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Santa Cruz recibe el Encuentro Internacional de Gestores Culturales

Encuentro Internacional de Gestores Culturales

Acerca del Amor en Tiempos de Carnaval se presenta entre las actividades paralelas l Foto: Fases

Del 25 al 28 de octubre, la ciudad de los anillos será sede de un encuentro de reflexión y diálogo entre los diferentes actores culturales del país y del continente. Conferencias, talleres y actividades artísticas hacen parte de la programación.

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El Festival Internacional de Teatro ya se vive en Santa Cruz

La Wagner

Las argentinas de La Wagner inauguraron la undécima versión del festival de teatro l Foto: Difusión

Está en marcha en Santa Cruz el XI Festival Internacional de Teatro. Durante once días, el público cruceño disfrutará de treinta montajes de nueve países. Las entradas se venden en el Museo de Arte Contemporáneo a un costo de Bs 80 para casi todas las obras.

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Santa Cruz vive la fiesta del teatro con su noveno festival

Hamlet de los Andes es uno de los 46 montajes en escena l Foto: La Razón

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La novena edición del Festival Internacional de Teatro Santa Cruz de la Sierra, realizada desde el jueves en la capital oriental de Bolivia, es una verdadera fiesta, con la presentación de 25 grupos nacionales y otros 19 internacionales, que se presentarán hasta el 28 de este mes en la ciudad y en diferentes localidades.

El festival de este año, que como en todas las ediciones es organizado por la Asociación Pro Arte y Cultura (APAC), tuvo inicio con Hamlet de los Andes, la más reciente propuesta del afamado Teatro de Los Andes, de esta vez bajo la dirección de Diego Aramburo. La clásica obra de William Shakespeare fue llevada a escena con las actuaciones de Gonzalo Callejas —que protagoniza el montaje—, Lucas Achirico y Alice Guimarães.

Aramburo, que además es el creador de Kíkinteatro (o Kiknteatr, como se lo denomina actualmente) se hace presente asimismo con otra obra escrita por Shakespeare. Romeo y Julieta de Aramburo, que es parte de una trilogía iniciada con Hamlet, cuenta la trágica historia de dos jóvenes amantes, interpretados por el mismo director y la actriz y bailarina Camila Rocha, recientemente vista en Medea Material, también del elenco cochabambino.

También de Bolivia se destacan espectáculos como Aparapita, de Mondacca Teatro, El Miedo, de El Masticadero, Usted, Una Cama y Mis Intenciones, de La Cueva y La Abuela Grillo, de Teatro Grito, entre otros. A su vez, Libélula Teatro se presentará con Y Colorín Colorado y Avelento y Flor en Sol Así, ambas para niños. Asimismo, grupos como Nosotros Dos, Proyecto Bufo y Salamandra Teatro subirán al escenario en la programación off del festival.

Desde el exterior, también llegan atractivas propuestas, con obras provenientes de Alemania, Argentina, Austria, Bélgica, Brasil, Chile, Cuba, Ecuador, España, Francia, México, Paraguay, Perú y Uruguay, además de una coproducción entre Bolivia y Estados Unidos. Elencos de renombre internacional como Teatro Arlequín, Malayerba y la Compañía Nacional de Teatro de México serán algunas de las agrupaciones presentes.

Además de las presentaciones en Santa Cruz de la Sierra, el público de otras ciudades del departamento tienen la oportunidad de disfrutar del festival de forma gratuita: Montero, San Juan, Samaipata, Comarapa, Vallegrande, Camiri, Roboré y San José de Chiquitos hacen parte de la programación. Este año, por primera vez se suman lugares fuera del territorio cruceño, ya que Villamontes y Tarija reciben elencos de varios países del mundo en una fiesta que promete ser inolvidable.

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Festival: obras de Bolivia, Argentina, España y Paraguay ponen el punto final

Alba Sarraute funde técnicas musicales y cabareteras en Mirando a Yukali l Foto: Difusión

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Finaliza hoy la octava edición del Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de la Sierra, con la presentación de seis espectáculos en la capital cruceña, uno en Pailón (Do, Re, Mi, Y Se Abrió El Telón) y otro en Camiri (Las Meninas del Gran Cam), que pondrán el punto final a once jornadas de fiesta en las tablas y en los espacios públicos que sirvieron de escenario para que artistas de las más diversas nacionalidades mostraran su arte.

Por la tarde, el Centro Cultural y Empresarial de la Cámara de Industria, Comercio, Servicios y Turismo (CAINCO) será sede de la puesta de obras del taller realizado en la institución. Al mismo tiempo, en el Centro Boliviano Americano, la compañía argentina Ulularia Teatro presentará un espectáculo dirigido a los niños, así como Alquimia Producciones, que propone su versión del clásico El Mago de Oz, en la sala del Eagles.

Ya por la noche, la española Alba Sarraute mostrará un espectáculo lleno de humor y circo, en el que dirige y además actúa. Más tarde, será el turno de la última obra extranjera en exhibirse en el festival: José Gaspar (La Soledad del Poder), unipersonal proveniente desde Paraguay y que narra un relato centrado en la vida del dictador Rodríguez de Francia.

Finalmente, dos obras nacionales harán parte también del cierre: La Llegada de los Guapos, espectáculo callejero que el Teatro Con Leche presentará en la Manzana Uno, a las 20:00; y El Cerco, de Carlos Cordero Caraffa, más conocido por su labor como analista político, pero con muchos textos teatrales en su haber, y que en esta oportunidad mostrará un montaje ambientado en un país latinoamericano, donde ocurre una sangrienta revuelta popular. La cita está fijada para las 20:00, en el Paraninfo Universitario.

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Programación l Domingo 17 

Obras del taller de teatro CAINCO
Escenario: Centro CAINCO (16:00)
Duración: 30 minutos
Público: todas las edades

En Burrito a la Escuela
Centro Boliviano Americano (16:00)
Grupo: Ulularia Teatro
País: Argentina
Dirección: Carlos Piñero
Texto: Carlos Piñero
Género: infantil
Duración: 50 minutos
Público: niños
Sinopsis: En una historia no siempre pasa lo que quiere que pase el que cuenta la historia. Esto lo saben muy bien las dos maestras rurales que relatan este cuento de un pastorcito, Luis, que vive con su abuelo en la montaña. Todos los días montado en su burro va a la escuela donde lo espera su maestra, sus compañeros y sobre todo, Loli, una amiga que lo tiene atontado a más no poder.

El Mago de Oz
Escenario: Casa de la Cultura (17:00)
Grupo: Alquimia Producciones
País: Bolivia (Santa Cruz de la Sierra)
Dirección: Diego Paesano
Texto: adaptación de Diego Paesano, sobre obra de L. Frank Baum
Género: infantil
Duración: 80 minutos
Público: todas las edades
Elenco: María Peredo, Carlos Cova, Gilberto Terceros, Eloy Manrique, Ivett Gamarra, Lorena Sugier, Diego Paesano, Vera Tabenero, Tatiana Graz, Paola Rodríguez, Waleska Ortega, Hugo Francisquini
Sinopsis: Dorothy es arrebatada por un tornado y llevada a un país de hadas y seres malignos. Un país de fantasías, mágico y maravilloso, donde anida un engaño fundamental. Para llegar a casa, Dorothy tiene que llegar hasta Ciudad Esmeralda, donde vive el Mago de Oz. En el camino se encuentra con el Espantapájaros, el Hombre de Hojalata y el León Cobarde; juntos inician una serie de apasionantes aventuras.

Mirando a Yukali
Escenario: AECID (19:00)
Grupo: Alba Sarraute y Compañía
País: España
Dirección: Alba Sarraute
Textos: Miguel Hernández, Alessandro Baricco, Bertolt Brecht y otros
Duración: 60 minutos
Público: jóvenes y adultos
Elenco: Alba Sarraute
Sinopsis: El espectáculo femenino estimula el alma con humor y circo, ya que lleva a escena a una payasa que funde técnicas musicales y cabareteras para articular textos de Miguel Hernández, Alessandro Baricco, Bernard-Marie Koltès y Bertolt Brecht, entre otros.

La Llegada de los Guapos
Escenario: Manzana Uno (20:00)
Grupo: Teatro con Leche
País: Bolivia (Santa Cruz de la Sierra)
Dirección: Teatro con Leche
Texto: creación colectiva a partir de una idea de Andrés Escobar
Género: acción / intervención musical
Duración: 40 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Mariana Bredow, Javiera Vargas, Ariel Muñoz, Jaime Escobar, Susy Arduz, Andrés Escobar
Sinopsis: Esto es un juego serio, un juego de decisiones. Un científico estrafalario invita a todo el público a unirse y encender la máquina del tiempo. La máquina funciona, pero algo está un poco fuera de ritmo. Viajeros del futuro más lejano llegan al presente. Se hacen llamar Los Guapos y tienen un proyecto en mente.

El Cerco
Escenario: Paraninfo Universitario (20:00)
País: Bolivia (La Paz)
Dirección: Carlos Cordero
Texto: Carlos Cordero
Género: político
Duración: 75 minutos
Público: jóvenes y adultos
Elenco: Agar Delos, Raúl ‘Pitín’ Gómez, Agustín ‘Cacho’ Mendieta
Sinopsis: En un país latinoamericano, una revuelta popular ha dejado un lamentable saldo de muertos y heridos, provocando la renuncia del Presidente de la República y una profunda crisis política e institucional. La violencia en las calles lleva a María Luisa a refugiarse en un departamento, donde se enfrentará a un gran dilema.

José Gaspar (La Soledad del Poder)
Escenario: Centro Boliviano Americano (21:00)
Grupo: Arte Total
País: Paraguay
Dirección: Gustavo Ilutovich
Texto: Hernán Jaeggi
Género: unipersonal
Duración: 50 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Jorge Ramos
Sinopsis: José Gaspar Rodríguez de Francia, un controvertido protagonista de la historia paraguaya, protagoniza esta historia llena de desmesura, excesos y a veces más cerca de la fábula que de la propia realidad. Ésta es la reflexión sobre un hombre que puede ser cualquier hombre, de cualquier época y lugar, con una ambición desmedida de poder.

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Festival: cinco espectáculos animan la penúltima jornada de la fiesta teatral

Teatro Fuego se presenta con obra escrita por Arístides Vargas l Foto: Difusión

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El segundo y último fin de semana del Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de la Sierra llega con cinco espectáculos programados para este sábado, dos de ellos bolivianos (Fuera de Sí y La Edad de la Ciruela) y otros tres provenientes de países como España, Venezuela y Paraguay.

Fuera de Sí es una colaboración entre las compañías Teatro La Cueva, de Sucre, y Teatro Grito, de La Paz. Según el actor Bernardo Arancibia (Grito), la idea de realizar el montaje comenzó a tomar forma a partir de su acercamiento con Enrique Gorena (La Cueva), autor del espectáculo. Éste complementa que el plan de inaugurar con una obra callejera el Festival Nacional de Teatro Potosí Sobre Tablas, el año pasado, originó la oportunidad para el encuentro entre los dos grupos.

El espectáculo, que presenta a seres espirituales y omnipresentes que llegan al mundo con la misión de elegir a una persona de cada país para que se salve de la hecatombe que acabará con el planeta, “surge como una necesidad compartida de los grupos Teatro La Cueva y Teatro Grito de investigar sobre las técnicas de la narración a partir de un espectáculo callejero”, indica Gorena.

Por su parte, La Edad de la Ciruela es una obra llevada a escena por el Teatro Fuego, con un texto del argentino-ecuatoriano Arístides Vargas y bajo la dirección de Antonio ‘Toto’ Torres Vásquez. La puesta muestra a dos hermanas que retoman contacto después de mucho tiempo, a través de cartas, debido a la inminente muerte de su madre, lo que destapa muchos recuerdos y reaviva heridas que, sin embargo, deberán sanarse.

Aunque la puesta es considerada cómica, Torres señala que hay varios momentos dramáticos, pero que la sensación que queda en el público al final es alegre. “En este caso yo siento que decir que la obra es una comedia es como decir que una familia es un grupo de personas con cierta relación de similitud genética, esto no deja de ser cierto pero todos sabemos que una familia es mucho más”, compara.

Con relación a los espectáculos internacionales, una de las propuestas más interesantes del fin de semana llega desde Paraguay. José Gaspar (La Soledad del Poder) es un unipersonal dirigido por Gustavo Ilutovich e interpretado por Jorge Ramos, ambos de vasta trayectoria en el mundo teatral y que con este montaje han recorrido un impresionante itinerario por países como Argentina, Brasil, India, Portugal y España, entre otros.

El monólogo está centrado en la controvertida figura del dictador José Gaspar Rodríguez de Francia, que gobernó Paraguay durante 26 años. Pese al tema, Ilutovich asegura que la puesta no es maniqueísta, revelando que tanto defensores como enemigos del personaje histórico ovacionan la presentación al final de cada función. “No es otra cosa que lo que ocurre en la vida, donde estos personajes son idolatrados y admirados por unos y odiados y vituperados por otros, dependiendo del cristal con que se mira”, concluye.

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Enrique Gorena
Autor y actor l Teatro La Cueva – Fuera de Sí
“Ambos grupos han aportado con sus visiones”

ALDEA CULTURAL (AC). ¿Qué nos puedes contar acerca de Fuera de Sí?
ENRIQUE GORENA (EG). Fuera de Sí surge como una necesidad compartida de los grupos Teatro La Cueva y Teatro Grito de investigar sobre las técnicas de la narración a partir de un espectáculo callejero. Es sabido que la atención dispersa de un público de calle no es la misma que de un público de sala, por lo mismo un espectáculo callejero necesitará una propuesta visual más fuerte que la propuesta textual. A pesar de que esta obra contiene una propuesta visual sólida, gran parte de este trabajo lo sostiene la dramaturgia, obteniéndose un producto que reta al público de la calle asumir su rol de espectador consciente que viajará por todas las escenas de la obra a partir de la entrega total de sus sentidos. Muchas veces el tratamiento histórico en el teatro boliviano ha sido relegado a propuestas clásicas donde el lenguaje y la estética marcan un distanciamiento con el público receptor ávido de estímulos más dinámicos y sobre todo llevaderos (jóvenes especialmente). Este espectáculo tiene las intenciones de trabajar la parte educativa tanto como la parte de entretenimiento. La propuesta estética de este proyecto equilibra estos aspectos: discurso y forma.

AC. Teatro Grito y Teatro La Cueva son dos de los más importantes grupos del país. ¿Cómo surgió la idea de hacer una colaboración y cómo fue el proceso de montaje de la obra?
EG. Mi grupo organizó el 2010 el Festival Nacional de Teatro Potosí Sobre Tablas. Entonces quisimos abrir el festival con un espectáculo de calle, con esta motivación propusimos trabajar en este montaje a los compañeros del grupo de Teatro Grito, sabiendo que ellos tienen gran experiencia en esta área. Entonces se comenzó con un proceso de laboratorio en el que se discutió propuestas sobre la temática de la futura obra. En ese consenso definimos las competencias de todos los integrantes del elenco. Darío Torres en la dirección, Carmencita Guillén como codirectora, Bernardo Arancibia en los arreglos musicales y mi persona en la dramaturgia. La colaboración en el proceso de montaje creo que se ha caracterizado por la energía con que ambos grupos han aportado con sus visiones y sus perspectivas, de las cuales uno a veces se aísla al trabajar en la tradición grupal a la cual pertenecemos. El resultado para nosotros ha sido altamente satisfactorio y se pretende confirmar con nuestra participación en Santa Cruz.

Bernardo Arancibia
Actor l Teatro Grito – Fuera de Sí
“Se ve la identidad de ambos grupos y algo más”

ALDEA CULTURAL. ¿Cómo nació la idea de hacer una colaboración entre el Teatro Grito y el Teatro La Cueva y cómo ha sido el proceso de montaje de la obra?
BERNARDO ARANCIBIA. Yo tuve un mayor acercamiento con Darío Torres y Kike Gorena en el Festival de La Habana (Cuba) cuando ellos fueron con su obra Alasestatuas y yo junto a Eduardo Calla con Smell: yo no soy ese tipo de gente. A eso se sumó el hecho de que Kike ha empezado a radicar en La Paz y Darío estuvo un buen tiempo también en esta ciudad. Entonces las condiciones se dieron, ellos querían nutrirse de nuestra experiencia en teatro callejero y nosotros en su muy interesante dramaturgia. Fuera de Sí es eso, un espectáculo que fusiona una obra de texto pero pensada para espacios alternativos y callejeros. Es la suma de nuestras potencialidades y en ese sentido se ve la identidad de ambos grupos pero también un ‘algo’ más que no hubiéramos logrado cada grupo por su lado. Por eso creo que prácticamente en su estreno logró ganar el Primer Premio en el IV Concurso Raúl Salmón de la Barra el año pasado. El proceso de montaje fue más complicado al inicio hasta lograr entendernos en nuestras dinámicas propias, lenguajes y objetivos tanto individuales como grupales. Sin embargo siempre fue enriquecedor y novedoso, además de un reto interesante. En estos días que estamos ensayando para ir a Santa Cruz se ve que hemos avanzado mucho y ya no nos toma tanto tiempo llegar a puntos que están haciendo crecer la obra aún más y que nos dejan más contentos como artistas y compañeros de trabajo.

Toto Torres
Director l La Edad de la Ciruela
“La obra está teñida de realismo mágico”

ALDEA CULTURAL (AC). ¿Qué encontrará el público que vaya a ver La Edad de la Ciruela?
ANTONIO TORRES (AT). El público que vaya a la obra encontrará la historia de una familia, conformada por tres generaciones de mujeres latinoamericanas, creo que esto permite que todos aquellos que hemos vivido en algún momento de nuestra vida rodeados de nuestras abuelas y tías encontremos en la obra un aire familiar, un recuerdo de nuestras propias vidas. Cualquier obra de teatro termina de escribirse en la mente del espectador y esta obra terminará de escribirse con los recuerdos y anécdotas que el público lleva consigo, con la memoria de su infancia. La sinopsis de la obra es sencilla: dos hermanas que hace mucho tiempo no se ven retoman contacto, por correspondencia, a raíz de la cercana muerte de su madre, a partir de estas cartas van recordando a todas las mujeres que habitaron la casa de su infancia (todas interpretadas todas por solo tres actrices). Estos recuerdos están llenos de humor, y conflictos que se van solucionando en el presente desde el pasado. Toda la obra está teñida un realismo mágico que detiene el tiempo y lo multiplica.

AC. La obra trabaja un tema que evoca la nostalgia, los rencores guardados, el drama. Sin embargo, está llena de humor también. ¿Cómo defines el espectáculo, como un drama o una comedia?
AT. Yo diría que es un espectáculo con momentos cómicos y momentos dramáticos, el sabor que queda después de la obra es en general alegre; pero esto no quita que haya momentos bastante nostálgicos como tú mismo dices. Pienso que las clasificaciones en drama, comedia y tragedia cada vez resultan más obsoletas, porque cada vez hay más obras que no están plenamente en ninguna de estas. Y aunque entiendo la necesidad de categorizar las obras, resulta peligroso tratar de con una sola palabra situar el trabajo de un equipo de artistas en un lugar o en otro; hay veces que esto es posible, pero en este caso yo siento que decir que la obra es una comedia, es como decir que una familia es un grupo de personas con cierta relación de similitud genética, esto no deja de ser cierto pero todos sabemos que una familia es mucho más. Tal vez es una de las razones por la cual resulta difícil clasificar dentro de un género a la obra, es porque trata precisamente de una familia.

Gustavo Ilutovich
Director l José Gaspar (La Soledad del Poder)
“Francistas y antifrancistas aplauden de pie al final”

ALDEA CULTURAL (AC). ¿Qué nos puedes adelantar acerca de la obra José Gaspar (La Soledad del Poder), que podrá ser vista en el Festival de Teatro?
GUSTAVO ILUTOVICH (GI). Se dice en el teatro paraguayo que hay un antes y un después de la puesta en escena y estreno mundial de la obra cumbre de Augusto Roa Bastos, Yo, El Supremo. El montaje estuvo a cargo del Centro de Investigación y Difusión teatral, dirigido magistralmente por Agustín Núñez, con visualización del connotado artista plástico Ricardo Migliorisi, en una versión de Gloria Muñoz. La elaboración de la obra duró más de seis meses. Allí, en medio del ‘pesadillesco’ ambiente roabastiano, nos fuimos adentrando en la vida de José Gaspar Rodríguez de Francia, Supremo Dictador Perpetuo, que inspirara la novela que le valió el máximo lauro de las letras hispanas a don Augusto, el Premio Cervantes. Para ello fueron convocados historiadores que nos dieron antagónicos conceptos sobre el tirano-prócer, o asesino sanguinario-Padre de la Patria, o del canalla-héroe. Desfilaron literatos, entre ellos el propio autor, recién llegado del exilio, para acercarnos los detalles y valores del libro; sociólogos y sicólogos que analizaron los aspectos mentales y sicológicos de los dictadores (a pesar de que teníamos vivencias muy numerosas y cercanas en tiempo y distancia). El planteo de la dirección fue el de representar simultáneamente al Dictador, por dos actores, como las dos caras de una misma moneda. El éxito e interés despertados en un país con poca tradición teatral fueron increíbles: 110 funciones en el Teatro Municipal a sala llena, donde invariablemente el público aclamaba de pie el espectáculo de tres horas de duración. Jorge Ramos fue uno de los protagonistas. El Supremo joven fue como una impronta en la frente del actor a quien la gente recordaba como ‘el Dr. Francia’ en lugar de por su nombre. Cuando me comentó que le había pedido a Hernán Jaeggi que le escribiera sobre el tema, un unipersonal para él, me pareció una mala idea. ¿Cómo podría despegarse de la monumental obra? o más aún, evitar las comparaciones? Dos prestigiosos directores a quienes Ramos convocó rechazaron de plano la propuesta. He aquí que entonces fui casi conminado por mi amigo para la puesta en escena. Yo venía de dirigirlo en el espectáculo de Mario Diament, que nos llevó al VII Festival de Teatro Hispano en Washington, Crónica de un Secuestro. Conocía perfectamente a Jorge Ramos como espectador, como compañero de escena y como director, de modo que tenía muy claro el aspecto trabajo. José Gaspar (La Soledad del Poder) fue una suerte de ópera prima para mí, por ser el primer unipersonal y por decidir todos los aspectos de la puesta, crearlos y además el desarrollo de un personaje diferente de todos los ya elaborados por Ramos. Si bien he expresado mi concepto sobre el Dictador, la obra ni la puesta son maniqueístas. Francia es un personaje que despierta las pasiones más encontradas. Pero lo insólito es que francistas y antifrancistas aplauden de pie al final de la representación, convencidos de que coincide con su óptica. Y no es otra cosa que lo que ocurre en la vida, donde estos personajes son idolatrados y admirados por unos y odiados y vituperados por otros, dependiendo del cristal con que se mira.

AC. ¿Qué expectativas tienes para las presentaciones y la estadía en Bolivia, puesto que no es tan común el intercambio cultural entre los dos países?
GI. En cuanto a la presentación en Santa Cruz, es una experiencia que aguardamos con mucha expectativa. La obra ha sido presentada en todo el Paraguay, en los ambientes más diversos formales e informales, lo cual es mérito de Jorge, a quien se le ocurrió llevar la pieza incluso a pubs y restaurantes. A nivel internacional tiene un rodaje enorme tanto en festivales como Festibero, de São Paulo, y de Dourados, en Brasil, Festival de Unipersonales en Montevideo, Internacional de Crespo, Entre Ríos y Formosa (Argentina) y el de Tarija en Bolivia. Además fue puesta a consideración del público de India (Delhi y Calcuta), París, Madrid, Roma, Lisboa, varias ciudades de Estados Unidos y Ecuador. Por otra parte es para mí también una satisfacción estar presente de alguna manera en Bolivia, donde estuviera en mayo del 75, formando parte del elenco de Teatro Estudio de Buenos Aires, donde realizamos un trabajo memorable bajo los auspicios del Palacio Portales, dictando cursos y con presentaciones en el Teatro Achá. Una nueva ocasión para estrechar lazos culturales y de amistad con la cultura boliviana.

Programación l Sábado 16 

La Edad de la Ciruela
Escenario: Paraninfo Universitario (16:30)
Grupo: Teatro Fuego
País: Bolivia (La Paz)
Dirección: Antonio Torres
Texto: Arístides Vargas
Género: comedia
Duración: 75 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Cynthia Díaz, Karol Fernández Godoy, Cristina Wayar Soux
Sinopsis: A raíz de la cercanía de la muerte de su madre, Eliana y Celina, a través de cartas, recuerdan a todas las mujeres que vivieron en la casa durante su infancia. Estos recuerdos cuentan la historia de una familia de tres generaciones de mujeres.

Fuera de Sí
Escenario: Museo de Historia (18:00)
Grupos: Teatro La Cueva y Teatro Grito
País: Bolivia (Sucre y La Paz)
Dirección: Darío Torres y Carmencita Guillén
Texto: Enrique Gorena
Género: teatro de calle
Duración: 60 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Mariel Camacho, Enrique Gorena, Darío Torres, Carmencita Guillén, Bernardo Arancibia
Sinopsis: En tiempos en que cualquier día puede ser el último de la humanidad, ‘el maestro’ se ha tomado la responsabilidad de mandar por el mundo a sus vasallos, seres espirituales y omnipresentes que tendrán la difícil tarea de elegir a una persona de cada país para que se salve de la gran hecatombe.

José Gaspar (La Soledad del Poder)
Escenario: Centro Boliviano Americano (19:00)
Grupo: Arte Total
Dirección: Gustavo Ilutovich
Texto: Hernán Jaeggi
País: Paraguay
Género: unipersonal
Duración: 50 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Jorge Ramos
Sinopsis: José Gaspar Rodríguez de Francia, un controvertido protagonista de la historia paraguaya, protagoniza esta historia llena de desmesura, excesos y a veces más cerca de la fábula que de la propia realidad. Ésta es la reflexión sobre un hombre que puede ser cualquier hombre, de cualquier época y lugar, con una ambición desmedida de poder.

Mirando a Yukali
Escenario: AECID (20:00)
Grupo: Alba Sarraute y Compañía
País: España
Dirección: Alba Sarraute
Textos: Miguel Hernández, Alessandro Baricco, Bertolt Brecht y otros
Duración: 60 minutos
Público: jóvenes y adultos
Elenco: Alba Sarraute
Sinopsis: El espectáculo femenino estimula el alma con humor y circo, ya que lleva a escena a una payasa que funde técnicas musicales y cabareteras para articular textos de Miguel Hernández, Alessandro Baricco, Bernard-Marie Koltès y Bertolt Brecht, entre otros.

Lírica
Escenario: Casa Municipal de la Cultura (20:00 y 22:00)
Grupo: Textoteatro / Teatro San Martín de Caracas
País: Venezuela
Dirección: Luis Domingo Gonzales
Texto: Gustavo Ott
Duración: 75 minutos
Elenco: María Brito
Sinopsis: La obra está basada en un hecho real ocurrido en la zona de San Martín (que rodea el Teatro San Martín de Caracas) y que aborda la relación del tema de la venganza y el odio con la poesía.

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Festival: menú incluye reflexión sobre la mujer y un unipersonal de Mondacca

Los brasileños de la Virtual Cía interpretan Diálogos Sobre Nijinsky l Foto: Marcelo Zamora

Dos obras nacionales se suman a la programación del octavo Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de la Sierra, que ingresa a sus tres últimas jornadas, con la presentación de Silencios (Palabras que Duelen), de la compañía cruceña El Baúl Teatro, y Eureka, unipersonal del reconocido actor paceño de las tablas y del cine David Mondacca.

Silencios (Palabras que Duelen), que ha sido totalmente financiada —investigación, montaje y producción— por la Agencia Española de Cooperación Para el Desarrollo (AECID), partió de encuentros realizados por el grupo con mujeres de diversas procedencias y realidades. Según Christian Castillo-Luna, director de la puesta, el objetivo era descubrir cómo ellas se ven a sí mismas y a las demás, en una sociedad que no las reconoce a cabalidad y que ha construido una imagen del sexo femenino que parece no ser la correcta.

El director asegura que el espectáculo no busca dar respuestas, sino plantear preguntas y generar reflexión sobre los distintos tipos de violencia que viven las mujeres cruceñas, bolivianas y latinoamericanas, abordando temas como el maltrato, la discriminación y la explotación económica, entre otros. “Buscamos la reflexión en conjunto sobre una problemática que atañe a todos a través del hecho escénico”, afirma.

Con otro tipo de propuesta llega David Mondacca, de La Paz, que presentará en una única función su unipersonal Eureka, en el cual relata la historia de Guido Cavalcanti, víctima del tirano Alejandro de Médicis, y que se encuentra prisionero en una estrecha celda, en la cual juega con su pasado; mientras tanto, la locura ronda y los republicanos no asaltan la fortaleza.

Mondacca revela que las mejores críticas que ha tenido en su carrera fueron con Eureka, que en 2009 fue presentada para cerca de 3.000 espectadores en la ciudad chilena de Antofagasta. En entrevista para el diario cruceño La Estrella del Oriente, el responsable del monólogo reconoce que tiene la ayuda de un gran equipo, pero considera que para interpretar un espectáculo de esta naturaleza se debe tener experiencia. “Esta representación escénica es ejercicio para un solo actor, sin embargo aconsejo que para ser un diálogo unipersonal el artista debe tener quince años de experiencia como mínimo”, recomienda.

A su vez, las provincias cruceñas seguirán disfrutando también de la fiesta teatral, pues aún hay funciones programadas en La Guardia, Pailón, San Javier, Concepción y Camiri, con grupos de Argentina, Brasil y Bolivia. Entre los montajes presentados por el departamento, uno de los más exitosos fue Siempre Libres, de Ditirambo. Antonio Miranda, integrante de la compañía que estuvo de paso por Samaipata y Vallegrande, conversó con ALDEA CULTURAL sobre su espectáculo, así como Castillo-Luna, que habló sobre Silencios.

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Christian Castillo-Luna
Director l Silencios
“Quisimos hacer una radiografía de la mujer”

ALDEA CULTURAL. ¿Cómo surgió la idea original y en qué se basaron para elaborar el texto?
CHRISTIAN CASTILLO-LUNA. Silencios (Palabras que Duelen) es el resultado de un laboratorio teatral que se inició con encuentros, talleres y entrevistas a mujeres de Santa Cruz. Quisimos hacer una radiografía de la mujer en Santa Cruz y por extensión en Bolivia, pues la problemática y la realidad son las mismas: maltrato, explotación económica, discriminación, cosificación, masculinización, etc., pero no con la idea de encontrar respuestas, sino de hacer las preguntas correctamente; buscamos la reflexión en conjunto sobre una problemática que atañe a todos a través del hecho escénico.

Antonio Miranda
Actor l Siempre Libres
“La obra afianza el espíritu del cruceño”

ALDEA CULTURAL (AC). Háblanos del montaje de Siempre Libres, presentada en las provincias en este festival.
ANTONIO MIRANDA (AM). Es un montaje bastante complicado, empezando por la escenografía, puesto que se tuvo que recrear de cierto modo las construcciones de esa temporada pero con un toque de surrealismo. Porque si bien la estructura era parecida a lo antiguo, el color era totalmente blanco, y con la ayuda de las luces se le daba un toque mágico. Además del vestuario, que jugó un papel importante como también la música. Personalmente para mí resultó un desafío para la música, ya que el director me encomendó hacer la música para cada uno de los momentos cantados. Tuve que escuchar mucha música camba, entre taquiraris, chovenas y carnavalitos para poder hacer algo parecido, pero siempre y cuando no quedándonos en lo tradicional, sino dándole un toque más actual y moderno. De eso se encargaría Marvin (arreglista musical), que fue el que le puso el toque a cada una de las melodías que creé.

AC. La obra ha sido realizada para celebrar el Bicentenario del Grito Libertario. ¿Es uno de los proyectos más interesantes en los que participaste? ¿Cómo es esa sensación de recrear nuestra historia?
AM. Se puede decir que sí (enfático), es uno de los proyectos más importantes, puesto que se trata de tu historia. En Ditirambo, además de ser actor, soy músico y diseñador de arte, y fue un desafío que me lo tomé con mucha responsabilidad. Por otro lado el que me haya encomendado (el director) el papel de Cañoto fue como poner sobre mis hombros parte de la obra. Tengo que reconocer en un comienzo que me daba miedo, puesto que para todos, al escuchar hablar de historia, piensas que es algo aburrido y que no tendrá tanta atención del público, pero de la manera como lo planteó el director Ditirambo demostró que la historia puede ser entretenida, además de afianzar el espíritu de las personas, en este caso el espíritu del cruceño. Era genial ver salir a las personas del teatro con un rostro satisfecho y contentas por ser cruceñas.

Programación l Viernes 15 

Calidoscopio
Escenario: Teatro Eagles (11:00 y 20:00)
Grupo: Kukla Títeres
País: Argentina
Dirección: Antoaneta Madjarova
Creación visual: Marina Sabaté, Rocío Campos, Marcela Vázquez, Roxana Echagüe
Género: infantil
Duración: 55 minutos
Público: todas las edades
Intérpretes titiriteros: María José Troncoso (o Karina Gozzi), Diego Acosta, María José Barbagelata (o Lorena de la Fuente), Viviana Rodríguez
Sinopsis: Un pequeño niño comienza a conocer, experimentar y enfrentar el mundo. Recorre, aprende, descubre; atravesando lugares desconocidos y fascinantes. En ese camino, encontrará a una compañera ideal: una hermosa niña, pequeña y frágil. Juntos, ya no estarán solos en un mundo tan grande.

Silencios (Palabras que Duelen)
Escenario: Casateatro (15:00)
Grupo: El Baúl Teatro
País: Bolivia (Santa Cruz de la Sierra)
Dirección: Christian Castillo-Luna
Texto: Christian Castillo Luna y Mary Carmen Monje
Género: contemporáneo
Duración: 55 minutos
Público: jóvenes y adultos
Auspiciada por la Agencia Española de Cooperación Internacional Para el Desarrollo (AECID)
Elenco: Mary Carmen Monje, Judith Galdamez, Mariana Bredow, Berenice de la Cruz
Sinopsis: ¿Qué es ser mujer? El cotidiano de cuatro mujeres, que tal vez no piensan en la pregunta, pero que sin embargo tratan de responderla, desde su oficio, desde su experiencia, desde su dolor, desde la vida que les ha tocado vivir. ¿Qué es ser mujer? ¿Vale la pena preguntárselo? ¿Vale la pena encontrar la respuesta? Los personajes tratan de mirarse ellas mismas, anulando la mirada de la sociedad, la mirada de los otros, que las ha convertido en clichés, en objetos, en estadísticas.

Plastic Gardens
Escenario: Casa Municipal de Cultura (18:30)
Grupo: Koreja
País: Italia
Dirección: Salvatore Tramacere
Duración: 60 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Giovanni De Monte, Alessandra Crocco, Antonella Iallorenzi
Sinopsis: El espectáculo, lleno de escenas de gran impacto visual, presenta a varios mundos, cada uno de ellos con sus propias maravillas, donde puedes encontrar a alienígenas, hadas, ángeles, donde hay un espacio para memorias, sueños y sentimientos.

Las Criadas
Escenario: Centro Cultural Franco Alemán (19:30)
Grupo: Teatro Equiz
Países: Colombia y Francia
Dirección: Jaime Torres
Texto: Jean Genet
Adaptación: Uriel Vásquez Agudelo
Género: drama
Duración: 60 minutos
Público: jóvenes y adultos
Auspiciada por la Alianza Francesa de Armenia – Quindío
Elenco: Solange Ramón
Sinopsis: El drama, la farsa y la tragedia enmarcados dentro de un contexto estético gótico, mutando sus personajes a un ‘no’ tiempo y conduciendo al espectador por tres tópicos teatrales que hacen parte de una sola historia, sin perder la mirada de su autor: los personajes de la obra se desenvuelven en una espera entre el ‘tiempo eterno de Dios’ y la temporalidad del hombre, de la muerte y la vida; casi siempre a la espera de lo que no ocurrirá.

Diálogos Sobre Nijinsky
Escenario: Aecid (20:00)
Grupo: Virtual Companhia de Dança
País: Brasil
Dirección: Marcelo Zamora
Público: mayores de 12 años
Bailarines: Mariane Cerillo, Rodrigo Castelo Branco
Sinopsis: Un montaje que une danza moderna, la vida y la obra de uno de los más insensatos coreógrafos, el ruso Vaslav Nijinsky. Pero un Nijinsky menos conocido, no sólo el que está en los libros, y sí el que habita en el imaginario de las personas.

La Muerte del Fauno
Escenario: Auditorio Marcelo Quiroga Santa Cruz, UAGRM (20:30)
País: Bolivia (Santa Cruz de la Sierra)
Dirección: Carlos Cova
Grupo: Teatro A Lu-k
Género: teatro de calle
Duración: 40 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Mauricio Nogales, Nirka Pedraza, Jocelyn Herrera, Ruddy Martínez, Robert Prado, Pablo Vaca, Lena Boellinger, Freddy Pérez, Luis Alberto Cámara, Gustavo Cuartas, Laura Arteaga, Carlos Cova
Sinopsis: En una ciudad en el futuro, pero no distinta a la nuestra, la fauna está a punto de desaparecer. Un cazador exterminó a todos los animales. Sólo queda una pequeña parte de un bosque donde habitaban seres mágicos que también fueron eliminados; el último de ellos, un fauno, fue atrapado y puede desaparecer.

King Kong Palace
Escenario: Museo de Historia (21:00)
Grupo: Sr. Barbijo
País: Argentina
Dirección: Diego Aramburo
Texto: Marco Antonio de la Parra
Duración: 90 minutos
Público: adultos
Elenco: Belén Castillo Garnica, Natacha Chauderlot, Eugenia Hadandoniou, Pablo Martella, Marcos Polzoni, Maximiliano Rabbia, Luciana Sgró Ruata
Sinopsis: El fin de los ideales… Detrás del discurrir de cada historia de poder hay sin duda mucho que ocultar y hay mucho que es tan sólo máscara y apariencia. El problema surge cuando la apariencia es más que lo que se domina. El problema continúa cuando ya ni las apariencias pueden sostenerse. El problema se agrava, al punto de ser crítico, cuando al caer hasta las apariencias se pone en cuestión la ilusión.

Eureka
Escenario: Paraninfo Universitario (22:00)
Grupo: Mondacca Teatro
País: Bolivia (La Paz)
Dirección: David Mondacca
Texto: Andrés Balla
Género: unipersonal
Duración: 50 minutos
Público: adulto
Elenco: David Mondacca
Sinopsis: Guido Cavalcanti, víctima del tirano Alejandro de Médicis, se encuentra prisionero. La locura ronda y los republicanos no asaltan la fortaleza. En su estrecha celda, Cavalcanti juega con su pasado.

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Festival: Light, Passport y King Kong Palace se destacan en la programación

Teatro Grito habla de la dificultad de ser hombre y de ser mujer l Foto: Wara Vargas

 

Con otras siete funciones, el Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de la Sierra comienza a entrar en su tramo final, dando espacio a grupos de Bolivia, Italia y Argentina, de los cuales se destacan las compañías nacionales Teatro Grito (que llega con Light) y El Baúl Teatro (Passport), además de los argentinos de Sr. Barbijo, que presentarán el espectáculo King Kong Palace, dirigido por el cochabambino Diego Aramburo.

Light es quizás el montaje de mayor trayectoria en festivales de la agrupación paceña Teatro Grito, y ha sufrido varias transformaciones a lo largo de los años, como cuenta el director de la puesta, Bernardo Arancibia. “La obra tuvo la dirección original de la autora, Denisse Arancibia, pero posteriormente asumí la dirección y, si bien fui muy respetuoso de la dirección original en la estructura, fue inevitable que tome un rumbo propio bajo otra mirada”, explica.

El espectáculo, interpretado por el propio Arancibia, al lado de Carmencita Guillén y Mariel Camacho, habla de cómo es difícil ser hombre y de lo nada fácil que es ser mujer. Los tres personajes tienen preocupaciones similares, en todos los casos relacionadas con la dificultad de verse bien —según los cánones impuestos por la moda y la sociedad— y de cómo actuar frente al sexo opuesto.

A su vez, Passport es un montaje llevado a cabo por la compañía cruceña El Baúl Teatro, con dirección de Mary Carmen Monje sobre un texto de Gustavo Ott. La obra muestra a un pasajero que, luego de haberse quedado dormido en el tren y habiéndose extraviado, se convierte en sospechoso en una tierra desconocida, aunque para él la situación es ridícula e inexplicable.

La directora de la obra opina que ésta aborda un asunto que tiene mucha relación con Bolivia y se pregunta cuánto uno comprende lo que dice el otro y cuánto lo entienden a uno. “Nos atrajo por un lado el tema de la migración, algo muy común en nuestro país, pero visto de una manera un poco absurda, casi kafkiana, y por otro lado el tema de la comunicación, o la incomunicación en este caso”, relata.

Finalmente, de Argentina llega el espectáculo King Kong Palace, de la compañía Sr. Barbijo, bajo la dirección del boliviano Diego Aramburo, conocido por su trabajo al frente del grupo nacional Kíkinteatro. La obra (ver video), escrita por el chileno Marco Antonio de la Parra, habla del fin de los ideales y del problema que surge cuando la apariencia es más que lo que se domina.

Según Pablo Martella, protagonista del montaje y premiado en Córdoba por su trabajo en la puesta, el grupo está muy feliz por presentar el espectáculo en el país. “Estamos muy contentos de participar en este festival y emocionados de que el público de Bolivia reciba y transite la obra con nosotros; que se disfrute el texto de Marco Antonio de la Parra (Chile) interpretado por el grupo Sr. Barbijo Presenta (Argentina) y bajo la dirección de Diego Aramburo (Boliva)”, afirma.

Más festival:
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Bernardo Arancibia
Director l Light
“La historia es cercana y la temática es universal”

ALDEA CULTURAL (AC). ¿Qué encontrará el público que vaya a ver Light?
BERNARDO ARANCIBIA (BA). Se va a encontrar con una comedia, una historia ligera (light) pero con un contenido muy divertido, crítico y de humor negro en realidad. El público se va a identificar de una u otra manera con alguno de los tres personajes que forman parte de la obra. Eso es inevitable, porque la historia es cercana, simple, y la temática es universal.

AC. La obra fue escrita hace ya algunos años y tiene un recorrido interesante por varios festivales. ¿Cómo ha madurado desde entonces, tanto en su texto como en la puesta en escena?
BA. Lo lindo del teatro es que la primera función o puesta en escena nunca se parece a las siguientes y mucho menos después de cinco años como es el caso de Light, que fue estrenada el 2006 para empezar con cuatro actores, de los cuales se eliminó por completo uno y otro fue reemplazado por la actriz Mariel Camacho. Del reparto original sólo quedan Carmencita Guillén y mi persona. La obra tuvo la dirección original de la autora, Denisse Arancibia, pero posteriormente asumí la dirección y, si bien fui muy respetuoso de la dirección original en la estructura, fue inevitable que tome un rumbo propio bajo otra mirada. Con las presentaciones en distintos escenarios y públicos (Chile, Colombia, Argentina, Perú, festivales, unidades educativas, laboratorios de teatro, etc.), la obra ha adquirido un poco de cada experiencia, se ha fortalecido lo que funciona con el público y se ha cambiado lo que no funcionaba ya sea en la historia como en la puesta en escena. Ha habido escenas que se han cambiado completamente y la escenografía ha sufrido la mayor cantidad de cambios porque al principio era mucha y muy pesada, lo cual nos trajo problemas a la hora de hacer giras fuera de La Paz y Bolivia. El grupo ha madurado con la obra y lo que se verá en Santa Cruz es el fruto de todo ese proceso de grupo y de actores.

Mary Carmen Monje
Directora l Passport
“Hablamos de la migración y la incomunicación”

ALDEA CULTURAL (AC). Cuéntame sobre la obra que diriges, Passport.
MARY MONJE (MM). Un pasajero que se queda dormido llega a una estación donde no entiende nada y nadie lo entiende… Suspenso, un viaje por el absurdo y la confusión, risas y muchas preguntas tal vez sin respuesta.

AC. ¿Por qué les atrajo el tema abordado en esta obra para montarla en Bolivia?
MM. Nos atrajo por un lado el tema de la migración, algo muy común en nuestro país, pero visto de una manera un poco absurda, casi kafkiana, y por otro lado el tema de la comunicación, o la incomunicación en este caso, cuánto entendemos de lo que nos dice el otro o cuánto nos entienden, cuando hablamos ¿realmente nos entendemos?, pregunta que nos hacemos cada día en este país.

Pablo Martella
Actor l King Kong Palace
“Estamos muy contentos de participar en el festival”

ALDEA CULTURAL (AC). ¿Qué nos puedes contar acerca de King Kong Palace, que será presentada en Santa Cruz?
PABLO MARTELLA (PM). El texto cuenta como Jane y Tarzán (ya envejecido, sin temple ni esperanza desde que perdiera a su hijo Boy) al ser derrocados y expulsados de África llegan al King Kong Palace Hotel, en busca de un nuevo puesto de poder que les otorgará el administrador del lugar. En el mismo hotel se encuentra el famoso Mago Mandrake, también caído en desgracia. Las camareras del hotel, cual brujas shakespeareanas anuncian a Tarzán su futuro y prevén la llegada al poder de Mandrake. Textos y canciones en un trabajo de interacción directa con el espectador a través de la mirada.

AC. ¿Cómo fue el proceso de montaje de la obra y qué expectativa tienes para las presentaciones en Bolivia?

PM. El proceso de la obra partió de la idea de un radioteatro, intentando focalizar la transmisión del texto al espectador. A medida que fuimos avanzando en los ensayos, Diego fue descartando los micrófonos, mesas, efectos de sonido en vivo, etc., para trabajar más y puramente con la idea de dejar caer las máscaras del actor, despojo y decadencia. La entrega de los actores al público. Estamos muy contentos de participar en este festival y emocionados de que el público de Bolivia reciba y transite la obra con nosotros. Que se disfrute el texto de Marco Antonio de la Parra (Chile) interpretado por el grupo Sr. Barbijo Presenta (Argentina) y bajo la dirección de Diego Aramburo (Boliva).

Programación l Jueves 14

Aracné
Escenario: Casateatro (15_00)
Grupo: Salamandra Teatro
País: Bolivia (Santa Cruz de la Sierra)
Dirección: Ricardo Guillén
Texto: Ricardo Guillén
Género: tragedia
Duración: 50 minutos
Público: jóvenes y adultos
Elenco: Mónica Fernández, Bárbara Loreto, Selma Baldiviezo, Judith Galdamez, Marioli Césoedes, Vanesa Méndez
Sinopsis: En la antigua Grecia, una mujer desafía a los dioses. Bendecida con una manos capaces de tejer cualquier tipo de hilo, de cualquier material, y de sacar los más preciosos tejidos y las más preciosas telas… se niega a seguir sometida al capricho de los dioses y a la envidia de los mortales. Ésta es la historia de Aracné. ¿Qué tan lejos puede llegar el ser humano?

El Corral de Bernarda
Escenario: Escuela Nacional de Teatro (16:30)
Grupos: Ditirambo – Zorongo
Países: Bolivia (Santa Cruz de la Sierra) – España
Dirección: Luis Jiménez
Texto: versión libre y de creación colectiva, basada en “La Casa de Bernarda Alba”, de Federico García Lorca, y “Pepe, el Romano”, de Ernesto Caballero
Género: tragicomedia (bufonada)
Duración: 70 minutos
Público: con criterio formado, mayores de 18 años
Elenco: Guillermo Sicodowska, Gerónimo Mamani, Roberto Kim, Mario Chávez, Carlos Cova, Marcelo Alcón, Pablo Antezana, Ariel Vargas, Porfirio Azogue
Sinopsis: Un grupo de marginados, procedentes de los barrios más desfavorecidos de una gran ciudad, ha oído hablar de la historia de Bernarda, Adela y Pepe, el Romano contada por un poeta. En las noches calurosas del trópico deciden, en una velada, contar la historia a su comunidad de vecinos.

Light
Escenario: Paraninfo Universitario (18:00)
Grupo: Teatro Grito
País: Bolivia (La Paz)
Dirección: Bernardo Arancibia
Texto: Denisse Arancibia
Género: comedia
Duración: 50 minutos
Público: mayores de 14 años
Elenco: Carmencita Guillén, Mariel Camacho, Bernardo Arancibia
Sinopsis: Definitivamente es muy difícil ser hombre y no es nada fácil ser mujer. Es difícil bailar bien como en la tele, verse bien como en las revistas, conseguir el esposo que tu madre dijo que consiguieras, ser un conquistador como en las películas, y por supuesto es difícil enamorarse. Light cuenta la historia de dos mujeres con preocupaciones como: qué vestido usar, qué comer para no engordar y cómo actuar frente e una atractivo hombre; a la vez relata la historia de un hombre con preocupaciones como: qué ropa usar, qué comer para no engordar y cómo actuar frente a una atractiva mujer. No se trata más que de un simple relato de lo difícil que es vivir lo cotidiano y lo poco fácil que es ser feliz como en la televisión.

Plastic Gardens
Escenario: Casa Municipal de Cultura (18:30)
Grupo: Koreja
País: Italia
Dirección: Salvatore Tramacere
Duración: 60 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Giovanni De Monte, Alessandra Crocco, Antonella Iallorenzi
Sinopsis: El espectáculo, lleno de escenas de gran impacto visual, presenta a varios mundos, cada uno de ellos con sus propias maravillas, donde puedes encontrar a alienígenas, hadas, ángeles, donde hay un espacio para memorias, sueños y sentimientos.

Passport
Escenario: Museo de Historia (19:30)
Grupo: El Baúl Teatro
País: Bolivia (Santa Cruz de la Sierra)
Dirección: Mary Carmen Monje
Texto: Gustavo Ott
Género: drama tragicómico
Duración: 60 minutos
Público: jóvenes y adultos
Elenco: Ariel Muñoz, Christian Castillo, Marcelo Sosa
Sinopsis: Un pasajero se ha quedado dormido en el tren. Ha perdido su estación y se ha extraviado. Llega en un lugar en el que, lastimosamente, hablan un idioma que desconoce. La comunicación entre él y los oficiales del lugar es dificultosa y penosa. Para los policías el extranjero es muy sospechoso; para él la situación es ridícula e inexplicable. La confusión y el miedo llevan la situación de lo extraño a lo extravagante.

King Kong Palace
Escenario: Aecid (20:00)
Grupo: Sr. Barbijo
País: Argentina
Dirección: Diego Aramburo
Texto: Marco Antonio de la Parra
Duración: 90 minutos
Público: adultos
Elenco: Belén Castillo Garnica, Natacha Chauderlot, Eugenia Hadandoniou, Pablo Martella, Marcos Polzoni, Maximiliano Rabbia, Luciana Sgró Ruata
Sinopsis: El fin de los ideales… Detrás del discurrir de cada historia de poder hay sin duda mucho que ocultar y hay mucho que es tan sólo máscara y apariencia. El problema surge cuando la apariencia es más que lo que se domina. El problema continúa cuando ya ni las apariencias pueden sostenerse. El problema se agrava, al punto de ser crítico, cuando al caer hasta las apariencias se pone en cuestión la ilusión.

Ala de Criados
Escenario: Teatro Eagles (22:00)
Grupo: Los Bichos
País: Argentina
Dirección: Mauricio Kartun
Texto: Mauricio Kartun
Duración: 110 minutos
Público: adultos
Elenco: Alberto Ajaka, Esteban Bigliardi, Rodrigo González Garillo, Laura López Moyano
Sinopsis: Buenos Aires se agita en la Semana Trágica. Una huelga salvaje. En Mar del Plata las familias de la aristocracia porteña se refugian aterrorizadas. Un club de tiro a la paloma frente al mar. Una historia de disparos y de sexo entre las rocas. En los salones con boiserie. Y en el ala de criados… Bomba, bomba: el amor es un atentado ácrata.

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Festival: Beckett y Mayenburg suben a escena con diferentes elencos

Marcos Malavia dirige a Luis Bredow en obra con texto de Beckett l Foto: Patricio Crooker

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Con una gran presencia de elencos extranjeros con funciones programadas para hoy, prosigue el Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de la Sierra, el cual también reserva dos espectáculos nacionales que se encuentran entre la oferta más interesante que ofrece el evento, uno con texto de Samuel Beckett y el otro con libreto de Marius von Mayenburg.

Temprano, a las 15:00, la filóloga, dramaturga y actriz Dolly Peña presentará el montaje Visión (Luz de Mis Ojos), que dirige en base a un texto del alemán Marius von Mayenburg. La obra muestra a un hombre maduro que contrata a una mujer porque necesita ayuda con la casa y su rutina, pero principalmente requiere a alguien que soporte sus secretos, miedos y prejuicios, porque ya no puede solo.

La directora del espectáculo, que ya tiene una quincena de obras en su currículum como actriz, reconoce que haber pasado de la actuación a la dirección ha sido ‘una tarea dura’, pero considera el proceso gratificante. “La diferencia es que tienes la responsabilidad y la ventaja de crear algo desde tu propia perspectiva y eso te da una inmensa alegría, crear”, evalúa.

Otro espectáculo que se muestra hoy en el festival es La Última Cinta de Krapp, que el año pasado se presentó en Santa Cruz con volteo de taquilla y que ahora repite la dosis. El unipersonal, interpretado por Luis Bredow, fue escrito por el irlandés Samuel Beckett (que de estar vivo estaría cumpliendo 105 años hoy) y muestra a un personaje que contempla su vida, que ha olvidado lo que creyó inolvidable y que desprecia lo que creyó valioso algún día.

Según el intérprete de la obra, el éxito que ésta ha cosechado hasta ahora se debe a un conjunto de factores, que abarca la sensibilidad del público, la maestría de Beckett al sintetizar la condición humana y al trabajo del equipo involucrado en la puesta. “En el teatro, el éxito ocurre cuando todos podemos felicitarnos de haber entendido, percibido y hecho presente algo hermoso y verdadero”, asegura.

Bredow, que además de La Última Cinta de Krapp llegó al festival con Las Cartas del Cabo y Las Relaciones de Clara, conversó con ALDEA CULTURAL días antes de sus presentaciones en Santa Cruz de la Sierra, al igual que Dolly Peña, que habla de la obra Visión (Luz de Mis Ojos), la cual dirige y que podrá ser vista hoy en el marco del evento teatral.

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Luis Bredow
Actor l La Última Cinta de Krapp
“Cada obra es un universo muy intenso” 

ALDEA CULTURAL (AC). Estarás presente con tres obras en el festival de Santa Cruz. ¿Cuáles son tus expectativas y cómo te las ingenias para interpretar a tres personajes distintos en tan poco tiempo?
LUIS BREDOW (LB). En realidad son seis personajes, pues en Las Cartas del Cabo hago tres. Pero no es ninguna hazaña porque cada obra es un universo muy intenso y eso ayuda a olvidar todo lo que no corresponde. Claro que significa más trabajo de ensayos, más problemas de producción y, sobre todo más nervios… No puedo tener la esperanza de que los seis personajes sean totalmente diferentes porque finalmente uso el mismo cuerpo y la misma voz para todos… no pretendo ser un ‘transformer’ ni sorprender por virtuosismo… Mi trabajo consiste en esforzarme en servir bien la obra y a mis compañeros de escenario para que el personaje que yo interprete esté bien inserto en la obra a la que pertenece.

AC. ¿Qué nos puedes contar acerca de La Última Cinta de Krapp?
LB. Marcos Malavia me invitó a representar al viejo Krapp y creó una puesta en escena muy original de una obra que el autor (Samuel Beckett) diseñó con mucha meticulosidad pues da instrucciones muy precisas sobre las acciones que debe realizar el intérprete de Krapp. Estas indicaciones al actor, que en teatro se llaman ‘didascalias’ permanecen desconocidas para el público. Si la didascalia dice, por ejemplo, ‘suspira’, ‘se sienta’, el público simplemente ve la acción que el actor obediente realiza. Ahora bien, existe un dilema al respecto: ¿Debemos los actores y directores interpretar siguiendo las instrucciones del dramaturgo o podemos permitirnos ofrecer una versión propia de la obra y modificarla a voluntad? Este dilema se presenta cada vez que se procede a poner el texto de una obra a un escenario. Unas veces, directores y actores optan por ceñirse a las instrucciones y al texto del autor y otras veces lo usan como un ‘pre-texto’ para crear algo más o menos propio. En el caso de las obras de Beckett se suele respetar las instrucciones del autor porque la belleza y el sentido de las obras de este maravilloso autor están en su forma. Es decir que es imprudente arrogarse la facultad de modificarlas. No es necesario ‘mejorarlas’ y cualquier intento de hacerlo suele resultar en un mamotreto, soso, ampuloso y redundante. Pero, los artistas siempre tienen el legítimo deseo de hacer una obra original pues una de las características de la obra de arte es su cualidad de ser única, nueva. Además existe el deseo, también legítimo, de acercar la obra al público para que sea disfrutada sin los obstáculos que pone la cultura particular de un determinado grupo humano, sus experiencias sociales, su bagaje informativo… Marcos Malavia encontró una salida muy sorprendente al dilema de hacer una obra propia y nueva a partir de una obra de Beckett. La astucia de Malavia es hacer audibles para el público las didascalias, las ordenes que da Beckett al actor. Es decir que la versión de “La última cinta de Krapp” que propone Malavia es híper respetosa al texto de Beckett. Y no lo es únicamente porque pone en evidencia segmentos del texto que no suelen ser oídos por el público, sino porque pone en evidencia que ‘alguien’ está dando ordenes a Krapp, que este personaje es la creación de ‘alguien’ que le marca un destino inexorable, que todas sus acciones obedecen a un plan preestablecido y que Krapp está preso de un destino que ignora y algunas veces apenas sospecha, pues no queda claro si Krapp escucha esas órdenes. El viejo Krapp cumple minuciosamente las órdenes que le vienen ‘de arriba’ y otras veces no las toma en cuenta, o las cumple antes o después de recibirlas. Todas las desobediencias de Krapp resultan ser irrisorias pues son inútiles ya que su destino se cumplirá inevitablemente. De esa manera, Malavia, en su puesta en escena logra un punto de vista, una perspectiva de la condición humana que probablemente Beckett no podría más que aceptar.

AC. La obra tuvo un notable éxito de público y crítica hasta ahora. ¿A qué crees que se deba tan buena repercusión?
LB. El éxito es en primer lugar del público y de Beckett y es de nuestro oficio y de las herramientas que usamos. Es un éxito de público porque los espectadores tienen la sensibilidad suficiente para entrar al acto teatral con la disposición de quien entra abierto a una vivencia. El público pone a disposición de la obra la capacidad de atención que se necesita para percibir pequeños detalles, atar cabos, deducir, identificar, hacer una lectura de los signos y gestos que le ofrece la obra a través del actor. Es decir que la obra tiene éxito porque el público es capaz de extraer la información que necesita para disfrutarla. El éxito de La Última Cinta de Krapp se lo debemos también a Beckett, que ha sintetizado magistralmente la condición humana en la breve y sencilla anécdota de un hombre que trae su pasado a su presente y así contempla su vida. Y nosotros, Marcos Malavia, Marcelo Sosa y yo, también nos complacemos con este éxito pues aparentemente hemos logrado poner en evidencia, con claridad y sencillez, todo lo que dice y quiere hacer percibir y sentir esta maravillosa obra. Al parecer hemos usado adecuadamente nuestros respectivos oficios y nuestros instrumentos para servir al público y a Beckett. En el teatro, el éxito ocurre cuando todos podemos felicitarnos de haber entendido, percibido y hecho presente algo hermoso y verdadero.

Dolly Peña
Directora l Visión (Luz de Mis Ojos)
“La obra deja al público en el borde del asiento”

ALDEA CULTURAL (AC). ¿Qué encontrará el público que vaya a ver Visión (Luz de Mis Ojos)?

DOLLY PEÑA (DP). El festival ofrece una gama extensa de estilos teatrales y Visión (Luz de Mis Ojos) se encuentra entre las obras no comerciales, es un drama algo oscuro, pero la vida es así… a veces comedia y otras tragedia, en este caso un drama. Visión (Luz de Mis Ojos) tendrá al público sentado en el borde del asiento, pues durante toda la obra empezarán a develarse secretos, verdades, mentiras de los protagonistas, pero el público no debe confiar en ellos, debe dudar de lo que digan los personajes y crear su propia conclusión. Esperamos a todas las personas el miércoles 13 de abril a las tres en punto de la tarde (si están más temprano mejor, pues es un espacio pequeño).

AC. Tienes un recorrido extenso en las tablas, como actriz, pero en esta obra te desempeñas en la dirección. ¿Por qué elegiste un texto de Mayenburg y que te atrajo de esta obra en particular?
DP. Como filóloga le tengo mucho respeto al texto dramático, por eso al leer la obra de Mayenburg me pareció genial su técnica empleada, posee todas las cualidades de un buen texto dramático: puntos de giro, un clímax intenso, ambigüedad semántica… a pesar de que su estructura narrativa es lineal y no tiene saltos temporales abruptos. Como directora fue extenuante la tarea, pues al tener mucho texto veía que podía caer en una obra muy textual, por eso tuvimos que crear muchas imágenes teatrales y hacer énfasis en el movimiento y distribución escénicos. Sin duda pasar de actriz a directora es una tarea dura, igual de laboriosa que la primera, pero la diferencia es que tienes la responsabilidad y la ventaja de crear algo desde tu propia perspectiva y eso te da una inmensa alegría, crear. Agradezco al Goethe Zentrum por el apoyo en la puesta en escena.

Programación l Miércoles 13 

Visión (Luz de Mis Ojos)
Escenario: Casateatro (15:00)
Grupo: Calambur Teatro
País: Bolivia (Santa Cruz de la Sierra)
Dirección: Dolly Peña
Texto: Marius von Mayenburg
Género: drama
Duración: 70 minutos
Público: jóvenes y adultos
Elenco: Oscar Leaño, Claudia Rada, Ana Choque
Sinopsis: Un hombre maduro contrata a una mujer porque necesita ayuda con la limpieza, la comida, su rutina y, principalmente, a soportar sus secretos, miedos y prejuicios porque ya no puede solo.

La Última Cinta de Krapp
Escenario: Centro Cultural Franco Alemán (18:30)
Elenco: Del Umbral
País: Bolivia
Dirección: Marcos Malavia
Texto: Samuel Beckett
Género: drama unipersonal
Duración: 55 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Luis Bredow
Sinopsis: Krapp se zambulle en los instantes de su pasado y emerge de ellos perplejo. Ha olvidado lo que creyó inolvidable, desprecia lo que creyó valioso y adora lo que desechó. Krapp no se reconoce y se re-niega a sí mismo. ¿Quién es, entonces, este hombre, que esta vez se llama ‘Krapp’ y que bien podría llamarse ‘yo’, ‘nosotros’ o ‘ellos’?

Lote 77
Escenario: Centro Boliviano Americano (19:00)
País: Argentina
Dirección: Marcelo Mininno
Texto: Marcelo Mininno
Duración: 70 minutos
Público: jóvenes y adultos
Elenco: Andrés D’ Adamo, Lautaro Delgado, Rodrigo González Garillo
Sinopsis: Tres hombres indagan en las tareas que hacen a la crianza, selección y clasificación del ganado bovino en lotes de venta. En ese proceso se enfrentarán a la frágil faena de reconocerse.

CORps TEXto, Palabra de Mimo
Escenario: Casa de la Cultura (20:00)
Grupo: Cía. Sorous
Países: Francia y Bolivia (Santa Cruz de la Sierra)
Dirección y concepción: Marcos Malavia
Duración: 75 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Marcos Malavia
Sinopsis: Compuesto por extractos de Le Langage du Corps, de Jean Louis Barrault, de textos de Muriel Roland y de pantomimas de Alejandro Jodorowsky y Marcos Malavia, el espectáculo alterna una serie de reflexiones sobre el arte del gesto y el cuerpo como parte orgánica del pensamiento.

Pop
Escenario: Manzana Uno (20:00)
Grupo: Virtual Companhia de Dança
País: Brasil
Dirección: Marcelo Zamora
Género: teatro de calle
Duración: 45 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Mariane Cerilo, Rodrigo Castelo Branco, Marcelo Zamora
Sinopsis: Basado en la concepción de la palabra ‘popular’, el espectáculo utiliza como estructura narrativa el almanaque para un intento relajado de entender el mundo. Técnicas aéreas, recursos visuales como slides, proyectores de video en tiempo real y sonido interactivo, aliados a técnicas de circo dan al espectáculo una dinámica impar, como la banda sonora que varía de la ópera al rock, pasando por diferentes lecturas de sonidos populares.

Tanto Soñé de Ti
Escenario: Aecid (21:00)
Grupo: Teatro Entre 2
País: México
Dirección: Arnaud Charpentier
Duración: 85 minutos
Público: adolescentes y adultos
Elenco: Sandra Peña
Sinopsis: En un juego constante de desdoblamiento, la actriz, sola en escena, presta su voz a mujeres que amaron, sufrieron, disfrutaron para, finalmente, posar sus sentimientos sobre el papel.

El Olivo
Escenario: Paraninfo Universitario (20:00)
Grupo: Teatro Niño Proletario
País: Chile
Dirección: Luis Guenel
Duración: 85 minutos
Público: jóvenes y adultos
Elenco: Silvia Marín, Claudia Cabezas, Sally Campusano, Claudio Riveros, Francisco Medina, Cristián Flores, Antonio Altamirano, Rodrigo Velásquez, Patricia Guzmán
Sinopsis: La historia se desarrolla en un bar ubicado en un pueblo del sur de Chile, que sirve de excusa para un grupo de hombres y mujeres que busca un refugio para sus vidas; todos ellos comparten la desesperanza y la frustración de ver nublado el horizonte de sus sueños. Alentados por el alcohol, repasan sus existencias, encontrando en la fiesta un reducto de evasión y comunión con los otros. Sin embargo, un misterioso afiche que anuncia la llegada de un barco, transformará sus existencias haciéndolos tomar la decisión más importante y radical de sus vidas.

Ala de Criados
Escenario: Teatro Eagles (21:00)
Grupo: Los Bichos
País: Argentina
Dirección: Mauricio Kartun
Texto: Mauricio Kartun
Duración: 110 minutos
Público: adultos
Elenco: Alberto Ajaka, Esteban Bigliardi, Rodrigo González Garillo, Laura López Moyano
Sinopsis: Buenos Aires se agita en la Semana Trágica. Una huelga salvaje. En Mar del Plata las familias de la aristocracia porteña se refugian aterrorizadas. Un club de tiro a la paloma frente al mar. Una historia de disparos y de sexo entre las rocas. En los salones con boiserie. Y en el ala de criados… Bomba, bomba: el amor es un atentado ácrata.

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Festival: Las Cartas del Cabo y Máuser son las propuestas de la sexta jornada

Luis Bredow interpreta a tres personajes en Las Cartas del Cabo l Foto: Tony Suárez Weise

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Los espectáculos Las Cartas del Cabo y Máuser, que tienen en común el hecho de abordar el tema de la guerra, pero desde distintos puntos de vista, están entre las propuestas más interesantes de la sexta jornada del Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de la Sierra, que continuará hoy con nueve funciones en diferentes escenarios de la ciudad, además de otras tres en provincias.

Estrenada a principios de mes en La Paz, Las Cartas del Cabo rememora la época del conflicto entre Bolivia y Paraguay en la Guerra del Chaco (1932-1935), en un viaje epistolar a través de testimonios, como una metáfora de la Bolivia que, azorada por la pérdida de sus hijos, lucha contra los fantasmas del pasado. El montaje, cuyo elenco está compuesto por Susy Arduz, Bilinka Céspedes, Gabriela Sandoval, Luis Bredow, Carlos Ureña y Miguelángel Estellano, presenta a tres mujeres que viven presas en el olvido a causa de la contienda bélica.

El texto del espectáculo está basado en la novela homónima de Alejandro Molina, cuyo trabajo le valió el Premio Noveles Dramaturgos de Petrobras y la Cámara del Libro de Santa Cruz el año pasado. Según el autor, que además dirige de la obra, ésta “propone una mirada al conflicto bélico desde la realidad de estas mujeres; tiene una estructura contemporánea que juega con los tiempos y que contiene algo de irrisión”.

Por su parte, Máuser es un texto del famoso dramaturgo alemán Heiner Müller, llevado a escena por el director Marcelo Sosa y por la compañía Colectivo Búnker, integrado en esta ocasión por Antonio Peredo, Mario Aguirre, Andrea Ramírez Boglioli, Antonio Torres, Luis García-Tornel y Natalia Peña. El montaje presente a un hombre que gana la misión de encargarse del tribunal revolucionario, pero que con el tiempo cuestiona la revolución y termina siendo condenado por sus compañeros a morir fusilado.

Para Torres, uno de los actores que intervienen en el espectáculo, se trata de “una obra hermosa, muy bien escrita”. El artista, que también presentará La Edad de la Ciruela en el festival cruceño, pondera la actualidad del texto del autor alemán. “Me parece que con esta obra Müller cuestiona, desde la raíz, la metodología que varios movimientos revolucionarios han seguido, siguen y seguramente seguirán”, evalúa.

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Toto Torres
Actor l Máuser
“Para mí, Máuser es una gran pregunta”

ALDEA CULTURAL. ¿Qué nos puedes contar acerca de la obra?
ANTONIO TORRES. Uy, Máuser es una obra hermosa, está muy bien escrita y creo que por eso es muy difícil contarte algo sobre la obra. Cuando digo algo sobre la obra me refiero a una sinopsis o algo así, lo que sí te puedo contar es por qué a mi me gusta la obra; me parece que con esta obra (el autor, Heiner) Müller cuestiona, desde la raíz, la metodología que varios movimientos revolucionarios han seguido, siguen y seguramente seguirán. Hay un fragmento del texto que dice: “Para qué matar y para qué morir / Si el precio de la revolución es la revolución / Los que deben ser liberados el precio de la libertad”. Para mí, Máuser, entre otras cosas, es una gran pregunta, parte de esa pregunta es el párrafo anterior. Respuestas, ninguna, creo que Múller las evitó porque sabía bien que una pregunta bien hecha puede tener más fuerza y efectividad que las muchas respuestas que puede generar.

Programación l Martes 12 

Las Cartas del Cabo
Escenario: Paraninfo Universitario (17:00)
Grupo: Proyecto Bufo
País: Bolivia (Santa Cruz de la Sierra)
Dirección: Alejandro Molina
Texto: Alejandro Molina
Género: teatro contemporáneo
Duración: 50 minutos
Público: todas las edades
Auspiciado por Grupo Editorial La Hoguera, TATU
Elenco: Susy Arduz, Bilinka Céspedes, Gabriela Sandoval, Luis Bredow, Carlos Ureña, Miguelángel Estellano

El Olivo
Escenario: Escuela Nacional de Teatro (17:00)
Grupo: Teatro Niño Proletario
País: Chile
Dirección: Luis Guenel
Duración: 85 minutos
Público: jóvenes y adultos
Elenco: Silvia Marín, Claudia Cabezas, Sally Campusano, Claudio Riveros, Francisco Medina, Cristián Flores, Antonio Altamirano, Rodrigo Velásquez, Patricia Guzmán
Sinopsis: La historia se desarrolla en un bar ubicado en un pueblo del sur de Chile, que sirve de excusa para un grupo de hombres y mujeres que busca un refugio para sus vidas; todos ellos comparten la desesperanza y la frustración de ver nublado el horizonte de sus sueños. Alentados por el alcohol, repasan sus existencias, encontrando en la fiesta un reducto de evasión y comunión con los otros. Sin embargo, un misterioso afiche que anuncia la llegada de un barco, transformará sus existencias haciéndolos tomar la decisión más importante y radical de sus vidas.

La Llegada de los Guapos
Escenario: UAGRM (18:00)
Grupo: Teatro con Leche
País: Bolivia (Santa Cruz de la Sierra)
Dirección: Teatro con Leche
Texto: creación colectiva a partir de una idea de Andrés Escobar
Género: acción / intervención musical
Duración: 40 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Mariana Bredow, Javiera Vargas, Ariel Muñoz, Jaime Escobar, Susy Arduz, Andrés Escobar
Sinopsis: Esto es un juego serio, un juego de decisiones. Un científico estrafalario invita a todo el público a unirse y encender la máquina del tiempo. La máquina funciona, pero algo está un poco fuera de ritmo. Viajeros del futuro más lejano llegan al presente. Se hacen llamar Los Guapos y tienen un proyexto en mente.

Juana Azurduy
Escenario: Teatro Eagles (19:00)
País: Argentina
Género: musical histórico
Duración: 50 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Ana María Cores
Sinopsis: La obra rememora la vida y lucha de la heroína Juana Azurduy, nacida en 1780 en Chuquisaca. Azurduy combatió al frente de su división de amazonas contra los realistas en el Alto Perú, hoy tierra boliviana.

Máuser
Escenario: Museo de Historia (19:30)
Grupo: Colectivo Búnker
País: Bolivia (La Paz)
Dirección: Marcelo Sosa
Texto: Heiner Müller
Género: contemporáneo
Duración: 40 minutos
Público: mayores de 12 años
Elenco: Antonio Peredo, Mario Aguirre, Andrea Ramírez Boglioli, Antonio Torres, Luis García-Tornel, Natalia Peña
Sinopsis: Un hombre que cree en la revolución es encargado del tribunal revolucionario. Recibe la misión de matar a los enemigos de la revolución; lo ejecuta como un trabajo cualquiera, hasta que su misión lo consume. Entonces cuestiona la revuelta, se vuelve loco y mata bailando sobre el cadáver enemigo, siendo finalmente condenado a muerte por sus compañeros.

Las Meninas del Gran Cam
Escenario: plaza principal de la urbanización Satélite Norte (20:00)
Grupo: Las Meninas del Gran Cam
País: Bolivia (Santa Cruz de la Sierra)
Dirección: María Delicia Landívar
Idea original: César Estrada
Género: teatro de calle / comedia
Duración: 45 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Ariel Vargas, Berenice de La Cruz, Christian Torres, Diego Montaño, Karito Tereba, María Delicia Landívar, Adriana Ríos, Felipe Ruiz, Grecia Cerezo, Juan Pedro Silva
Sinopsis: El show ambulante Las Meninas del Gran Cam, que viaja por todo el mundo, llega al pueblo y se instala. Terminando el show, son interrumpidos con una orden de cierre y desalojo dictada por el policía Francisco, quien se enamora perdidamente de Luly, la bella hija del dueño del local.

Tanto Soñé de Ti
Escenario: Aecid (21:00)
Grupo: Teatro Entre 2
País: México
Dirección: Arnaud Charpentier
Duración: 85 minutos
Público: adolescentes y adultos
Elenco: Sandra Peña
Sinopsis: En un juego constante de desdoblamiento, la actriz, sola en escena, presta su voz a mujeres que amaron, sufrieron, disfrutaron para, finalmente, posar sus sentimientos sobre el papel.

Flor de Primavera
Escenario: Centro Cultural Franco Alemán (21:00)
País: Perú
Dirección: Pilar Núñez
Texto: Pilar Núñez
Duración: 50 minutos
Público: jóvenes y adultos
Elenco: Pilar Núñez
Sinopsis: Desde los desgarradores gritos de separación y pérdida, pasando por el Toro Torero de la lidia del alma femenina por no dejarse vencer por el hombre, hasta las desconcertadas voces inocentes de la pubertad de Ana Frank, en su cautiverio, la actriz hace un repaso por los personajes que interpretó y otros creados por ella misma.

Gatomaquia
Escenario: Casa de la Cultura (22:00)
Grupo: La Cuarta
País: Uruguay
Dirección: Héctor Manuel Vidal
Texto: Lope de Vega, en adaptación de Héctor Manuel Vidal
Duración: 85 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Fernando Dianesi, Santiago Sanguinetti, Natalia Bolani, Leonor Chavarría
Sinopsis: En siete silvas de verso simple, Lope nos devela las andanzas de dos gatos, Marramaquiz y Micifuf, y de lo que los enfrenta: el amor de la bella Zapaquilda. Así, parodiando la forma clásica, sus personajes y argumentos, el amor, los celos, la brujería, la guerra y la muerte, parodia su propia obra. Y entregándose al espejo del humor nos pinta con cierto cinismo y picardía lo mejor y lo peor de la condición humana.

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Festival: Saúl Alí muestra un mundo caótico e irónico en obra Comic

El artista paceño es autor del texto y también actor y director de la obra l Foto: Difusión

Pasadas las cuatro primeras jornadas del Festival Internacional de Teatro de Santa Cruz de la Sierra, con bastantes éxito en las butacas y nuevas funciones programadas debido a la demanda de entradas, el evento ingresa a su ingresa a su segunda semana de realización, con una nutrida oferta nacional e internacional.

Entre las obras bolivianas, se destaca Comic, escrita, dirigida e interpretada por Saúl Alí, del Teatro Bogatir. El monólogo, que será presentado a las 18:00 en el Centro Boliviano Americano (CBA), trata de las formas de vida y personajes de un mundo acelerado y caótico. Su autor indica que la ironía y el humor negro son las dos características principales del montaje, premiado en el XI Festival Nacional de Teatro Bertolt Brecht, en 2008.

Con relación a las múltiples labores que realiza, Alí comenta que es un trabajo arduo, pero que su amor por las tablas hace que el esfuerzo sea recompensado. “La articulación de las tres labores se complementaron como consecuencia del trabajo continuo y la experimentación e investigación teatrales permanentes que se desarrollan y sostienen gracias a la profunda pasión y vértigo que siento cuando hago teatro”, asegura.

Otra de las obras destacadas es Mis Muy Privados Festivales Mesiánicos, que cuenta con un elenco compuesto por Mario Aguirre, Soledad Ardaya, Miguelángel Estellano y Pedro Grossman. El espectáculo presenta una oficina de un ministerio público, donde tres trabajadoras sociales están al borde de sus posibilidades, en un universo donde todos necesitan asistencia, pero en el cual la realidad tira por tierra cualquier aspiración por hacer las cosas bien. La función del montaje de la compañía Textos Que Migran tendrá lugar en el Paraninfo Universitario, a las 19:00.

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Saúl Alí
Director l Comic
“Comic surgió gracias a un niño de seis años, yo”

ALDEA CULTURAL (AC). ¿Qué encontrará el público que vaya a ver Comic?
SAÚL ALÍ (SA). El público encontrará un mundo a modo de espejo quebrado: caótico, acelerado, divertido e irónico, con habitantes bizarros y comportamientos torcidos. Un mundo parecido al nuestro, pero sólo parecido, porque el mundo que habitamos posiblemente sea mucho más cruel y violento. Porque creo que la ficción no supera a la realidad.

AC. Eres el autor, director y autor de la obra. ¿De dónde surgió la idea de hacerla y cómo manejas el hecho de cumplir tantas labores a la vez?
SA. Comic surgió gracias a un niño de seis años: inquieto, travieso, rebelde y mal portado o, ‘malcriado’; como diría mi profesora de primero básico, que conocí cuando era niño; ese niño era yo. Cuando comencé a escribir la obra, los primeros fragmentos que reflejaban mi experiencia de niño resultaron siendo los últimos de la estructura final de Comic. Creo que estas líneas son el espíritu de la obra, porque el resto, desde el comienzo de la pieza, derivan de las inquietudes y formas de rebeldía y carácter contestatario e irónico de los personajes de este mundo que surgen del imaginario, análisis y observación aguda del contexto y formas de pensar y sentir que ocurren en el mundo donde vivimos. El hecho de ser actor, director y autor de la obra exige el triple de trabajo y mucho más, pero la articulación de las tres labores se complementaron como consecuencia del trabajo continuo y la experimentación e investigación teatrales permanentes que se desarrollan y sostienen gracias a la profunda pasión y vértigo que siento cuando hago teatro.

Programación l Lunes 11 

Solo Con Esto
Escenario: Escuela Nacional de Teatro (16:00)
Grupo: Altoteatro
País: Bolivia (El Alto)
Dirección: Andrea Riera y Freddy Chipana
Texto: Andrea Riera y Freddy Chipana
Género: tragedia intemporal
Duración: 55 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Carmen Tito, Rocío Quisberth, Jorge Lahor, Verónica Paye, Soledad Machaca, Freddy Chipana

De Perfumes y Colores
Escenario: Centro Cainco (17:00)
Grupo: Del Jazmín
País: Argentina
Texto: Sofía Koconós
Género: infantil / títeres
Público: todas las edades
Intérprete y manipuladora: Sofía Koconós
Sinopsis: El espectáculo consta de dos partes. La primera es la narración teatralizada de un cuento de tradición oral y la segunda parte es la obra de títeres que da nombre al espectáculo. Con un argumento sencillo, lúdico y participativo, los títeres nos llevan hacia el mundo de dos niños que, unidos por la necesidad y el afecto, descubren la vida de un jardín.

Comic
Escenario: Centro Boliviano Americano (18:00)
Grupo: Teatro Bogatir
País: Bolivia (La Paz)
Dirección: Saúl Alí
Texto: Saúl Alí
Género: comedia
Duración: 50 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Saúl Alí
Sinopsis: Comic es un mundo hecho a primer trazo, sus habitantes son dibujos animados y viven con sus caóticas formas de pensar, sentir y actuar en un mundo acelerado. La historia de este lugar es narrada y conducida por un paranoico dibujo animado.

Juana Azurduy
Escenario: Teatro Eagles (19:00)
País: Argentina
Género: musical histórico
Duración: 50 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Ana María Cores
Sinopsis: La obra rememora la vida y lucha de la heroína Juana Azurduy, nacida en 1780 en Chuquisaca. Azurduy combatió al frente de su división de amazonas contra los realistas en el Alto Perú, hoy tierra boliviana.

El Trato Entre Dueños y Ratones
Escenario: Galpón Cultural San Isidro (19:00)
Grupo: Los Duendes de Julia
País: Argentina
Género: infantil
Duración: 60 minutos
Público: niños
Intérprete y manipuladora: Julia Scordomaglio
Sinopsis: Un ratón enamorado quiere casarse pero el queso está muy caro. ¿Qué puede hacer? ¡Plantar plantitas para comer! Será así, entre juegos y risas, que la obra involucrará a los espectadores en la resolución del conflicto.

Cinco Horas con Mario
Escenario: Aecid (19:00)
País: España
Dirección: Victoria Peña
Texto: Victoria Peña, en adaptación teatral de la obra de Miguel Delibes
Elenco: Victoria Peña
Duración: 90 minutos
Público: todas las edades
Sinopsis: Carmen le recrimina a su esposo muerto sus aparentes inadaptaciones al sistema socialEstamos en Marzo de 1966. Carmen Sotillo, a los 44 años, acaba de perder a su marido Mario de forma inesperada. Una vez que las visitas y la familia se han retirado, ella sola vela durante la última noche el cadáver de su marido e inicia con él un monólogo-diálogo en el que descubrimos sus personalidades y los conflictos de su matrimonio.

Mis Muy Privados Festivales Mesiánicos
Escenario: Paraninfo Universitario (19:00)
Elenco: Cia. Textos Que Migran
País: Bolivia (La Paz)
Dirección: Percy Jiménez
Texto: Felicia Zeller
Género: drama contemporáneo
Duración: 75 minutos
Elenco: Mario Aguirre, Soledad Ardaya, Miguelángel Estellano, Pedro Grossman
Sinopsis: En la oficina de un ministerio público, tres trabajadoras sociales están al borde de sus posibilidades. El número de casos las supera, los papeles se amontonan sobre el escritorio, el teléfono no para de sonar. Un universo donde todos necesitaríamos asistencia y la realidad tira por tierra cualquier aspiración por hacer las cosas bien.

Canto a los Santos
Escenario: Centro Franco Alemán (21:00)
País: Perú
Duración: 60 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Pilar Núñez
Sinopsis: El espectáculo está basado en textos propios y cantos, cuentos y pregones tradicionales afrocubanos, algunos anónimos, y otros de Celina y Reutilio, Celia Cruz y Benny Moré.

Gatomaquia
Escenario: Casa de la Cultura (22:00)
Grupo: La Cuarta
País: Uruguay
Dirección: Héctor Manuel Vidal
Texto: Lope de Vega, en adaptación de Héctor Manuel Vidal
Duración: 85 minutos
Público: todas las edades
Elenco: Fernando Dianesi, Santiago Sanguinetti, Natalia Bolani, Leonor Chavarría
Sinopsis: En siete silvas de verso simple, Lope nos devela las andanzas de dos gatos, Marramaquiz y Micifuf, y de lo que los enfrenta: el amor de la bella Zapaquilda. Así, parodiando la forma clásica, sus personajes y argumentos, el amor, los celos, la brujería, la guerra y la muerte, parodia su propia obra. Y entregándose al espejo del humor nos pinta con cierto cinismo y picardía lo mejor y lo peor de la condición humana.

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