El Abrazo de los Peces será una de las películas exhibidas en esta edición l Foto: Difusión

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El octavo Festival Internacional de Cine de los Derechos Humanos, a realizarse en Sucre (Bolivia) del 23 al 29 de julio de este año, ya se empieza a palpitar con la selección de las películas que harán parte de la programación. Para esta versión, cuyo tema es “Mujer, Madre Naturaleza”, se han inscrito alrededor de 180 trabajos de 40 países; el comité encargado ya cuenta con los nombres de las cintas finalistas, que deben ser anunciadas el próximo 25 de mayo.

Se estima que entre 70 y 80 películas formarán parte del festival, que será inaugurado el lunes 23 de julio en el Teatro Gran Mariscal, local elegido también para la clausura y que es denominada Pantalla 0 por los organizadores. Este año, la lectura del acta del jurado y la entrega de premios serán llevadas a cabo en la penúltima jornada, el sábado 28, quedando la última fecha destinada a la exhibición de las cintas ganadoras, en el mismo escenario, según informó el director del evento, Humberto Mancilla.

Otras sedes del festival serán el ex Cine Cooperativa, donde actualmente funciona la Cineteca de Derechos Humanos (llamada Pantalla 1 y en la cual se realizarán proyecciones con la participación de personas con discapacidades), el Teatro 3 de Febrero (Pantalla 2, en la que se buscará la inclusión de las trabajadoras del hogar) y la Universidad Pedagógica Mariscal Sucre (Pantalla 3). Asimismo, una unidad móvil llevará las películas a la Cárcel de San Roque, al Instituto Psiquiátrico Gregorio Pacheco y a algunos barrios de la capital.

Por el momento, ya están confirmadas en la programación películas como El Abrazo de los Peces, sobre la sordoceguera y dirigida por el español Chema Rodríguez, Cerro Rico, Tierra Rica, del colombiano Juan Vallejo y filmada en Potosí y en el Salar de Uyuni (Bolivia), acerca del trabajo de los mineros locales, Haití, La Llamada del Caracol Reina, un retrato de la situación actual del país caribeño, realizado por la belga Anne Delstanche, y la serie Mujer, Madre Naturaleza, del boliviano Eduardo López Zavala.

Más información: Sitio web oficial l Facebook

Una caravana llegará a 10 poblaciones

Aunque el festival solo tendrá inicio en julio, una primera actividad relacionada al mismo arrancará en 3 semanas más. Se trata de la Caravana por el Derecho al Cine, que partirá en un bus cedido por la Gobernación de Chuquisaca, desde la Plaza 25 de Mayo hasta 10 poblaciones del departamento, para presentar el ciclo “De La Nación Clandestina al Estado Plurinacional”.

El ciclo tiene el apoyo del Ministerio de Educación, a través de la Dirección Departamental y de los directores de distrito, y el respaldo de Amnistía Internacional. La finalidad es acercar el público de localidades en las que no hay salas a películas de gran calidad y contenido social. “Buscamos que el cine sea tomado en cuenta como parte del derecho humano de acceder al arte y la cultura, y el festival tiene como misión democratizar este acceso”, explica Mancilla.

La caravana pasará por Macharetí (5), Muyupampa (6), Monteagudo (7), Huacareta (8), Padilla (9), Tarvita (11), Sopachuy (12), Tomina (13), Zudáñez (14) y Tarabuco (15), en un recorrido de casi dos semanas. Se proyectarán cintas como La Nación Clandestina y El Coraje del Pueblo, de Jorge Sanjinés, Los Andes No Creen en Dios, de Antonio Eguino, Zona Sur, de Juan Carlos Valdivia, y Blackthorn, del español Mateo Gil y filmada en Bolivia.

Camioneros desafían las más peligrosas carreteras sudamericanas l Foto: History Channel

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La actual temporada de la serie “Rutas Mortales”, rodada en los Andes y exhibida por el canal de cable History Channel, es una muestra de cómo realizar un programa de televisión combinando una excelente producción, grandes dosis de emoción y adrenalina y la presentación de escenarios verdaderamente deslumbrantes.

Grabada el año pasado a lo largo de 10 semanas en algunas de las carreteras más peligrosas de Perú y Bolivia, el programa muestra a cinco camioneros (Hugh Rowland, Lisa Kelly, Tino Rodríguez, Tim Zickuhr y G.W. Boles) que se aventuran en angostas rutas para cumplir diferentes misiones. El primero conduce solo, mientras los demás están agrupados en parejas, en las que uno queda al volante y el otro asume el rol de ayudante.

El peligro de las rutas recorridas contrasta con una belleza fuera de lo común, como ocurre en el llamado Camino de la Muerte, en los Yungas bolivianos, o en medio al esplendoroso Salar de Uyuni. En ocho episodios, el público latinoamericano pudo apreciar los fantásticos paisajes bolivianos, además de conocer un poco más sobre las tradiciones locales y la idiosincrasia de la población de estos lugares. Pocas veces Bolivia se ha mostrado de una manera tan interesante en la televisión internacional, y se agradece poder verla desde un ángulo tan generoso (y justo).

En el Camino de la Muerte, ubicado en el departamento de La Paz y considerado uno de los más peligrosos del mundo, son muchos los momentos en que uno se pregunta cómo puede una movilidad sortear tramos tan estrechos y riesgosos, en que un mínimo error puede significar una caída fatal a centenares de metros de altura. Un eficaz trabajo de edición sabe despertar la emoción y mantenerla durante los 60 minutos de duración del programa, publicidades incluidas.

Ya en el Salar de Uyuni, la emoción queda por cuenta de la enorme dificultad de orientarse en un gran desierto de sal, donde prácticamente no hay puntos de referencia para saber hacia dónde seguir. La belleza del lugar, que se suma a otros escenarios impresionantes del territorio boliviano, impactaron a la participante Lisa Kelly. ”Bolivia debe ser el mejor país del mundo, lo tiene todo”, llegó a afirmar la camionera.

Los cinco participantes del show (al principio eran seis, pero dos desistieron luego del primer programa, y solo Boles se incorporó para suplirlos) tienen diferentes características, que a veces provocan fricciones entre ellos. Lisa, por ejemplo, se resiste a ceder el volante a Boles, relegado a la condición de ayudante; Tim no parece tener respeto por la ruta, que sin embargo su compañero Tino sí demuestra; y Hugh es demasiado violento al conducir, lo que en más de una ocasión le genera problemas.

Desde el próximo domingo, cuando se exhibirá el noveno episodio de la serie, la emoción se trasladará a Perú. Allí, será la vez de conocer nuevos escenarios, seguramente igual de deslumbrantes. Por el adelanto que se pudo ver, la adrenalina estará a flor de piel, en este programa que sabe combinar muy bien diversos elementos que lo convierten en un gran entretenimiento. Recomendable.

Escríbeme Postales a Copacabana es parte del festival de cine boliviano l Foto: Difusión

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Dos muestras llevadas a cabo en mayo en la ciudad de Sucre presentan más de una decena de producciones realizadas en Bolivia, ambas con entrada gratuita. Por un lado, la Cineteca de Derechos Humanos exhibe todos los jueves el ciclo Historia y Revolución, compuesto por cinco películas nacionales y otras dos extranjeras. Por otro, el Festival Mayo de Cine Boliviano, que arranca este lunes, mostrará siete largometrajes recientes, con la presencia de la mayoría de sus directores.

El ciclo Historia y Revolución, que tuvo inicio el último jueves, con la cinta El Coraje del Pueblo, de Jorge Sanjinés, proseguirá el 10 con la exhibición de Los Fantasmas de Juana Azurduy y La Marcha Por La Vida, y concluirá con el documental ¿Por qué Quebró Mc Donald’s?. Organizada por el Centro de Gestión Cultural Pukañawi, la muestra es realizada siempre a partir de las 19:00 en el ex Cine Cooperativa.

A su vez, la primera edición del Festival Mayo de Cine Boliviano, llevada a cabo por iniciativa de la productora Alucine, incluye la proyección de películas como El Cementerio de los Elefantes, El Ascensor, Vidas Lejanas y También La Lluvia. Las funciones, que se realizarán hasta el domingo y tendrán inicio diariamente a las 19:00 en diferentes salas, tendrán un debate al final con los directores de cada filme, o en algunos casos con un productor o actor de la cinta exhibida.

Ciclo Historia y Revolución

Jueves 10 l 19:00
Los Fantasmas de Juana Azurduy l De Danielle Caillet l Bolivia, 1994 l 19 min.
La Marcha Por La Vida l De Alfredo Ovando l Bolivia, 1986 l 24 min.

Jueves 17 l 19:00
Tupac Amaru l De Federico García l Perú, 1983 l 95 min.

Jueves 24 l 19:00
25 de Mayo de 1809 l De Humberto Mancilla l Bolivia, 2006 l 10 min.
Manuela Sáenz, La Libertadora del Libertador l De Diego Rísquez l Venezuela, 2000 l 100 min.

Jueves 31 l 19:00
¿Por qué Quebró McDonald’s? l De Fernando Martínez l Bolivia, 2011 l 78 min.

Festival Mayo de Cine Boliviano

Lunes 7 l Teatro Gran Mariscal l 18:30
El Cementerio de los Elefantes l De Tonchi Antezana

Martes 8 l Teatro 3 de Febrero l 18:30
El Ascensor l De Tomás Bascopé

Miércoles 9 l Paraninfo Universitario l 18:30
Vidas Lejanas l De Okie Cárdenas

Jueves 10 l Paraninfo Universitario l 18:30
Los Gringos No Comen Llajua l De Adán Sarabia

Viernes 11 l Teatro Gran Mariscal l 18:30
Los Restos del Último Amanecer l De Gustavo Castellanos

Sábado 12 l Teatro Gran Mariscal l 18:30
Escríbeme Postales a Copacabana l Coproducción boliviana (Paolo Agazzi)

Domingo 13 Teatro Gran Mariscal l 18:30
También La Lluvia l Coproducción boliviana (Gerardo Guerra)

El director de Brillosa y Desmesura Vaginal está en cartelera con dos obras l Foto: Difusión

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Sigue en la cartelera bonaerense el más reciente montaje de Teatro Crudo, compañía dirigida por Martín Marcou y ya situada entre las más interesantes de la escena independiente porteña. Pitón Bebé, que se presenta todos los viernes, a las 23:00, en La Tertulia, cuenta con actuaciones de Delfina Bianco, Ana Rossi y Eugenio Davide.

La obra está ambientada en un viernes de diciembre por la tarde. Las horas pasan volando y Leticia, que acaba de perder a su amor, está tirada en un sillón escuchando una canción, retorciéndose de angustia al arrastrarse por el piso. Él se fue o murió; “da lo mismo, aunque no sea lo mismo”.

El texto del espectáculo es de Martín Marcou, pero ha contado con la colaboración de los actores. Además, Ana Rossi, que forma parte del elenco, también aporta a la obra con dos canciones, “Fuera” y “Yo Sin Vos”, cuya letra y música es de su autoría; ambas son interpretadas en guitarra durante el montaje.

Acerca de la obra, Marcou revela que ha partido de una pregunta fundamental en su vida: cómo existir en el corazón de los demás. “Pitón Bebé está dedicada a la honda melancolía que he adivinado en los ojos de las chicas travestis, está ofrendada a su lucha por conquistar sus dignidades y trascender sus historias muchas veces truncas. Mientras mi corazón va al galope, sigo creyendo que un encuentro te puede salvar la vida”, afirma.

Con producción de Checha Amorosi, diseño de luces de Ariel Campos y asistencia de dirección de Esteban Fort Caneda, Pitón Bebé, cuya duración es de cerca de 50 minutos, tiene entradas a un costo de $50,00 ($40,00 para jubilados) y presentaciones en el Teatro La Tertulia. La sala está ubicada en Calle Gallo, 826, en Buenos Aires. Además, el grupo también está en cartelera con Quiero Pasar Una Tarde Con Franco, todos los sábados (23:00) en Multiespacio Los Ángeles (Corrientes, 1764).

Heleno de Freitas fue una verdadera leyenda del fútbol brasileño en los años 40 l Foto: Difusión

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Recientemente estrenada en Brasil, la película Heleno, del director José Henrique Fonseca, presenta al actor Rodrigo Santoro en la piel del mítico jugador del Botafogo en los años 40, que pasó a la historia tanto por su gran talento como por su carácter explosivo, sus problemas personales y su adicción a las drogas y locura originada por la sífilis que lo llevaría a la muerte en un sanatorio.

Con pasajes por el argentino Boca Juniors y por el Vasco da Gama, entre otros equipos brasileños, Heleno de Freitas era la mayor estrella de una época dorada de Río de Janeiro, una capital llena de glamour por aquel entonces. Bonito, irritable y bohemio, el crack estaba seguro de que sería el mejor futbolista brasileño de todos los tiempos, pero la Segunda Guerra Mundial y los problemas de su vida personal obstruyeron su carrera y cambiaron su destino, marcado en iguales proporciones por la gloria y la tragedia.

Nacido el 12 de febrero de 1920 en San Juan Nepomuceno, Minas Gerais, Heleno era un miembro de la alta sociedad de Río de Janeiro, ciudad donde se formó en Derecho. Apasionado por el fútbol, se convirtió en jugador, anotando 209 goles en 235 partidos con el Botafogo, club en el cual actuó de 1940 a 1948. De mal genio, coleccionó enemigos y expulsiones, además de ser adicto a drogas como el lanzaperfume y el éter. Enfermo de sífilis, murió a los 39 años, abandonado en un sanatorio de la ciudad minera de Barbacena, en 1959.

En la cinta, Heleno es interpretado por el actor Rodrigo Santoro, que suma una veintena de trabajos en televisión y estuvo en películas como Bicho de Siete Cabezas, Carandirú y Abril Despedazado, en Brasil, así como en Love Actually y 300, en los Estados Unidos, país donde sigue una exitosa carrera, que incluye su participación en la serie “Lost”. Premiado anteriormente en Cartagena y Cannes, el artista de 36 años recibió el Coral a la mejor actuación masculina en la última edición del Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana.

Acompañan a Santoro la actriz Alinne Moraes, como la esposa de Heleno y madre de su único hijo; la colombiana Angie Cepeda, en el papel de una cantante que tiene una relación amorosa con el jugador; y además Othon Bastos, Erom Cordeiro, Herson Capri, Orã Figueiredo, Henrique Juliano y Duda Ribeiro. La realización de esta biopic, filmada en blanco y negro y cuya fotografía estuvo a cargo del experimentado Walter Carvalho, es de la productora Downtown Filmes.

El realizador boliviano debe presentar su más nueva película este año l Foto: Los Tiempos

Marcos Loayza

En su nueva película, Las Bellas Durmientes, el director boliviano Marcos Loayza incursiona en el cine de género, en un desafío que él mismo considera arriesgado pero del cual seguramente saldrá bien librado, ya que tiene acostumbrado al público con grandes historias, como ha ocurrido en su multigalardonado debut (Cuestión de Fe) o, posteriormente, en El Corazón de Jesús.

Además de su labor como realizador, Loayza fue director de la Cinemateca Boliviana, institución encargada de la conservación y difusión de la cinematografía nacional. Detrás de cámaras, su talento fue reconocido con invitaciones para dirigir en Argentina (Escrito en el Agua) y llevar a cabo el documental El Estado de las Cosas, en el cual retrató el ambiente de esperanza que se vivía en el país, luego de la elección de Evo Morales como presidente.

La más reciente producción del cineasta paceño fue filmada el año pasado en Santa Cruz de la Sierra, y deberá estrenarse en los próximos meses. Clasificado como un thriller, el largometraje cuenta con actuaciones de Luigi Antezana, Elías Serrano, Andrea Aliaga, Fred Núñez, Paola Salinas, Carlos Rocabado, Daniel Larrazábal y Patricia García, presentando un mundo sin ley, en el cual un humilde cabo procura descubrir la verdad sobre los asesinatos de lindas modelos, involucrándose en una intrincada y peligrosa trama.

Con un tratamiento de comedia realista y jugando con varios clichés cinematográficos, Las Bellas Durmientes es un paso más en la carrera de un director que ha cosechado premios en La Habana, Cartagena y Biarritz, entre otros festivales. En esta entrevista concedida con exclusividad para ALDEA CULTURAL, el realizador da detalles sobre su nueva cinta y habla de temas como la dificultad a la hora de exhibir un trabajo o de hacer gestión y de la calidad del cine actual en Bolivia.

Más sobre la película: Sitio web oficial l Blog l Facebook

Entrevista
Marcos Loayza l Cineasta boliviano

Yo no hago casting porque es bastante duro, entonces trabajo con la gente que me cae bien.

Si acaso uno estuviera haciendo su propia película, no tendríamos tiempo de pelearnos entre nosotros.

Ahora hay una sensación de desencanto general, creo que han caído muchas máscaras.

La única posibilidad de entrar al mercado es la calidad.

ALDEA CULTURAL (AC). Coméntanos un poco acerca de tu nueva película, Las Bellas Durmientes.

MARCOS LOAYZA (ML). Las Bellas Durmientes es una película filmada toda en Santa Cruz y la idea partió de realizar un thriller, no de hacer una película norteamericana, sino más bien de dialogar con el género. De alguna manera la propuesta era expresar cómo son los bolivianos y de construir un thriller.

AC. ¿Por qué elegiste Santa Cruz para ambientar la historia?

ML. Por varias razones. Una de las razones es que Santa Cruz es ahora el punto donde se discute más sobre lo que es lo boliviano, lo que es lo norteamericano, lo que es el progreso. Y la otra razón es que la historia misma lo pide; se muestra a modelos, cómo corre la plata. Santa Cruz permite mucho más aquello, es donde está presente el glamour, la riqueza.

AC. En el caso específico de esta película, ¿de dónde surgió la idea original y cómo fue el proceso desde esa idea hasta plasmarla en un guión?

ML. Lo que pasa es que es un trabajo muy lento, entonces no me acuerdo exactamente el origen, pero me imagino que había toda una clase de situaciones en mi cabeza, ciertos personajes que aparecen y se van dibujando. Creo que se debe tener una buena situación, personajes sólidos, que valgan la pena ser vistos, además que no sean desagradables, pese a que la película tiene narcotraficantes, asesinos, políticos corruptos, pedófilos…

AC. En el elenco podemos ver actores con los que normalmente trabajas, como ocurre con Elías Serrano, también actores que vienen de las tablas, como Daniel Larrazábal y Paola Salinas, y otros que están haciendo su debut, especialmente en el caso de las actrices. ¿Cómo fue la elección del reparto?

ML. Yo no hago casting porque es bastante duro, entonces yo trabajo con la gente que me cae bien, gente que trabaja conmigo desde hace mucho tiempo. Es importante que sea una buena persona, que sea agradable y que haya confianza mutua, que sea una persona que valore mi trabajo y tenga confianza en lo que estoy haciendo. Trabajo con los amigos y me dejo llevar mucho por la intuición, hay algo que tiene el personaje y hay algo que tiene el actor, el aspirante al papel. Pero si me preguntas por qué elijo a un actor, muchas veces no lo sé, después viendo la filmación y la película entiendo por dónde iba la intuición. También uso mucho el Facebook, el Twitter, el Skype. Veo películas, teatro, trato de ver el trabajo del actor. Pero no frente a un casting, sino más bien husmeando.

AC. Saliendo del tema de Las Bellas Durmientes, hace unos años filmaste El Estado de las Cosas, en un periodo de la historia de Bolivia en que había una atmosfera de esperanza, de cambio. Si tuvieras que filmarla nuevamente hoy, ¿crees que habría esa misma atmosfera o que la sensación sería diferente?

ML. Yo creo que ahora hay una sensación de desencanto general, creo que han caído muchas máscaras, hay discursos que quedaron en discursos nada más. Hay cosas que no acabamos de resolver como país, como la falta de institucionalidad, que se tenga que refundar nuevamente todo. Creo que el país no está haciendo más de lo que hacía antes y nopor eso hay que cambiar de bandera, hay una necesidad de entrar en la modernidad y eso supone dejar de vivir en un mundo en blanco y negro, de izquierda-derecha, ciudad-campo, indígena-blanco, sino más bien entender que es un país lleno de matices y es en eso que tenemos que trabajar. Si tú ves el documental, la mitad de la gente del gobierno que es entrevistada ya no está más. Es gente que tenía un discurso y ahora está alejada totalmente de eso. Yo creo que el ejercicio del poder es complicado, es difícil, y no siempre se encuentra gente que esté a la altura.

AC. El Corazón de Jesús es una película que tuvo coproducción con otros países, como Alemania, pero igual enfrentó mucha dificultad para exhibirse en el exterior. ¿Cuál puede ser la fórmula para que las películas bolivianas se vean afuera y qué hacer con el tema del mercado interno, que es muy reducido y no permite al cineasta recuperar su inversión en taquilla?

ML. Falta una política audiovisual nacional, una sola política que no cambie por más que cambie el gobierno. Aquí no hay eso, no hay una política; si bien hay una ley, esta nunca se ha cumplido a cabalidad. Nunca ha tenido los mecanismos reales, nunca se la ha actualizado y modernizado. En Argentina, por ejemplo, yo calculo que se tiene mínimamente unos 70 millones de presupuesto para su política audiovisual, en Colombia un poco menos pero con mucha eficacia; Brasil tiene una situación más complicada, pero tiene mucho más dinero también, es un país más grande. Casi todos los países tienen una política audiovisual, buena o mala, aquí hay una ley que no se cumple, las autoridades y la sociedad en general no ven como parte de la cultura el derecho a tener una película. Los únicos países que no tienen una política de fomento y de subvención al cine son los Estados Unidos y la India. Pero si bien no subsidian su cine, lo protegen, tienen una política proteccionista muy grande. Otra cosa es que debemos ser realistas y ver el tamaño del mercado mundial. Estados Unidos produce más o menos entre el 25 y el 30% de la producción mundial, sin embargo distribuye entre el 65 y el 70%. Los 30% que quedan tenemos que repartir entre cinematografías más o menos grandes, como la alemana, española, francesa, argentina, hindú, egipcia, iraní. Y después las filmografías medianas, como Uruguay, Chile, Colombia, Indonesia, Corea del Sur, Japón, China. Y de ahí queda prácticamente nada para los más pequeños. Es muy difícil competir así. Cuando una película latinoamericana va a un festival, detrás de esa película está todo el aparato del Estado para apoyarla. El embajador considera que si una película nacional gana el premio, es algo que beneficiará todo el país. Pero además el instituto de cine de ese país le da los medios para que pueda mover esa película. Aquí es al revés. Las embajadas quieren que el beneficio sea para ellas, quieren que les des entradas para su gente. Realmente es muy difícil. Yo creo que la única posibilidad de entrar al mercado es la calidad, con buenas películas. Pero la calidad supone también un sostenimiento. Si se hicieran en Bolivia 30 largometrajes estándar al año, seguramente aparecerían buenas películas y directores.

AC. Hablas de un estándar, refiriéndote a la calidad. Actualmente, sí se producen muchas películas en Bolivia, por la llegada del formato digital, aunque paradójicamente el público les está dando la espalda, tal vez por el exceso de oferta, no siempre muy buena. ¿Crees que el formato digital le ha hecho más bien o más daño al cine boliviano?

ML. Lo que pasa es que estamos en una etapa intermedia. Hay que decir las cosas claramente. No es que se hacen películas no muy buenas, sino que se hacen películas muy malas, pésimas, hay que decirlo. Y eso ahuyenta al público. La gente que ve una película muy mala, espantosa, no quiere ver más cine boliviano. Y otra cosa es que hay una tradición. Como en todas las artes, hay una acumulación social del conocimiento. Las mejores escuelas de fotografía del mundo estaban en Italia, en (la antigua) Checoslovaquia. Hay una tradición narrativa, dramatúrgica, de guiones. Aquí no hay, cada uno empieza a inventarse su propio discurso. Más allá del presupuesto, es muy fácil filmar ahora, yo siento que muchas veces filman guiones que ni siquiera se han terminado de escribir. Hay una inmediatez muy grande. También creo que antes se hacían películas para que duraran 50 años, y ahora se las hace sabiendo que van a durar lo que dure su estreno. Además, está el rigor del oficio. Un director de fotografía que hace varias películas al año tendrá más herramientas que el que acaba de egresar de la universidad. Todo eso suma para que haya esa situación. Ahorita la película boliviana está destinada prácticamente al olvido. En todas partes del mundo, tú compras el periódico el lunes o el jueves, dependiendo del país, y aparecen las críticas de los estrenos. Aquí no hay, no sabes qué se estrena, cuándo se estrena, no existe crítica cinematográfica. Y lo único que el director escucha son los amigos, admiradores, tíos y primos que dicen “Qué buen esfuerzo”. Y si el periódico habla mal, el director se enoja, de paso. También existe la soberbia de muchos cineastas y actores, para los cuales lo único que sirve es su trabajo, y que son incapaces de ser autocríticos, algo importante en todo artista.

AC. Bolivia tiene un medio cinematográfico bastante reducido, en el cual prácticamente todos se conocen. Es un medio en que existen, sin embargo, muchas rencillas y rencores, y en que la gestión es complicada, ya sea en el Conacine o en la Cinemateca (de la cual fuiste director). Hace años que no se puede acordar una nueva Ley del Cine. Ante todo esto, ¿es posible hacer gestión en el cine boliviano, por qué es una tarea tan complicada?

ML. Hay varias cosas. Una que es una torta muy pequeña, y en vez de juntarnos todos y trabajar para agrandar la torta, peleamos por la tajada más grande. Segundo, que es un país pobre, entonces tú le planteas al ministro de Educación que quieres hacer una película y te responde: “Tengo que pagar a los maestros”. Es más importante dar de comer a los niños o hacer una carretera que hacer una película. Tú ves la Asamblea Nacional, las leyes que sacan son con mucha presión social o del Ejecutivo. No es una entidad que funcione normalmente, que pueda sacar una ley sobre el cine, sobre la ecología, sino que tiene que sacar una ley para que no caiga el gobierno, para aplacar la marcha o tranquilizar un departamento al pie del levantamiento. La urgencia no nos permite ver lo importante. Y otra cosa es que somos desempleados, de alguna manera; el tiempo en que no estás trabajando en tu arte, estás mirando al que trabaja. Si acaso uno estuviera haciendo su propia película, no tendríamos tiempo de pelearnos entre nosotros.

AC. Volviendo a Las Bellas Durmientes, ¿en qué crees que se diferencia de tus anteriores trabajos?

ML. Es una película en que por primera vez manejo deliberadamante códigos de un género. Parto de un género específico y empiezo a conversar con ese género, a hacerme un poco la burla y aplicarlo a Bolivia, pero no para realizar un thriller a la boliviana, sino más bien para dialogar. Eso es riesgoso y no sé cómo saldré de ese desafío, pero pienso que Las Bellas Durmientes es más graciosa que El Corazón de Jesús, por ejemplo. Esta era una película muy triste, en que, si bien la gente se reía, al final salía con un mal sabor en la garganta, en el corazón, básicamente porque se le obligaba a estar de lado del pícaro. Cuestión de Fe era una película más esperanzada, más alegre. Yo creo que Las Bellas Durmientes tiene lo negro de El Corazón de Jesús, pero tiene también la alegría de Cuestión de Fe. Creo que en general nosotros tenemos una tradición del plano secuencia, de repente el punto de inflexión lo consigue Zona Sur (de Juan Carlos Valdivia, 2009). Entonces esta película, si bien tiene planos secuencia, tiene un sentido más narrativo que pirotécnico de la puesta en escena. El Corazón de Jesús tenía una puesta muy austera, esta no es tan austera, tiene más elementos, hay más cortes, es una película que tiene más conciencia del diálogo. Tiene varias secuencias en que la construcción de la escena requiere buenos diálogos. En general, en Cuestión de Fe había más realismo; en Escrito en el Agua, eran demasiados buenos diálogos, ya estaban como listos. Ahora hay un cierto equilibrio. Además, espero que se vea un manejo de más experiencia.

Fotos: imágenes de la película Las Bellas Durmientes. 

Hernán Torres interpreta a una diva en rehabilitación en este montaje l Foto: Difusión

Prima Donna

Tendrá inicio este miércoles (4) en Buenos Aires Prima Donna, el más reciente espectáculo del cantante y actor Hernán Torres Castaños. El montaje (ver flyer) presenta a una diva que ha tocado fondo, y que se refugia en el alcohol para superar la pena, en una historia de excesos líricos y que muestra el ingreso de la artista a una granja de desintoxicación.

En la trama, el mundo del arte está consternado por los numerosos problemas y adicciones de la diva, que es internada contra su voluntad, luego de salir a escena en su última producción de La Bohème totalmente ebria. Esta acción, que generó controversia y escandalizó a los amantes de Puccini, le valió la internación forzada.

Castaño asegura que esta es una “historia cargada de humor y la emoción de los clásicos líricos”, que son interpretados por él en un espectáculo que considera como ‘imperdible’. Como dice el eslogan de promoción, se trata de una obra en que ópera, humor y doce pasos prometen llevar la diva a la rehabilitación.

El espectáculo, de 75 minutos de duración y cuya entrada tiene un valor de $50 (con descuento para compras anticipadas), será presentado todos los miércoles en Paseo La Plaza (Corrientes, 1660), a partir de las 20:45. Los teléfonos de contacto para reservas son el 2059-7444 y el 15-3052-9555; también es posible escribir al e-mail del actor.