante, la cinta obtuvo el premio especial del jurado en el prestigioso festival Fantasporto, realizado en tierras lusitanas y dedicado al cine fantástico.

Para poder concretar su primera película, Valle contó con el apoyo incondicional de su trío de actores protagónicos, sin el cual reconoce que no lograría su cometido, debido a las muchas dificultades del rodaje. "Yo sé que toda película es una batalla, pero levantar una proyecto de este tamaño sin dinero requiere de una voluntad especial, una disposición para el riesgo que yo asocio con la capacidad de amar, amar al arte, amar las ideas, y amar a los demás", reflexiona.
 

El riesgo en este caso fue asumido por tres actores jóvenes, pero con historia en el cine y el teatro de su país. Ximena Ayala (también nombrada como Jimena) despuntó en la gran pantalla como la adolescente rebelde y problemática de Perfume de Violetas, una interpretación que le valió un Ariel y premios en los festivales de Guadalajara, La Habana y Santa Cruz de la Sierra. Por su parte, Perzabal ha estado presente en diversos cortos y largometrajes, habiendo conquistado también un Ariel por Rito Terminal. Finalmente, Oliver se estrenó como protagonista de un largo en esta cinta, pero su experiencia de más de quince años sobre las tablas lo ha llevado a participar de más de una treintena de producciones teatrales.

La entrega de Ayala, Oliver y Perzabal terminó por enamorar al director, quien habla apasionadamente sobre ellos, así como de su compañera Lorenza Manrique —con quien tiene dos hijos y al lado de la cual escribe actualmente un nuevo guión—. Asimismo, Valle comenta sobre las críticas positivas y negativas recibidas por su película, revela detalles sobre el esperado DVD interactivo de la misma y hace un adelanto de sus próximos proyectos en el cine.

Entrevista I Alejandro Valle, director

"Siempre me he sentido más cerca del video experimental"

ALDEA CULTURAL (AC). Ya han pasado tres años desde que se estrenó Historias del Desencanto. Hoy, ¿cómo evalúas la experiencia de haberla realizado y el resultado final que se vio en pantalla?
ALEJANDRO VALLE (AV). No es una pregunta fácil de responder. Yo era una persona totalmente distinta cuando comencé a escribir este proyecto en 1996. También el mundo era distinto. Las nuevas tecnologías multimedia estaban llegando por primera vez al usuario común y nosotros los artistas empezábamos a experimentar la libertad de trabajar en la intimidad de nuestras casas con herramientas poderosísimas. Fue un boom del video arte y del trabajo experimental. Trabajos realizados por una sola persona resultaban mucho más creativos y de mejor calidad que los que realizaban los grandes emporios televisivos y audiovisuales. Pero frente a este panorama el cine mexicano parecía ajeno y reticente. Marcaban una línea muy tajante entre lo filmado en cine y lo producido en video o con medios digitales. También los video artistas lo hacían llevando la abstracción y la irreverencia hasta el límite y haciendo parecer a los primeros como académicos conservadores y estirados. La verdad es que lo eran y todavía lo son. Yo siempre me he sentido más cerca del video experimental, pero lo cierto es que soy y siempre seré narrativo. Eso me pone a medio camino entre las dos disciplinas. Así comencé el proyecto de Historias del Desencanto. Intentando crear un puente entre las dos artes. Buscando una forma de hacer cine que fuera orgánica conmigo. Soñaba con hacer cine con la fluidez con que se hace la música. Creía que los entonces nuevos medios y la informalidad del lenguaje me permitirían explayarme por encima de mis limitaciones de presupuesto. Y en eso tuve razón. No sólo trabajé con toda la libertad del mundo sino que el impulso resultó contagioso y muy pronto me vi rodeado de artistas con más experiencia que yo dispuestos a ayudarme. Invité a mi amigo, casi hermano, Felipe Gómez a que dirigiera conmigo. Él es cineasta del CCC y yo ahora necesitaba su experiencia para manejar un equipo de profesionales del cine. Nunca me había sentido tan apoyado. Ellos hicieron crecer el proyecto hasta convertirse en un largometraje que se proyectó en las salas de cine y se fue a festivales en todo el mundo. Sin embargo el trabajo no fue fluido. Desde el principio fue una lucha constante por levantar la producción. Si aceptas un equipo comprometido de 20, 50 o 70 profesionales lo menos que puedes hacer es alimentarlos durante el rodaje, darles materiales para trabajar y las gracias eternas. Por lo menos. Yo me sentía muy comprometido con que la producción estuviera al nivel de su trabajo y sus expectativas, así que me di a la tarea de buscar apoyos para sustentar nuestra producción, que ciertamente era diez veces más barata que una producción convencional pero en un mundo donde no hay lugar para producciones no convencionales. En fin, la historia de siempre, pero con la desventaja de que el mundo tampoco se movió en la dirección que yo quería y cuando se estrenó la película ya tenía 10 años de antigüedad pero para el cine seguía siendo un proyecto innovador, lo cual podría ser un gran punto a favor de nuestra película si no fuera porque el mundo era mucho más conservador ahora de lo que fue cuando comenzó todo este boom de las nuevas tecnologías. Y con conservador no me refiero a nada que tenga que ver con la moral. Lo único que les interesa conservar a los conservadores es la estructura del poder. Nada les preocupa a los conservadores, la cantidad de sexo o valores de una obra, excepto que estos valores sean descaradamente democráticos, esto si les preocupa. No es casual que ante el acelerado crecimiento de medios tan democráticos como los digitales, el cine predominante produzca menos películas pero más caras. Sus políticas de distribución se vuelvan monopólicas y leoninas. Se firmen tratados de libre comercio por todas partes que permitan que estas leyes crucen todas las fronteras. Florezcan los gobiernos de ultraderecha. Las leyes creadas como protección al derecho de autor se vuelvan persecutorias, policíacas… ¿Pues no era bueno que todo el mundo tuviera acceso a la cultura? ¿no era bueno que se hiciera arte en todas partes? ¿entonces por qué disminuyeron los apoyos al video arte? ¿a las producciones libres? ¿por qué se llena el tiempo de las televisoras en todo el mundo con reality shows, guerras en directo, debates políticos y franquicias multimillonarias? ¿dónde se ve el arte libre? En fin, para donde volteemos podemos encontrar un ejemplo de esta reacción del sistema contra esta amenaza que es la creatividad sin contrato. Lo que me sucedió a mí es que al terminar mi película me sentí huérfano. El video arte casi había desaparecido por lo menos como medio porque había desaparecido en México el único festival que lo alentaba. Mi película era una auténtica rareza en todas partes y no sabían en qué categoría ponerla. Era demasiado informal para ser cine de arte, barata, pero demasiado extravagante para ser comercial. Los Arieles, que son los reconocimientos al cine que se dan en México (como los Oscares de acá), olvidaron invitarme. Y ante mi insistencia la inscribieron, pero las nominaciones me ignoraron por completo. La categoría de efectos especiales, por ejemplo, fue declarada desierta a pesar de que en mi película no hay una sola toma que no esté pulidamente trabajada en la computadora. Los personajes vuelan, los corazones cantan, se levantan los muertos, estallan vidrios y está plagada de mariposas. Puro arte digital. Pero prefirieron declarar vacía la categoría antes de regalarme un simbolito para el póster de mi estreno en los cines. El año siguiente hubo una película de animación, la nominaron sola y se lo dieron ¿cuál era la diferencia? Pero no estoy hablando sólo de marginación, pues ésta es una historia que le sucede en mi país a todas las producciones nacionales, sean grandes o pequeñas como la mía, sino de un tremendo vacío cultural. Los medios están tomados y son por supuesto muy controlados. No hay ventanas organizadas para el arte cuando el mundo está saturado de medios de información hinchados de recursos. No hay excusas para esto. Yo era otra persona cuando comencé este proyecto. Cuando veo mi película la encuentro por momentos escandalosamente estridente, llena de errores y de ingenuidades. Pero después de haber recorrido todo este camino no puedo sino sonreír cuando pienso que logré colar en las salas de cine un trabajo tan personal y tan caprichoso, tan arrogante frente a los valores conservadores actuales pero a la vez tan inocente. Esto es lo que yo más valoro de Historias del Desencanto, la inocencia tan contundente con la que pasó por encima de todo. No estoy seguro de que si me lo propusiera pudiera volver a hacerlo de la misma manera. Me cuestionaría todo dos veces y no sería lo mismo. Yo veo mi primera película como una etapa de mi vida que logré exponer saturada de música y honestidad creativa. Creo que fui muy afortunado en vivir algo como esto.
 

AC. Tu película ha recorrido una impresionante cantidad de festivales internacionales. ¿Cuáles fueron las reacciones del público en los diferentes lugares en que se presentó?
AV. Fue muy similar en todas partes sin importar si la presentaba en México, en Suiza o en Rumania. Siempre me enfrenté con un público muy dividido, gente que la odiaba con fuerza y gente que se conmovía mucho. Es muy común que después de la función se me acerque una persona sola y me diga de una manera afectuosa que se conmovió mucho, esto me ha pasado en muchas partes, en alguna universidad, en un elevador en Locarno y en una calle de Transilvania, en rumano y con necesidad de un traductor. Aún recibo correos de vez en cuando de personas que quieren decirme algo en tono muy cariñoso y privado. Esto me conmueve mucho porque descubrí que mi película le llega verdaderamente a muy pocas personas, no a grupos sino a algunas personas de una manera muy privada y muy fuerte. Beatriz Novaro me dijo cuando fue mi maestra de guionismo que esto nos pasa a los artistas que somos radicales. Entre más radical seas tu público será más reducido. Pero esto tiene sus recompensas en la intensidad de su respuesta. Ahora… hablando de intensidad debo decirte que también es muy fuerte en sentido opuesto, en todos los festivales me he encontrado críticas tan destructivas y feroces que no veo para otras películas. Mi estreno, por ejemplo en el Festival de Guadalajara, fue una experiencia durísima, las notas en el periódico, las revistas y en Internet se mezclaban con insultos, hablaban de mis pretensiones de ser cineasta, de los gestos de mi cara ¡y hasta de mis zapatos!!! Ahora me parece divertido, pero en ese momento me sentía atacado y hasta paranoico, pero sobre todo muy lastimado. Con el tiempo me di cuenta de que esos ataques eran muy fugaces, es como una tormenta que dura un par de días y después poco a poco los comentarios negativos fueron caducando en Internet y comenzaron a aparecer comentarios muy agradables, relajados, amables, y esto se ha prolongado por años. Una vez un crítico mexicano muy conocido por escribir en La Jornada, el periódico más respetado de México, me dijo que los cineastas sólo queremos que nos aplaudan y nos digan cosas bonitas sobre nuestro trabajo. Así, como si fuéramos monos amaestrados. Esto no sólo es simplista y torpe, sino que no es verdad. Nadie trabaja 10 años en algo para que le digan cosas bonitas, para eso mejor comprarse unos lindos pantalones. Lo que un cineasta busca es una interacción más profunda con el mundo y con la vida. Se busca construir, señalar, filosofar, participar. Lo que duele de las críticas negativas es que buscan destruir a ciegas, no ven, no tratan de entender o contextualizar la obra, la época, la cultura que la generó, ni siquiera a la persona que la hizo o su postura. Por eso es muy difícil que una crítica negativa sea buena. Cuando ocurre que una crítica negativa es buena, los artistas la atesoramos, se convierte en parte de nosotros y nuestra manera de expresarnos, forma parte del mismo lenguaje. Pero esto ocurre en contadísimas ocasiones. Hoy el Internet, los medios masivos y el mundo están saturados de críticas negativas que son basura, de verdad, no dan ni aportan una coma a nada ni a nadie, abundan, montañas y montañas de esa basura. La crítica negativa es como el castigo, se necesita de muchísima sabiduría, inteligencia y bondad para que sirva de algo. De lo contrario hace daño y merma los esfuerzos. Los independientes, los sociales. A Hollywood, por ejemplo, esto no lo toca, lucra con esto, incluso le sirve como pretexto para su política cultural monopólica. Una crítica positiva, en cambio, por ingenua que sea, requiere de un esfuerzo de la inteligencia, de la sensibilidad, requiere de asumir una postura filosófica o estética simplemente para formularla. Incluso implican el riesgo de la convicción al que se enfrenta todo artista. Por supuesto que hay críticas positivas muy malas, que carecen de toda originalidad, pero al menos se colocan en la empatía y el riesgo, que es el terreno del arte. Finalmente construyen. Cuando una crítica positiva es buena, que esto ocurre más a menudo, puede ser suficiente para mantener a un artista marginal trabajando por años. Yo no me trago esa de que Van Gogh pintó toda su vida sin que nadie en su tiempo notara lejanamente lo que estaba haciendo. Claro que los artistas preferimos una buena crítica, pero ésta no tiene por fuerza que decir que nuestro trabajo es bonito. Regresando un poco a tu pregunta, antes de mi crítica a la crítica, te puedo contar que sorprendentemente fue en presentaciones en Estados Unidos, en pleno Hollywood, donde uno se imagina que el cine marginal y de bajo presupuesto es aplastado e ignorado por el gran cine, donde encontré las críticas más interesantes, algunas durísimas, pero sin duda inteligentes, de personas que se tomaban muy en serio el cine y el arte. También me encantó el público de Quebec y de Locarno. Gané el premio especial del jurado en ¡Portugal! Y fui muy maltratado en Guadalajara y España. Todo esto es muy característico de lo que sucedió con mi película en su recorrido por festivales internacionales, sorpresa tras sorpresa. Nada era lo que yo esperaba, fue una tremenda experiencia.

AC. En tu elenco tuviste a dos actrices muy identificadas con el cine independiente, como Fabiana Perzabal y Ximena Ayala. Por otra parte, Mario Oliver hacía su primer protagónico en un largometraje. ¿Cómo elegiste al trío central de actores?
AV. A todos los actores de mi película los elegí desde el momento de conocerlos. A Jimena Ayala le dije que quería trabajar con ella antes de que existiera el proyecto y escribí el personaje especialmente para ella. Jimena es así en la vida real, es mágica, no es tan inocente como mi Ximena pero sólo de verla desenvolverse uno confía en ella automáticamente. Cuando yo la conocí tenía dos opciones: pedirle que se casara conmigo o escribirle una película. Opté por la película porque ella era una pequeñita de 15 años y yo había pasado los treinta. Pero si no fuera por tanto enamoramiento probablemente nunca habría tenido la fuerza de hacer un proyecto que tardé 10 años en realizar. Fue sublimación pura. Casi no la dirigí, la observé y escribí sus actitudes en el guión. Aumenté por ejemplo, escenas sexuales mientras crecía, la hice llorar, la hice cantar, la hice reírse a carcajadas y ella guió el espíritu del proyecto y mantuvo su inocencia original, no me dejó desviarme, me regañaba. A Mario Oliver lo busqué. Todo el mundo me hablaba de él y lo fui a ver al teatro, donde es muy apreciado y es un monstruo actuando. Después de la función fui al camerino a presentarme y le di una copia del guión. Al poco tiempo me habló fascinado, le había encantado que la película estaba llena de sexo y aceptó en el acto. Mario Oliver tiene una vitalidad inusual, es un hiperactivo creativo. Dirigirlo es como bailar con él, tienes que actuar con él, es agotador, pero también divertido y sobre todo creativo. Mario Oliver es un actor hecho para protagónicos, pero el cine mexicano aún se hace con un esquema gigantesco y rígido. Los directores apenas sabemos improvisar y crear mientras filmamos, pero si supiéramos aprovechar las ventajas del digital, por ejemplo, Mario sería uno de los pocos actores que podrían ser un nuevo James Bond, un Indiana Jones, un Johnny Deep o un Pedro Infante. Mario tiene la creatividad y la energía para hacer una serie de películas, una franquicia, pero México aún no ha aprendido a jugar mientras trabaja. Fabiana fue el resultado de una extensa búsqueda de actrices para remplazar a la maravillosa actriz Úrsula Pruneda, que abandonó el proyecto después de años para irse a vivir a un Asram, en Nueva York, con su maestra espiritual. Fue una búsqueda difícil porque Ursula había creado un personaje maravilloso que era difícil de llenar. A mi no me gustan los castings, me hacen sentir incómodo, desleal, pero tuve que hacer muchos y estaba muy indeciso y no convencido para nada. Un día me habló Fabiana por teléfono muy decidida a obtener el papel. Su entusiasmo y su voz me encantaron. Le dije a la asistente de dirección que creía que había encontrado a la actriz para Ainda ¡pero nunca la había visto! No sabía que era tan guapa. Unas horas después la conocí y no sólo llegó con toda su belleza física sino con cantidades de ideas para el personaje, especialmente ideas muy sensuales que nos cautivaron no sólo a mí sino a Jimena y a Mario. Puedo decir que Fabiana nos sedujo a los tres, nos tenía babeando exactamente igual que el personaje de la película. Ella, a diferencia de Mario y de Jimena no se parece en la vida real a su personaje en la película, pero al trabajar estaba totalmente poseída. Nunca terminaré de agradecerle lo que hizo con Ainda: un personaje ferozmente vital, terrible, sensual, entrañable y lo logró en base a puro profesionalismo y entrega. Ahora que los estoy describiendo me doy cuenta de que los tres tienen una vitalidad fuera de lo normal, probablemente ésa es la razón por la que los elegí desde el primer momento y la razón por la que se les asocia con producciones independientes. Yo sé que toda película es una batalla, pero levantar una proyecto de este tamaño sin dinero requiere de una voluntad especial, una disposición para el riesgo que yo asocio con su capacidad de amar, amar al arte, amar las ideas, y amar a los demás. Los tres… los cuatro, si cuento a Úrsula, mi primera Ainda, mi primera arpía, son unos amorosos perdidos, terminales.

AC. ¿Por qué Historias del Desencanto?
AV. Cuando comencé el proyecto lo único que sabía es que quería que fuera fantástico y que quería enfocarme en el inconciente, pero aún no sabía de que iba a tratarse. Así que me eché un clavado en mis cajones más antiguos, en la casa de mis padres, en la búsqueda de dibujos, poemas, historietas y todas las cosas que alguna vez había creado pero que ya había olvidado o no era capaz de reconocer como propias. Estaba buscando a mi inconciente. Y descubrí que independientemente de la época de mi vida, de si se trataba de una historieta, un poema, una pintura o de algún intento de teatro o de cuento, había una serie de símbolos y de imágenes que se repetían constantemente, como un mundo privado con una lógica propia, y el común denominador de todos esos mensajes era el desencanto. Pura soledad, erotismo, unicornios, vampiros y sobre todo azote. Pero me encantaba, porque ya me sentía lejos de ese mundo tortuoso de mi larguísima adolescencia. Tuve el título antes de tener siquiera una historia y jamás cambió. La palabra desencanto resonaba dentro de mi y yo sabía que sus significados daban para mucho, y que me esperaba un camino largo. Ésta es la lógica que seguí para construir un guión basado en mis símbolos inconcientes, o más inocentes. Cuando una imagen me resonaba por dentro yo sabía que iba por buen camino. A veces me sorprendía porque alguna escena resultaba demasiado pornográfica o demasiado oscura, pero si me resonaba, no me detenía a analizarla, quería saber hasta dónde llegaba todo. Se ha dicho mucho que la mía es una película de formas, que me regodeo en imágenes pulidas, encuadres torcidos, colores, sexo y efectos digitales, como si hablaran de una película comercial. Pero lo cierto es que hay en estas imágenes mucha observación, mucha investigación, mucha intuición. Y estas imágenes a veces resuenan en el público de la misma forma en que lo hicieron conmigo. Si hubiera querido hacer una película comercial lo hubiera hecho. A mí me encanta el cine comercial. Tengo una colección de cientos de películas de fantasía, hasta proyectores de súper 8, 16 y 35 mm en la sala de mi casa. Pero esta película es una investigación sobre mi inconsciente, especialmente sobre mi adolescencia. Una época dolorosa en la que tomé las mayores decisiones de mi vida y la mayoría de estas decisiones eran invisibles. Eran decisiones sobre mi espíritu y mi corazón. De eso trata Historias del Desencanto.

AC. Lo inusual del género en México, la historia, estética y banda sonora del filme contribuyeron para que éste conquistara a lo largo de los años una gran legión de admiradores. ¿Tienes consciencia de que tu ópera prima se ha convertido en una película de culto para muchos cinéfilos?
AV. Ese término (de culto) lo he escuchado mucho desde que estrené mi película en la Ciudad de México, en el festival MIX y, para serte franco, me encanta, es una especie de recompensa para mí, pero la verdad es que no tengo muy claro qué significa. Es bastante moderno eso de asociar el culto con películas llamadas de clase 'B' o de bajo presupuesto que por alguna razón son atesoradas por un público muy pequeño. Tal vez por eso algunos definen mi película como de culto. Principalmente por rara. Pero la verdad es que estrictamente el cine de culto es otra categoría, habla de películas masivas que marcan épocas o películas menos accesibles pero de grandes realizadores. Las películas de culto pertenecen al 'gran cine' y en el caso de mi trabajo es una especie de rumor subterráneo de un pequeño grupo de personas que le otorgan el valor de la originalidad, que la aceptan en su dimensión, en su contexto y la asumen como propia. Una película emo, una película neo-gay, neo-kitsch o post-posmoderna como la definió Arturo Castelán. Una película de la "primera generación de artistas honkogueses nacidos en México", escribió Jorge Ayala Blanco en su libro La herética del cine mexicano. Esto es un honor para mí porque proviene directamente del público más neto sin ninguna intención mediática. Ya te platiqué antes de mi fatídico estreno en el Festival de Guadalajara. Éste fue mi primer encuentro con el mundo del cine porque yo me movía en el circulo del video arte que es mucho menos público, y no estaba preparado para esa experiencia. Después de perder el piso totalmente me di cuenta de que en el mundo del cine todo es exageradísimo. El éxito y el fracaso son exageradísimos. Y esto se debe al manejo mediático de los medios de comunicación y de los intereses económicos que mueven el mundo. La presencia de una estrella en un filme representa una enorme campaña publicitaria y por eso las estrellas ganan mucho dinero. Todos aceptamos esto con facilidad. Pero la verdad es que este sistema no favorece el desarrollo de la cultura porque la estructuran de una forma piramidal. Imagina lo contrario: una cultura horizontal, interactiva, expansiva. Pues esto es lo que todos los artistas buscamos. Si una película logra transformar la realidad de por lo menos una persona, entonces podemos hablar de culto. En este sentido, el término que usó por primera vez para mi película Arturo Castelán, director del Festival MIX Lésbico-gay de la Ciudad de México, fue más que una recompensa, un rescate. A partir de ese momento y sin la ayuda de nadie la película comenzó poco a poco a encontrar a su público, después de que toda la comunidad cinematográfica de México me había despreciado y me había convertido en el tonto del pueblo.

AC. Anteriormente se ha anunciado que la cinta saldría en un DVD bastante interactivo y con diversas ediciones disponibles. ¿En qué consiste ese DVD y cuándo estará a la venta para el público?
AV. Ésa es la pregunta que más escucho últimamente. Se terminaron las proyecciones de mi película pero me siguen llegando correos de personas que quieren saber cómo conseguirla. Es una historia un poco complicada pero intentaré hacerla amena: lo que sucede es que el proyecto original es un poco interactivo. Así es el guión original y así lo filmamos, como una historia narrada por niveles y en cada nivel podías elegir el punto de vista de uno del los tres personajes principales, o sea, hay tres versiones de una historia pero las puedes ir combinando y de esa forma la película tiene cientos de formas de armarse. Es un proyecto de experimentación narrativa, complejo, por que no podía basarse en las precisiones de un guión lineal. Tampoco quería que se tratara de un video juego (una investigación, una misión, etc.), pero sí quería narrativa, de modo que construí la historia a partir de imágenes fuertes y sugerentes, pero que fueran capaces de tener distintos significados según se fueran enlazando. Así los personajes comenzaron a hablar de ombligos, de arpías, de sueños y de alas, pero con connotaciones emocionales verdaderas, que alentaran al público a cerrar la historia. Por supuesto no existe un mercado para proyectos experimentales de este tipo y las becas para proyectos experimentales son muy pequeñas para cubrir una producción de estas dimensiones que no cuenta una historia sino tres. De modo que filmamos lo más barato que pudimos con una beca de 145.000 pesos, que son como 10.000 dólares, y pusimos todo el peso de la producción en la postproducción. Así que mientras buscábamos dinero para esta etapa editamos las secuencias que teníamos y las convertimos en una película lineal, un largometraje, para lo Felipe Gómez y yo que contamos con la ayuda de un experimentado editor de cine, Roberto Bolado, y con este corte de la película pedimos un apoyo al IMCINE para terminar la película. IMCINE nos otorgó la beca para terminarla. Fue maravilloso. Los presupuestos para el cine son infinitamente más grandes que los del video arte experimental, de modo que nos alcanzó para hacer un gran taller de artistas visuales, nos alcanzó para producir muchísima música con artistas que yo siempre había admirado, para hacer un diseño de sonido maravilloso y para pagar todos los procesos necesarios para convertir nuestro material en una película en 35 mm lista para su proyección en salas de cine. Todo esto superó mis expectativas y después de terminar la película, pensé que sería muy sencillo incluir en el DVD el proyecto original, pues era una sencilla pieza de video experimental. Pero las compañías de distribución tienen un solo esquema del negocio donde no hay cabida para versiones interactivas, ni experimentos artísticos y en ese esquema las películas pequeñas como la mía sólo tienen derecho a una edición sencilla, a una caja negra de plástico y a un número pequeño de copias. Si yo acepto esta oferta entonces tendría que despedirme del proyecto interactivo original. No podría ni siquiera hacerlo por mi cuenta y regalarlo por Internet porque tendría un contrato firmado con ellos. De modo que sólo me queda hacerlo yo mismo, en mi computadora personal como hice casi toda mi película y distribuirla como yo pueda. Por supuesto me he tardado mucho. Es mucho trabajo para una persona sola, con hijos chiquitos y mucho trabajo, pero con la ayuda de un par de amigos ya lo estoy logrando y pronto encontraré la forma de que la película llegue a las personas que la han pedido y a quienes la busquen en You Tube o en Internet. Ya no quiero poner fechas porque siempre quedo mal con eso, pero pronto, ya nada más es un problema de agenda, de encontrar un poco de tiempo libre para concentrarme en lo que dejé pendiente.

AC. ¿Tienes en mente realizar otra película? ¿Seguirás explorando el género fantástico?
AV. Sí y sí. Actualmente estoy desarrollando dos guiones. Los dos son colaboraciones. El primero para que lo dirija mi compañera Lorenza Manrique. Ella hizo el arte de mi película y ahí me enamoré de ella. Después tuvimos dos hijos, y ahora vamos a hacer otra película juntos. Lorenza es cineasta del CUEC y aunque mucho más exitosa que yo también tiene un estilo que es más estilizado y expresivo que realista. Pero no creo que sea una decisión muy conciente. Es nuestro tono, nuestra forma de enfrentar la realidad, el tipo de cosas que nos preocupan y que nos conmueven. Ella es una reconocida directora de arte en México y yo trabajo profesionalmente en el arte digital de películas. Los dos pensamos en imágenes. El guión que realizamos actualmente, por ejemplo, está basado en un hecho político muy vergonzoso que ocurrió recientemente en México cuando el gobierno derechista intentó desalojar un pueblo agrícola para construir un aeropuerto internacional, el pueblo se resistió y como castigo un ejército de policías atacó al pueblo de una manera brutal, golpeando, criminalizando, encarcelando a cientos y violando sexualmente a las mujeres. Es un hecho horrible, crudo, y por desgracia muy real. Habla de la realidad que vive México hoy en día. Pero nosotros no creemos que una película, que cuando logre estrenarse hablará de una noticia que ocurrió 10 años atrás, logré ser muy útil como denuncia o logre siquiera sumarse a las filas de la resistencia que ha construido tan bien la sociedad a través de Internet o de radiodifusoras libres. Pero sí creemos que el cine puede aportar a la historia un acento más universal, más permanente, que ayude a formar una especie de memoria colectiva que se oponga a que sigan ocurriendo hechos como éste. No quiero contarte demasiado de este guión porque es un trabajo en proceso, pero te puedo adelantar que no es el cine de denuncia realista que estamos acostumbrados a ver. Es una historia llena de vitalidad, de imágenes, de fantasía y de música. Ésta es y siempre ha sido nuestra manera de dar la pelea. El otro guión es una historia futurista acerca del abuso de la utilización de leyes de patente y derechos de autor. Plantea dos futuros posibles para los países en desarrollo. Es un tema vital que está ahora en Internet por todas partes. Será también una película saturada de imágenes digitales y todo el trabajo pretende realizarse en software libre. Simultáneamente a este trabajo estoy desarrollando también con Lorenza un programa ciudadano para que el gobierno apoye el desarrollo tecnológico aplicado al cine pero basado en software libre y abierto. Como puedes ver todo el trabajo que desarrollo actualmente gira alrededor de los mismos temas sociales. Las Historias del Desencanto tal vez se están convirtiendo en 'Historias de la Rabia', pero siguen teniendo formas fantásticas, poéticas y sobre todo libres. Nuestra lucha sigue siendo por abrir caminos para el arte. No como luchadores sociales sino con las únicas armas que tenemos los artistas: la creatividad, la libertad, la experimentación y el riesgo. Como artista uno nunca sabe si su trabajo alcanzó a tener alguna influencia en el mundo. Pero está bien. El arte debe regresar a la cultura que lo creó. Ahí pertenece. Y los medios y las herramientas deben de pertenecer a la cultura. Todavía existen medios libres. Debemos tomarlos y crear con ellos. Esto sí puede cambiar un poco el mundo.

Festival Audiovisual de Recife llega a su 13ª edición y anuncia programación

Miércoles, 01.04.2009 I Festival de cine, Brasil I Del website oficial

El clima ya es de conteo regresivo para la decimotercera edición del Cine PE Festival del Audiovisual, que será realizado del 27 de abril al 3 de mayo, en el Teatro Guararapes, en el Centro de Convención de Pernambuco (Cecon), en Olinda.

Faltando menos de un mes para la maratón cinematográfica que reúne el mayor público de festivales del país —cerca de 30 mil—, la realizadora del Cine PE, Bertini Producciones y Eventos, anuncia la programación de los títulos seleccionados para la Muestra Competitiva de Largometrajes y la respectiva grilla de programación.

De 66 largos inscritos para la competencia, cinco fueron elegidos por la curaduría para entrar en la disputa: las ficciones Extraños (de Paulo Alcântara, Bahía), Mistéryos (Pedro Merege y Beto Carminatti, Paraná) y Plaza Saens Peña (de Vinícios Reis, Río de Janeiro) y  los documentales Hola, Hola, Terezinha (del carioca Nelson Hoineff) y Un Hombre de Moral (del paulista Ricardo Días).

Además de los filmes en competencia, el público podrá ver en la noche de inauguración, como hors concours y en calidad de estreno en Brasil, la película Eden À La Ouest, del director francés Costa-Gavras. quien estará presente al lado de la productora y esposa, Michelle Gavras, para quedarse cinco días en la ciudad. La cinta del realizador galo ha sido estrenada en el último Festival de Berlín y cuenta la historia de un joven inmigrante que cruza el Mediterráneo en búsqueda del paraíso, representado por París.
 

Ganador de la Palma de Oro de Cannes, en 1982, por Missing, el cineasta reconoció estar ansioso por la reacción del público pernambucano a su película. "Espero que los espectadores del Cine PE aprecien Eden. La cinta es una reflexión acerca de un problema muy actual. Puedo decir que es un filme muy personal, mismo que no sea una autobiografía", afirmó.

Por otra parte, la Muestra Pernambuco, con carácter competitivo, sigue para su segunda edición con el mismo formato del año pasado. Serán proyectados 17 cortos, además de tres largometrajes de la reciente producción local. El mejor en cada categoría recibirá premios de R$ 5.000 y R$ 10.000, respectivamente, ambos concedidos por la Asamblea Legislativa del estado, de acuerdo con definición del jurado oficial.

Empieza abril y con él la expectativa por la fiesta del teatro en Santa Cruz

Miércoles, 01.04.2009 I Festival de teatro, Bolivia I Nota

Como cada dos años, el Festival Internacional de Teatro Santa Cruz de la Sierra reserva once días llenos de espectáculos de diversas partes del mundo, con una variada oferta tanto para niños y adultos, las cuales se adueñarán de escenarios y calles de la capital y otras 17 ciudades del departamento, del 16 al 26 de este mes.

En esta edición, participarán artistas de Alemania, Argentina, Bélgica, Brasil, Chile, Ecuador, España, Holanda, México, Paraguay y Perú, además del país anfitrión, Bolivia. Entre los locales, se destaca la presencia de compañías de peso, como el Teatro de Los Andes, La Cueva, Kíkinteatro, Mondacca Teatro, El Masticadero, Escena 163 y Casateatro. El estreno de Transparente y la presentación de Smell! por primera vez en Santa Cruz seguramente estarán entre las funciones de mayor convocatoria.

Asimismo, las obras extranjeras que deberán concitar la atención son 4.48 Psicosis (Leonor Manso, Argentina) y Toda Desnudez Será Castigada (Teatro da Cidade, Brasil), aparte de los espectáculos de danza París Santiago y Valparaíso Vals (Ballet Nacional de Santiago, Chile). En efecto, argentinos, brasileños y chilenos serán los que arribarán a tierras cruceñas con mayor cantidad de propuestas: nueve, cinco y tres, respectivamente.

Los escenarios de la capital utilizados para esta versión serán la Casa de la Cultura, AECID, Paraninfo Universitario, Escuela Nacional de Teatro, Centro Cultural Franco Alemán, UAGRM, El Deber, Coliseo Villa Primero de Mayo, Hogar de Niños Don Bosco y la Parroquia María Reina de la Paz, además de los centros culturales San Isidro, La Morita y Pampa de la Isla, así como los espacios abiertos Manzana 1 y Plaza de la Luz.

Por otra parte, Buenavista, Camiri, Comarapa, Concepción, Cotoca, Montero, Pailón, Roboré, Samaipata, San Carlos, San Javier, San José de Chiquitos, San Juan de Yapacaní, San Julián, Vallegrande, Warnes y Yapacaní serán sede de 32 de las 93 funciones programadas en total por los organizadores.

Realizado por séptima vez por la Asociación Pro Arte y Cultura (APAC), el festival ha crecido notablemente en los últimos años, logrando convocar alrededor de 50.000 espectadores en las últimas cuatro versiones. Las entradas para los espectáculos pagados de esta edición (con precios que varían de Bs 25 a Bs 50) ya están a la venta en el Museo de Arte Contemporáneo, ubicado en la esquina de las calles Sucre y Potosí.

Página del festival I Programación en la ciudad I Programación en provincias

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