El monólogo 120 Kilos de Jazz fue una de las obras presentes en la anterior edición del evento I Foto: Difusión

Encuentro intercultural abre convocatoria para ciclo de unipersonales en Sucre

Miércoles, 28.04.2010

El Instituto Cultural Boliviano Alemán, la Alianza Francesa y EnArtes Productora Cultural anunciaron la convocatoria nacional e internacional para el Ciclo de Monólogos / Unipersonales, que se realizará en el marco del V Encuentro Intercultural Arte y Patrimonio, a llevarse a cabo del 26 al 31 de julio de 2010 en Sucre.

La anterior versión del ciclo contó con la participación de Mondacca Teatro (El Tejedor de Historias), Teatro La Cueva (Monsieur Papillon), Teatro Los Andes (120 Kilos de Jazz, La Mujer de Anteojos y La Muerte de Jesús Mamani) y Gerd Mielke (Un Informe para una Academia). Los organizadores aseguran pasajes en tramo nacional, alojamiento, alimentación y transporte a todos los artistas. Mayores informaciones pueden ser obtenidas mediante correo electrónico.

Convocatoria

1. Acerca del encuentro
1.1. El encuentro se llevará a cabo del 26 al 31 de julio de 2010, en la ciudad de Sucre.
1.2. Los objetivos principales que se desean alcanzar con el Ciclo de Monólogos / Unipersonales son el apoyar, estimular, promocionar y difundir el trabajo artístico de los participantes del encuentro.

2. Bases de la convocatoria
2.1. La convocatoria está dirigida a los artistas que cuenten en su repertorio con una obra unipersonal de teatro, mimo, narración oral y otras artes afines.
2.2. La obra a presentar deberá tener una duración mínima de 45 y máxima de 100 minutos.
2.3. No se admitirán estrenos.
2.4. La inscripción al presente evento es gratuita. Se realizará desde la publicación de esta convocatoria (20 de abril) hasta el 11 de mayo del 2010.
2.5. Para su inscripción deberán enviar los siguientes documentos: currículum del artista así como una reseña acerca de su trayectoria; texto, argumento y ficha técnica de la obra; reseña acerca del autor y del director; duración de la obra; video de la obra a presentar sin editar (formato NTSC en DVD o VHS); recortes de prensa, fotos del espectáculo u otras referencias acerca del artista y del espectáculo a presentar; teléfono, e-mail, página web del artista o representante.
2.6. Los documentos deberán llegar hasta le fecha indicada, en sobre cerrado a nombre del "V Encuentro Intercultural de Arte y Patrimonio - Ciclo de Unipersonales", a las siguientes direcciones: Alianza Francesa (Aniceto Arce, 74) o Instituto Cultural Boliviano Alemán (Avaroa, 326), para los residentes en Sucre; o casilla 648, Sucre (Bolivia), para los interesados en otras ciudades y países.

3. Sobre la selección
3.1. Se seleccionarán sólo las obras que cumplan con las bases de la presente convocatoria.
3.2. La comisión organizadora sólo tendrá en cuenta para la selección a aquellos artistas que cumplan en mandar la documentación completa omitiendo cualquier documentación enviada después de la fecha límite.
3.3. La publicación de los artistas seleccionados será dada a conocer el 20 de mayo del 2010 y la comunicación a los mismos será hecha ese mismo día.
3.4. La programación completa del Ciclo de Monólogos del V Encuentro Intercultural Arte y Patrimonios se dará a conocer el 15 de junio del 2010 e incluirá todas las actividades del
evento.
3.5. La organización puede invitar a los artistas que por destacada trayectoria ameriten ser parte del evento.

4. Sobre las condiciones del evento

El Artista realizará la presentación de su obra en el Ciclo de Monólogos / Unipersonales, además de asistir a las otras presentaciones del encuentro.

5. Sobre la economía
5.1. A cada artista participante se le remunerará con un bono en dólares americanos a convenir en ambas partes por su participación en el Ciclo de Monólogos / Unipersonales.

6. Sobre los pasajes, la estadía y el alojamiento
6.1. El V Encuentro Intercultural de Arte y Patrimonio ofrecerá pasajes en el tramo nacional a los artistas provenientes del extranjero, alojamiento, alimentación y transporte durante tres días (un día antes, en el día de la presentación y un día posterior a ésta).
6.2. El V Encuentro Intercultural de Arte y Patrimonio pagará los pasajes de tramo nacional a los artistas nacionales, así como su estadía, alimentación y transporte.

La actriz actualmente vive en México y se apresta a rodar la película que escribió I Foto: archivo de la artista

Marianna Burelli: "Me encanta estar en Latinoamérica, aquí me siento en casa"

Jueves, 22.04.2010 I Esta nota en portugués I Todas las entrevistas

Nacida en Venezuela en un día como hoy (22 de abril), la actriz Marianna Burelli se encuentra lista para enfrentarse aquel que es su mayor desafío hasta la fecha: protagonizar un largometraje que escribió y en el cual además trabaja como productora, una habilidad que descubrió al encargarse de la realización de su propio corto, Vuelve a Mí, que dio origen a la coproducción internacional Trace, cuyo rodaje está previsto para este año. 

Trace será dirigida por el mexicano Álvaro Curiel y representa una nueva etapa en la carrera de la actriz, que durante años trabajó en el teatro de Inglaterra, donde se formó y vivió por más de seis años, habiéndose además presentado en países como Bélgica y Escocia. Su traslado a México coincidió con su enamoramiento por el cine, arte al cual se acercó aún en Londres, cuando empezó a rodar sus primeros cortos y a alimentar el deseo de actuar para la gran pantalla.

Desde que llegó a México, Marianna no ha parado de trabajar en diferentes proyectos audiovisuales, como No One Dies of Love, Vacaciones en Edén, De Muerte Natural y La Ruleta de los Sueños, entre otros. Asimismo, formó parte del elenco de la UNAM que presentó exitosamente la obra Sueño de Una Noche de Verano, que hoy camina para su tercera temporada.

En la entrevista concedida hace tres semanas para ALDEA CULTURAL, la actriz —que estudió durante dos años en Swazilandia, un pequeño país al sur de África, descubriendo allí su pasión por interpretar— habla de su trayectoria sobre las tablas y frente a cámaras, cuenta cómo fue trabajar en Londres siendo latinoamericana y del proyecto que lleva adelante y que pretende filmar en el segundo semestre de este año.

ALDEA CULTURAL (AC). ¿Cómo empezaste a estudiar teatro?

MARIANNA BURELLI (MB). Primero hice teatro en Swazilandia. Me gané una beca a los 16 años para estudiar Bachillerato Internacional allá y empecé a estudiar teatro, fue la primera vez que lo hice. Tenía una profesora de teatro inglesa que me dijo que si me quería dedicar al mundo del teatro y del cine, me fuera a Inglaterra, que ella me iba a recomendar. Ya tenía un cupo en una universidad para estudiar Sociología e Historia, pero por no dejar de aplicar la escuela de teatro, East 15 Acting School, me quedé y me aceptaron ese mismo día. Pues fue así como "y ahora, ¿qué hago?". Y entonces, nada, decidí irme por Teatro, estuve tres años allá, hice un curso de teatro físico en Polonia, durante unos meses, en una de las vacaciones. Y una vez que terminé de estudiar teatro en Londres, monté una compañía que se llamaba VIP Theatre. Montamos una obra para nuestro proyecto final, Caviar & Chips, y la aplicamos para ir al Festival Internacional de Teatro de Edimburgo, nos aceptaron, y tuvimos una corrida de un mes allá. Nos fue increíble, porque estábamos yo —que soy venezolana—, una amiga mía, que es mitad griega, mitad irlandesa, y otra chava, que es inglesa. Y entonces hicimos un trío muy explosivo, que funcionaba muy bien en la obra, era muy divertida, una tragicomedia, y yo interpretaba a una cubana ilegal en Londres, medio prostituta, medio loca. Nos fue increíble, firmamos un contrato con Warner Brothers, porque éramos el único espectáculo cómico del festival, pero no stand-up, de mujer. Porque había muchísimos de ésos, pero todos eran de compañías masculinas. Como éramos las únicas, se interesaron mucho, nos vinieron a filmar y tuvimos los sketches de nuestra obra en la página de Time Warner Online, en 2006. Fuimos a dar una gira por Londres, estuvimos en muchos teatros de la ciudad, como el Hen & Chickens, Canal Café y Soho Theatre. Y nos invitaron para abrir el primer teatro de habla inglesa en Brujas, en Bélgica, a hacer una corrida de quince días en este teatro. Estuvimos allá, nos fue muy bien, tuvimos muy buenas críticas, y luego regresamos a Londres, cerramos como una gira en la ciudad, y pues ahí decidí que mi tiempo en Londres se había agotado y que quería hacer un poco de cine. Y entonces conocí a un director de cine mexicano, Ernesto Contreras, que me ofreció una entrada a su première aquí en México, para su película Párpados Azules. Él vino a la última función a mi obra en Inglaterra. Y entonces me dijo: "Marianna, te invito a la première de mi película, conoces gente en México y a ver qué onda, cómo te va". Y me quedé un mes, y empecé a conocer a muchísima gente y me di cuenta que aquí en México la interacción con la gente era mucho más fácil que en Inglaterra. Regresé a Inglaterra en marzo del 2008. Hice el primer cortometraje que yo dirigí y escribí, Vuelve a Mí, lo produje con dos amigos, un productor mexicano, y un inglés que era el supervisor de guión. También lo protagonicé. Viajé a Nueva York, editamos el cortometraje y lo mandé a muchos festivales. Pasó por varios, uno de ellos fue el Festival de Cine Latinoamericano de Moscú, tuve contacto con una persona que se llama Aleksey Chernyshev. Le encantó el corto y lo presentó en el Festival de Moscú y en el Festival de Minsk. Entonces yo tenía la idea de escribir una versión para largometraje. Y durante la influenza en México, fueron días y días de encierro, yo no sabía qué hacer, me desesperé, entonces dije: "Voy a empezar a escribir la versión larga de este corto". Ya había leído varios libros de guionismo, pero no me había atrevido a empezar a escribir. Y pues nada, empecé a escribir, terminé una versión, y pensé que quería que fuera una conexión Venezuela-Inglaterra. Apliqué para el desarrollo de guión del CNAC (Centro Nacional Autónomo de Cinematografía), que es la organización de cine nacional de Venezuela, y no me dieron ningún dinero, como que no me pelaron más, no me pusieron ningún tipo de atención, porque era una película en coproducción, muy complicada, no hablaba del gobierno, todo esto. Y entonces dije: "Ya, no lo voy a hacer coproducción Venezuela-Inglaterra, sino con México". Cuando vi el trabajo de Álvaro Curiel, dije: "Éste es". Le di mi guión, él me mostró su trabajo, acababa de terminar su primera película, El Acorazado, además había trabajado como asistente de dirección en miles de cosas, entre ellas una película con Tilda Swinton, Julia (de Erick Zonca, 2008). Es el director aquí en México con más trabajos de asistente de dirección y el director más joven con mayor cantidad de series dirigidas. Es muy bueno y me dijeron que estaba como candela, entonces pensé: "Ya, vamos a platicar". Leyó el guión y me dijo: "Me encanta la historia, Marianna, pero tienes errores". Entonces dije: "No, lo tengo que mover, ya tengo el director, tengo que seguir moviéndome". Me fui a Inglaterra a visitar a mi supervisor de guión, con el que había trabajado anteriormente en el cortometraje, Adam Dahrouge, y nos encerramos semanas en su casa trabajando en el guión. Regresé a México, con un draft mucho más decente, le mostré la versión del guión a Álvaro y me dijo: "Ahora sí vamos a trabajar". Y entonces como dos meses después me habló para decirme que ya había conseguido el dinero en México, ya teníamos una productora, y ahorita están decidiendo en Inglaterra si me dan el dinero, porque apliqué para el Art Council, para que nos ayude con la parte inglesa. Entonces como que está moviéndose de manera muy independiente la película, está increíble, o sea, como que se dieron todas las circunstancias para que se creara este interés internacional en la producción. Si todo sale bien, el shooting schedule (rodaje) está planeado para empezar el 13 de septiembre en Londres. Filmaríamos seis semanas allá, regresaríamos en octubre y a principios de noviembre haríamos tres semanas de filmación aquí en México.

AC. ¿Tendrás también un papel en la película?
MB. Sí, yo soy la protagonista (risas). Porque la verdad yo quería hacer un papel que me gustara. El problema que yo encontré, y como yo seguramente muchos, era que siempre, por lo menos en Inglaterra, hacía la drogadicta latinoamericana, la drogadicta y la drogadicta... Como si en Latinoamérica sólo hubiéramos gente drogadicta y mulas, cocaineras, yo que sé. Entonces dije: "Yo quiero hacer el papel de una persona normal, que sufre, que se ríe, que tenga problemas, como cualquier otra, y que no sea tan importante la nacionalidad". Como dice mi director, ojalá que lo pueda actuar tan bien como lo escribí, ojalá no me quede mal conmigo misma.

AC. Cuando saliste de Venezuela, ¿no tenías la idea de ser actriz?
MB. No, para nada. Yo quería estudiar Historia y Filosofía, o algo así. Pero cuando llegué a Swazilandia, tenía que elegir. El programa que hacíamos se llama International Baccalaureate (IB), es como un preuniversitario, te prepara a un nivel muy alto, entonces, tienes que elegir seis materias, tres de nivel alto y tres bajas. Por supuesto yo no quería elegir ni Física ni Química, eso sí me quedaba muy claro. Ya tenía Literatura Inglesa, Historia Universal, y me faltaba una alta. Entonces tenía o las Artes, que tenía Artes Plásticas o Teatro, o Física, Química, Matemática, que dije: "Ni loca, o sea, ni loca me meto ahí porque no iba a salir nunca". Entonces un amigo mío me dijo: "Éntrale al teatro, que está increíble". Y así fue. Le entré al teatro porque no tenía otra opción. Y me quedé ahí.

AC. Y ahí decidiste irte a Inglaterra.
MB. Sí. Yo no quería hacer teatro clásico, eso no me interesaba mucho. Entonces mi profesora dijo: "Hay una escuela que es maravillosa, que es teatro contemporáneo, East 15 Acting School". Y entonces apliqué. Y nada... tuvimos todo un día de audiciones y, ese mismo día, al final de la tarde, me dijeron: "Te estamos ofreciendo un lugar en el curso de Teatro Contemporáneo: ¿lo aceptas o no?" Vos tenías que decidirlo ese mismo día. Pues yo dije sí. Y ya, ahí me quedé.

AC. ¿Cuánto tiempo estuviste allá?
MB. Estuve un total de seis años y medio, de los cuales tres fueron estudios de universidad. Y luego fundé mi compañía de teatro y me quedé más tres años y un cachito más. También trabajé en la radio de BBC, hice doblajes, monté varias obras de teatro, hice varios cortometrajes. Hice un corto con un finlandés que se convirtió en un mediometraje, se convirtió en toda una osadía; se llama Fles, que creo que está paseando por cines en Finlandia. Hice otro corto con un francés, hice el mío y algunos otros. Y cuando empecé a hacer cortometrajes me di cuenta que también me encantaba el cine.

AC. ¿Cuáles fueron las mayores dificultades que te enfrentaste viviendo en Londres?
MB. Primero que nada, estudiar actuación ya te pone en una categoría bastante pequeña y dura, hasta para los ingleses, porque es un medio sumamente competitivo, hay poca demanda y muchos actores. Todo el mundo es actor, claro, las mejores escuelas del mundo, aparte de algunas en Estados Unidos y en Europa del Este, están en Londres. Entonces te podrás imaginar; gente de todas partes del país y del mundo va a estudiar teatro allá. Claro, sales, y te das cuenta de que no hay trabajo, que el trabajo que hay es muy mal remunerado, entonces entras como a un conflicto de salir de este mundo de teatro y de fantasía por tres años, como de muy esperanzador sales a una realidad que es muy fría, muy dura. No solamente me encontré con esa realidad con la cual nos encontramos todos los actores que nos graduamos, sino también con la cuestión ésta de 'yo no soy inglesa'. Y sí era un recordatorio diario que yo no era inglesa y no podía aplicar a la cantidad de trabajos que mucha gente puede aplicar, y aunque mi acento estaba muy limpio, muy neutral, no podía hacer acento de Liverpool, ni de Manchester, entonces me sentía un poco limitada. Además, en ese momento los latinoamericanos no estábamos considerados como una minoría étnica; lo que quería decir que los medios de comunicación no tenían la obligación legal de contratar a un cierto número de latinos. Hace como tres meses, lo acaban de aceptar, ahora los latinos tienen ciertos derechos en los medios de comunicación, en las obras de teatro, en la Compañía Nacional. Yo en ese momento no entendía muy bien por qué era tan importante, pero claro que es. Por ejemplo, el National Theatre, la compañía nacional de Inglaterra, tiene, por ley, que contar con actores hindúes y de los países árabes, porque ellos son una minoría étnica en Londres; sino, sería discriminación racial. Hoy en día eso pasa con los latinos, ¡increíble! Ahora los latinos, sí, por ley, tienen que formar parte de la comunidad en todos los sentidos. Va a ser mucho más fácil para los latinoamericanos tener un espacio. Sin embargo, nunca me faltó trabajo. Tenía una agente que era muy movida, y trabajé en radio con la BBC varias veces, claro, hacía de latina, ya sabes. Pero yo creo que era eso, esa lucha, no sé, como étnica, era como conseguir tu espacio y darte cuenta que el hecho de que vinieras de Venezuela sí tenía sus ventajas, pero también había que saber cómo limar las asperezas para no cortarse.

AC. El hecho de haber incursionado en guión, producción y dirección de cortometrajes, ¿tuvo que ver con esa falta de mercado o fue fruto de una inquietud que ya tenías desde antes?
MB. La verdad yo creo que fue así como unas ganas de hacer algo chido. Sin pensarlo mucho, dije: "Yo quiero hacer un cortometraje", le mostré la historia a mi amigo productor y me dijo: "Montémoslo, yo lo produzco contigo". Entonces fue así: "Ok, y ahora, ¿qué necesitamos?". Me fui instruyéndome a medida que iba pasando el tiempo. En el momento que me di cuenta, yo estaba haciendo de productora, de directora, de actriz. Es un trabajo muy fuerte, además que lo estábamos costeando mi productor y yo solos, de nuestro bolsillo. Era todo muy interesante, la producción me gusta más que la dirección. Dirigir y actuar, me pareció que ese combo junto puede ser muy problemático. Pero me di cuenta que tengo facilidades para producir, me muevo, hablo con gente, consigo cosas... Estuvo increíble descubrirlo.

AC. Llegando a México hiciste varios cortometrajes. El primero fue No One Dies of Love. ¿Cómo fue ese trabajo?
MB. Llegué a México en octubre y en noviembre ya estaba filmando eso, que ahorita está viajando por festivales. Creo que va a Chile, también a Rusia, porque el contacto que yo tuve en el Festival de Cine Latinoamericano de Rusia me llamó, aparentemente hay un club de fans en Rusia, lo que me da mucha risa. El cortometraje es como un poema visual, es en voz en off todo el tiempo, el personaje no habla, y es una niña que cuando la conocemos está en el bottom, en el fondo de todos los fondos, destruida de amor, o sea, tiene como un mal de amor muy fuerte y se toma una medicina que es como una analogía; abre el botiquín de su baño y agarra una medicina que dice broken heart (corazón roto) y se lo toma y ése es como un viaje a todas sus experiencias amorosas. Hay una escena en la alberca, que es como citando desde el momento de cuando descubres el amor, desde la inocencia. Fue una escena difícil porque nunca me habían dicho que me tenía que desnudar hasta que el día que filmamos, y me quería morir, pero quedó superbonito y entonces ella va pasando por todas las etapas de amor y de amores que haya tenido con hombres y con mujeres, como el amor en general. Estuvo bien padre y le fue muy bien al corto. Fernanda (Rivero), la directora, como que lo dejó en algún momento y ahorita lo reanudó. Hicimos la voz en off en español también: a los festivales de cine en Latinoamérica lo estamos mandando en español y a los de Estados Unidos y Europa en inglés. Entonces tiene como dos versiones y está increíble.

AC. Y luego hiciste otros cortometrajes, también estuviste en el largometraje La Ruleta de los Sueños. Has estado haciendo muchos trabajos en México...
MB. Sí, muchos, la verdad el año pasado ha sido muy lleno de trabajo, estuvo increíble. También estuve en una producción muy grande de teatro, Sueño de Una Noche de Verano, una adaptación en español de Shakespeare, que se presentó en el Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), en uno de los teatros más grandes y más lindos de la ciudad, que se llama Miguel Covarrubias. Era un proyecto muy interesante porque la UNAM, después de muchos años, quiso como apostarle a la unión de las tres cátedras: danza, teatro y música. Se pusieron de acuerdo e hicieron una audición gigante, a nivel nacional, para elegir a los actores y bailarines; la orquesta ya estaba elegida. Después de un periodo de cuatro días de audición, me dijeron que era parte de la compañía y empezamos a ensayar. Ensayamos por tres meses la obra y nos presentamos poquísimo, pero la gente se quedó superfeliz, nos pidieron una segunda temporada y ahorita están preparando la tercera para irse de gira por el país.

AC. ¿Tienes planes de trabajar en Venezuela?
MB. Pues acabo de hacer un casting, me llamaron desde Los Ángeles, una productora que se llama Hook Brothers, que son unos venezolanos que viven en Los Ángeles y acaban de terminar un guión que se llama Papita, Maní, Tostón. No sé si sabes que cuando se juega béisbol en Venezuela, la gente que vende grita "papita, maní, tostón", es lo único que se escucha en el estadio. Es como una versión de Romeo y Julieta. Date cuenta que Romeo es el que le va a los Leones del Caracas y Julieta le va a los Navegantes de Magallanes. El béisbol es gigante en Venezuela, es como para Brasil el fútbol. Entonces me hablaron para hacer ese casting, los contacté, no nos pudimos ver en Venezuela en diciembre, me fui el 14 de marzo, hasta el 19, me quedé cinco días e hice el casting en Los Ángeles para el personaje principal de la película, que está esperando la respuesta del CNAC. Si todo sale bien, se filma en agosto.

AC. Pero tú te quedas en México como tu base central, ¿verdad? ¿Ves tu futuro en Latinoamérica?

MB. Por ahora sí, México está como muy bien ubicado, hay muchísimo trabajo, entonces ya tengo como toda la neta aquí hecha, ya sabes. Y me encanta Latinoamérica, me siento mucho más en casa de lo que me sentía en Inglaterra, pero mucho más. Mi futuro lo veo con base en Latinoamérica, igual viajando mucho. Por ejemplo, esta situación es como ideal en la película, una coproducción con Inglaterra; me encanta filmar allá, me encantan los actores ingleses, tienen un tono que me encanta, pero también me encanta poder venir a Latinoamérica y quedarme aquí. 

Fotos: Payasos (cortometraje, dirección de Jorge Hernández Aldana), La Última Navidad (obra de teatro, escrita por Mariana Burelli y dirigida por Fernanda Rivero), Fles (mediometraje, dirección de Sakari Laurila), Trace (largometraje de Álvaro Curiel, escrito por Marianna Burelli, póster temporal) y Sueño de Una Noche de Verano (obra de teatro, dirigida por Juliana Faesler). Ver imagen de perfil ampliada.

Piero Anselmi y Julieta Bottino son una pareja próxima de la ruptura en esta tragicomedia I Foto: Difusión

Éter Retornable presenta a un matrimonio ácido y al borde de la separación

Martes, 20.04.2010

El próximo sábado, a las 23:00, se estrenará en Buenos Aires el espectáculo Éter Retornable, con dirección de Gerardo Begérez, las actuaciones de Piero Anselmi y Julieta Bottino y el texto de la uruguaya Angie Oña, que incluso acompañó todo el proceso de preparación y montaje.

Según el director de la puesta, la obra es una tragicomedia sobre el amor, la separación y el intento de disolución de algo; un intento que por momentos puede ser ridículamente desgarrador y absurdo por la necesidad de tener a otra persona para compartirlo todo —la cena, el baño, el sexo. "Es un experimento que busca alejarnos de la mediocridad que produce la vida cotidiana, la rutina y la vida en pareja", afirma.

El espectáculo surgió de un ciclo de teatro uruguayo que fue organizado por Begérez en Buenos Aires y en el cual éste revela que ocurrió 'algo muy extraño'. El artista cuenta que reunió a un elenco muy talentoso y a un texto inspirador y se dejó llevar por la intuición para lograr un resultado que 'podría haber sido desastroso, pero no lo fue'. Mérito, asegura, de los dos actores, que confiaron plenamente en su trabajo. "Son riesgos que se corren y los tres disfrutamos del riesgo, del peligro creador y de la incertidumbre. Esta puesta, no tengo dudas de ello, es producto de una osadía", asevera.

Juntos, Anselmi y Bottino dan entonces vida a un matrimonio ácido y en proceso de separación. La obra toma como punto de partida el hastío de una pareja al borde de la ruptura para referirse a algo mucho más profundo: toda la existencia y la manera de vivir que los seres humanos dan a sus existencias. "La vida es una cuerda floja entre la mediocridad y la grandeza", dicen los personajes en el transcurso del montaje.

Éter Retornable realizará su temporada en el Teatro del ArteFacto (Sarandí, 760). Las reservas pueden ser hechas al 4308-3353 y las entradas tienen un costo de $25 (estudiantes y jubilados pagan $20).

La actriz colombiana Maloka Rincón interpreta el monólogo que abrirá el ciclo en España I Foto: Difusión

Madrid apreciará el teatro de Argentina, Cuba y Colombia a partir del jueves

Martes, 20.04.2010

La sala madrileña El Montacargas recibirá a partir de este jueves (22) a compañías provenientes de tres países latinoamericanos, en el marco del Ciclo Nuevo Teatro Iberoamericano. De Colombia, llegará la actriz Maloka Rincón (Teatro del Vinagre), con la obra Sueño Erótico; de Argentina, Hugo Kogan (Compañía La Granada), con Potestad; y de Cuba, José Antonio Alonso (Teatro del Caballero), con La Octava Puerta. Las entradas tendrán el costo de 12€ (adultos) y 8€ (niños, estudiantes, jubilados y parados). El teléfono para contacto es el 91-526-1173 y la ubicación de la sala están en calle Antillón, 19.

Sueño Erótico I Maloka Rincón, Teatro del Vinagre I Colombia

Teatro senso-experencial. Del 22 al 25 de abril. Jueves a sábado, 21:00. Domingo, 20:00.

'Ella' transita por cuatro diferentes espacios en el sueño, en compañía de diversos personajes (los espectadores), que tienen la libertad de ser parte activa de lo que allí acontece o testigo observador, iluminador o 'huido'. Apoyado en textos propios y en cuentos de la literatura erótica universal, como el "Decameron" o el "Kamasutra", el trabajo parte del erotismo como una fuerza superior de la que todos venimos. Por las características del trabajo, el aforo está limitado a 20 personas.

Potestad I Hugo Kogan, Compañía La Granada I Argentina

De Eduardo Pavlovsky. De 29 de abril a 2 de mayo. Jueves a sábado, 21:00. Domingo, 20:00.

Un grupo de hombres y mujeres se dedicó a raptar niños ajenos como producto del 'botín de guerra'. Una nueva secta de hombres 'normales' se dedicaba a raptar los hijos de militantes caídos durante la represión, asesinando a los padres y cambiándoles la identidad original por otra. Estos monstruos argentinos tenían una filosofía que era apoyada en forma cómplice por una gran masa gris silenciosa.

La Octava Puerta I José Antonio Alonso, Teatro del Caballero I Cuba

Del 6 al 9 de mayo. Jueves a sábado, 21:00. Domingo, 20:00.

Cuatro personajes encerrados en una habitación sin poder hacer nada porque el actor se fue a vivir a otro país. Dan a conocer que ellos mismos son las frustraciones del artista. Un campesino bruto, un travestido petulante y cruel, un experimentalista con sus sueños rotos y un Edipo Rey, pieza inconclusa por el actor, que quiere irse para Tebas porque en La Habana se le va la luz... Finalmente encuentran la solución, buscar en el público alguien que los represente, y descubren que hay muchas personas que tienen los mismos conflictos.

El director José Padilha ya tiene el material y puede empezar el montaje del film I Foto: Luiz Fernando Carvalho

Rodaje del largo Tropa de Elite 2 concluyeron esta semana en Río de Janeiro

Domingo, 18.04.2010 I Esta nota en portugués

Concluyó el último jueves el rodaje de Tropa de Elite 2, largometraje de José Padilha que dará continuidad a la saga del Capitán Nascimento, personaje encarnado por el actor Wagner Moura y que se convirtió en un fenómeno popular en Brasil hace tres años, cuando el primer largo fue lanzado en el país.

En octubre de 2007, Tropa de Elite estrenó en los cines brasileños amparado por una gran campaña publicitaria y en algunas polémicas en que estuvo involucrada la producción, como la venta masiva de copias piratas que invadieron las calles de las principales ciudades del país dos meses antes de su presentación en salas. La violencia policial, la tolerancia de las ONG con el tráfico de drogas para que puedan instalarse en las favelas y la complicidad de la clase media con la explotación infantil por los narcos fueron algunos de los temas del largo, que tuvo alrededor de 2,4 millones de espectadores y ganó el Oso de Oro en Berlín al año siguiente.

La secuela empezó a ser filmada en la mitad de enero y la previsión es de que el estreno ocurra en agosto de este año, pero los entrenamientos con los actores tuvieron inicio en noviembre de 2009. Entre los ejercicios, hubo simulaciones de invasiones de favelas y tests de disparos. Así como ocurrió en la primera entrega, Fátima Toledo fue la responsable de la preparación del elenco. Por su parte, el artista marcial Rickson Gracie estuvo a cargo de las clases de jiu-jitsu.

De esta vez, la trama muestra al Capitán Nascimento quince años después a vueltas con los problemas del hijo adolescente. El ahora coronel busca un sucesor en la tropa de elite de la policía militar carioca, el Batallón de Operaciones Policiales Especiales (BOPE), que creció al mismo tiempo en que ocurre la formación de milicias en la ciudad. El guión es firmado nuevamente por Braulio Mantovani (Ciudad de Dios) y la fotografía está otra vez en las manos de Lula Carvalho, como pasó con la película anterior.

Con un presupuesto de casi 16 millones de reales (aproximadamente 7 millones de dólares), Tropa de Elite 2 ya es una de las producciones más caras de la historia del cine brasileño, perdiendo solamente para Lula, O Filho do Brasil, que costó dos millones más (800.000 dólares, en cifras cercanas). Además de Moura, integram el elenco de la película los actores André Ramiro, Maria Ribeiro e Milhem Cortaz, que ya estuvieron en la primera parte, y que ahora cuentan con la compañía de Tainá Müller, Irandhir Santos, Seu Jorge y Pedro Van Held.

La primera cinta de Boulocq recibió un sinfín de reseñas positivas y fue laureada en el exterior I Fotos: Difusión

Cine boliviano en el 2010: Los Viejos, segundo largometraje de Martín Boulocq

Viernes, 16.04.2010

Después del buen recibimiento de su ópera prima, Lo Más Bonito y Mis Mejores Años, y de haber dirigido uno de los episodios de Rojo, Amarillo, Verde, el realizador cochabambino Martín Boulocq se prepara para presentar su segundo largometraje: Los Viejos, escrito en colaboración con Rodrigo Hasbún, en base al cuento "La Carretera", de autoría de este último.

El nombre de Boulocq empezó a sonar con fuerza hace algunos años, cuando presentó su primera película en diversos festivales internacionales, ganando el premio Mayahuel a la mejor ópera prima (Guadalajara, México) y el premio especial del jurado a la película de estreno (Trieste, Itália), ambos en 2006. Además del corto (Rojo) que hizo para la cinta que también contó con relatos de Sergio Bastani (Amarillo) y Rodrigo Bellott (Verde), el joven cineasta se convirtió en uno de los directores de videoclips más requeridos en Bolivia, con trabajos para bandas como Oil, Querembas y Octavia, entre otras.

Por su parte, Hasbún, que también es cochabambino, fue seleccionado como uno de los más destacados escritores latinoamericanos emergentes por la revista cultural estadounidense Zoetrope: All Story, del realizador Francis Ford Coppola. Fue además ganador del Premio Nacional de Literatura Santa Cruz de la Sierra, en el género de novela, por su obra "El Lugar del Cuerpo", y publicó un libro de cuentos, "Cinco", de donde proviene el relato que dio origen a Los Viejos.

La película tiene como protagonista masculino a Roberto Guilhon, que ya trabajó anteriormente con Boulocq, en su ópera prima, y también en el mediometraje Mi Vida Anterior, de Hasbún, y en el corto Las Tiranas, de Bellott. Junto a él, actúa Andrea Camponovo, que pudo ser vista en las cintas Espíritus Independientes, Día de Boda e Historias de Vino, Singani y Alcoba. Ambos dan vida a los personajes principales de una historia que ganó en 2007 el Concurso Nacional de Guiones Cinematográficos, organizado por Petrobras y Conacine.

Camponovo cuenta que el rodaje duró cinco semanas, en los meses de abril y mayo del año pasado, en el Valle de la Concepción, y que inmediatamente el proyecto fue invitado a participar del Mercado de Cannes. Según la actriz, la filmación resultó ser una gran experiencia y el único contratiempo que tuvieron ocurrió al final de la misma. "Como filmamos en el valle, estábamos viviendo ahí, y el día que acabó el rodaje, justo por problemas políticos nos bloquearon, así que nos quedamos siete días bloqueados", revela la artista.

Sin embargo, todo corrió dentro de lo esperado y se prevé que todavía este año se estrene la cinta, que presenta a dos personajes que se ven luego de más de una década de ausencia. "Ambos vuelven a su pueblo natal porque el padre de Ana, padre adoptivo de Toño, está muriendo. Es una historia de un reencuentro familiar, la cual habla de la reconciliación con el pasado. Bueno, yo soy Ana, una mujer de 30 años, soy madre de un niño, que en algún momento he sido forzada por la familia a alejarme de mi pueblo... y de mi gran amor", cuenta.

Los Viejos, que fue filmada con la tecnología Digital Red Cinema, tiene la producción de Alba Balderrama y como productores ejecutivos a Juan Carlos Valdivia y Danilo Franulic. La fotografía quedó a cargo de Daniela Cajías y el sonido, de Sergio Medina. La argentina Laura Caligiuri fue la responsable de la dirección de arte del largometraje, realizado por CQ Films y que tuvo el apoyo de la Alcaldía tarijeña y de diferentes empresas e instituciones.

Roberto Guilhon, actor

ALDEA CULTURAL (AC). ¿Qué puedes adelantar acerca de tu personaje y de la película Los Viejos, que protagonizaste?
ROBERTO GUILHON (RG). En Los Viejos interpreto a Toño, él vuelve a casa tras un largo periodo fuera. Los motivos de su retorno y el reencuentro con su pasado son el catalizador de las acciones en las que se desenvuelve el personaje dentro la historia. El marco de la historia se desarrolla en Tarija, dentro una hacienda, teniendo de fondo los viñedos, la familia, los amigos, y los valores que acompañan todas estas instancias.

AC. Es la segunda vez que actúas en un largometraje de Martín Boulocq y la primera en que compartes escena con la actriz Andrea Camponovo. ¿Cómo fue el proceso de filmación junto a ellos?
RG. Con Martín Boulocq ya teníamos una experiencia previa de trabajo, lo cual facilitó las cosas en el rodaje de Los Viejos, cada uno conoce la forma de trabajar del otro, por lo tanto, esto alivió el proceso dentro la preparación del personaje y las escenas. En esta película se podrá apreciar la madurez de Martín como director. Con Andrea Camponovo es la primera vez que nos toca realizar algo juntos, y la experiencia fue enriquecedora, forjamos una buena amistad, y creo que como actores aprendimos el uno del otro, ella es una actriz profesional, fluye de forma natural en las escenas, y estoy seguro que más de uno quedará sorprendido con su rango actoral.

AC. En Lo Más Bonito y Mis Mejores Años, los actores tenían el reto de interpretar sin haber leído previamente el guión. En Los Viejos, ¿hubo algún desafío especial para los actores?
RG. Si bien en Lo Más Bonito... el equipo técnico era reducido, y no se tuvo acceso al guión, en Los Viejos nos fue proporcionado el guión desde el día uno, y existía todo un equipo técnico detrás de cada área, lo cual hace una gran diferencia al momento de trabajar. El verdadero desafío actoral provino de poder plasmar de forma creíble lo que Martín Boulocq y Rodrigo Hasbún habían logrado con el guión. Hubo un proceso de adaptación de alrededor de un mes en Tarija, trabajo de ensayo con algunos actores, e investigación y clases sobre vino con Sergio Prudencio. Pasar unos meses en Tarija, disfrutar del buen vino, su culinaria, y su gente, en realidad no implica un desafío ni para el actor ni para la persona, lo tomo más como un gusto aparte. Foto: El Deber

Además de su labor como actriz, Chamila ha incursionado en áreas como la dirección I Foto: Galut Alarcón

Chamila Rodríguez: "Me encanta la nueva generación de directores chilenos"

Jueves, 08.04.2010 I Esta nota en portugués I Todas las entrevistas

Desde la 'China' de Tendida Mirando las Estrellas, en cine, hasta la Julieta de Desórdenes Mentales, en teatro, pasando por una diversa gama de personajes, la actriz chilena Chamila Rodríguez ha transitado por diferentes caminos que la llevaron incluso, en tiempos recientes, a escribir, producir y dirigir sus primeros cortometrajes, aun cuando su actividad principal sigue siendo la actuación, especialmente bajo la dirección de algunos de los principales realizadores de su país.

Aunque nació en Londres (Inglaterra), la actriz ha sido criada en Latinoamérica, pues con tan sólo seis años se trasladó junto a su familia a países como Costa Rica y Nicaragua, donde pasó la mayor parte de su infancia y adolescencia. Llegó en 1991 a Chile, país en el cual se estableció definitivamente y donde también inició sus estudios de actuación y su carrera profesional, que desde mediados de la década pasada ya suma más de 60 trabajos en cine, teatro y televisión.

Reconocida como una de las actrices jóvenes más importantes de Chile actualmente, Chamila ha logrado mantener una carrera sólida lejos de las teleseries, enfocando su trabajo en el cine y en el teatro, aunque puede ser vista regularmente en unitarios presentados por distintas emisoras de TV. Asimismo, desde hace unos años incursionó en la dirección de cortometrajes, habiendo realizado dos hasta la fecha: Oscuro Vuelo Compartido y Mudo Corazón.

En la entrevista, la actriz —que recientemente presentó Mudo Corazón en la 9ª Muestra Cine y Mujeres de Latinoamérica— habla de sus colaboraciones con los directores Raúl Ruiz y Valeria Sarmiento, de su nueva faceta de realizadora y del momento por el que atraviesa la cinematografía chilena.

ALDEA CULTURAL (AC). Una de las primeras películas que rodaste en tu carrera fue Tendida Mirando las Estrellas. Curiosamente, esta película se estrenó casi una década después de su filmación. ¿Cómo recuerdas tu participación en esta cinta y qué nos tienes para contar acerca de ella?
CHAMILA RODRÍGUEZ (CR). Tendida Mirando las Estrellas observa la marginalidad femenina, donde habita 'China', mi personaje, una prostituta del lumpen, que después de años tras las rejas, sale a seguir traficando su cuerpo en un submundo de Santiago de Chile, el 'Unicornio', principio de los 90, en el preciso momento en que se empezaba a respirar el aire ambiguo de la 'democracia' diseñada como resultado de 17 años de dictadura militar. Es ahí donde China ama y entrega su destino a la protagonista, Nieves, interpretada por Paulina Urrutia, una asesina que mata por proteger a su pequeño hermano. Juntas intentan escapar buscando su libertad.

AC. Después de eso, trabajaste en varios otros largometrajes, destacándose tu participación en proyectos de Raúl Ruiz y Valeria Sarmiento. ¿Cómo se dio esta colaboración frecuente con ambos realizadores?
CR. Con Raúl Ruiz, fue primero a través de mi personaje China, en la película Tendida Mirando las Estrellas. Raúl vio la película y le gustó mucho mi trabajo. Después lo conocí en su casa, donde pasamos varios momentos interesantes de conversaciones acerca de la vida y el cine, rodeados de buenos amigos y sus dos hermosas mujeres, su madre, doña Olga, y Valeria, su compañera. Con el tiempo Raúl me invitó a interpretar dos personajes diferentes en un radio-teatro que él escribió y dirigió, "Cinco Sentidos", un homenaje a nuestra poetisa Gabriela Mistral. Y después vino mi gran sueño, ser dirigida por él en el cine: La Recta Provincia, escrita y dirigida por él, ahí interpreté a 'La Viuda' y 'La Moza'. Fue una experiencia maravillosa, llena de magia y aprendizaje; estoy muy agradecida de haber vivido algo tan lindo. Finalmente La Recta Provincia fue película y serie de televisión, cuatro capítulos de una hora para Televisión Nacional de Chile. Después su mujer, Valeria Sarmiento, me invitó a interpretar un personaje en su nueva película Secretos. Ella tiene su estilo, muy distinto a Raúl, sacó lo mejor de mí para ese personaje, nos entendimos con una fluidez exquisita. Y lo último que hicimos con Raúl fue Litoral, escrito y dirigido por él, ahí interpreté el personaje protagónico Amelia López, que en realidad era una y muchas mujeres a la vez, un personaje atemporal, onírico, trágico.

AC. Cuando iniciaste tu carrera, Chile era un país que producía muy pocas películas; hoy, sin embargo, la producción chilena es pujante, aunque aún existen mil problemas a la hora de concretar un proyecto. ¿Qué lectura haces de la evolución de la cinematografía en tu país? ¿Te gusta lo que se realiza actualmente en Chile?
CR. Me parece interesante la evolución que ha tenido el cine en Chile. Antes se estrenaban dos o tres películas en un año y hoy más de 25 películas al año. Se indaga en películas de autor, no sólo comerciales, y eso es muy bueno. Siento que el cine y el teatro en Chile, en general, muestran la profundidad de las realidades que se viven aquí. Me encantan las nuevas generaciones de directores, con ideas frescas y valientes; José Luis Torres Leiva con El Cielo, la Tierra y la Lluvia, Pablo Larraín en Tony Manero, Sebastián Silva en La Nana, y Huacho, de Alejando Fernández.

AC. También experimentaste el guión y la dirección en dos cortometrajes. ¿Cómo resultó para ti la experiencia? ¿Te interesa seguir ese camino, por ejemplo, escribiendo o dirigiendo un largometraje?
CR. En 2001 adapté, actué y produje la obra de teatro Oscuro Vuelo Compartido y después de una temporada de funciones de más de cuatro años, dirigí un cortometraje homónimo, como un homenaje a la trayectoria del dramaturgo y autor del texto original, Jorge Díaz. Fue cerrar un ciclo importante en mi vida y quería dejarlo registrado. En el año 2008 escribí, dirigí y actué en Mudo Corazón, inspirado en el libro póstumo "En el Mudo Corazón del Bosque", de Jorge Teillier, como un homenaje al autor y una protesta contra la destrucción de los bosques australes de nuestro país. Éste fue un trabajo más íntimo y silencioso. No hay diálogos en la película, sólo sonidos de los bosques más australes de Chile y la actuación acompañada de una niña que me hizo indagar en la pureza que ella lleva adentro. Actualmente soy correalizadora de la película documental biográfica En Beneficio Propio, sobre la vida y trayectoria del actor nacional Luis Alarcón, escrita y dirigida por Galut Alarcón.

AC. En otro espacio, el teatro, has interpretado personajes siempre muy intensos, con fuerte carga dramática. De todos ellos, ¿cuál fue el que te dio más satisfacción representar y cuál ha sido el más difícil de llevar a escena?
CR. He actuado en diversas obras teatrales, como La gata sobre el tejado de zinc caliente y El Zoológico de Cristal, de Tennessee Williams, La casa de Bernarda Alba, de Federico García Lorca, El Burlador de Sevilla, de Tirso de Molina, Oscuro Vuelo Compartido, de Jorge Díaz, Desórdenes Mentales, de Eugenia Prado, y La Negra Ester, por don Roberto Parra, entre otras. El personaje que más he disfrutado ha sido 'La Gata', de Tennessee Williams, y el más difícil Julieta, en la obra Desórdenes Mentales, escrita por Eugenia Prado y dirigida por Alejandro Trejo.

AC. ¿Sientes que eres una actriz famosa o, como dicen en Chile, 'ni lo pescas'? ¿Cuál es el lado bueno y, en contrapartida, el malo de ser una persona conocida, cuyo trabajo se expone públicamente?
CR. No me gusta 'la fama' y menos 'la fama chilensis'. Amo mi profesión, soy actriz de teatro y cine. Cada día es un aprendizaje, cada personaje un nuevo desafío. Me gusta el cariño de la gente cuando me reconoce en las calles, pero eso lo vivo desde la alegría de la sencillez.

AC. ¿En qué proyectos estás involucrada actualmente?
CR. Como actriz, en un telefilm que dirigirá Ignacio Agüero para Chilevisión, en una nueva serie para HBO dirigida por Pablo Larraín, "Prófugos", y en una trilogía de cortometrajes, escritos y dirigidos por Galut Alarcón. Ya filmamos uno, llamado Anónimo. Y como actriz en dos películas de las cuales hablaré pronto.

Fotos: películas Secretos y Mudo Corazón y afiche de El Cielo, la Tierra y la Lluvia.

Postal de Vuelo presenta a cuatro personajes que buscan olvidarse del caos y la desesperación I Foto: Difusión

Diversos espectáculos componen la cartelera bonaerense de este fin de semana

Jueves, 01.04.2010

Acreedores

El texto de August Strindberg gana la puesta en escena de Marcelo Velázquez en una adaptación del propio director y de Rodolfo Roca. Acreedores tiene las actuaciones de Marcelo Bucossi, Mercedes Fraile y Daniel Goglino y la locución de José María Muscari, para un relato que indaga si la venganza puede conducir a la justicia. La obra aborda temas como la lucha de los sexos en una sociedad en constante cambio, la crisis de la institución matrimonial, la traición y el miedo a la infidelidad, la economía que atraviesa los vínculos y la vida privada. Las funciones tienen lugar en Del Borde Espacio Teatral (Chile, 630), los sábados, a las 21:30. Las entradas cuestan $30 (con descuento para estudiantes y jubilados) y el número para reservas es el 4300-6201.

El Lenguaje de las Flores

Los actores Martha Rodríguez, Julieta Ceolín, Rocío Domínguez y Gonzalo Gómez Safar y la bailarina Marcela Suez son dirigidos por Rafael Fernández en El Lenguaje de las Flores, que tiene la coreografía de José Campitelli y texto de Federico García Lorca, adaptado a escena por el mismo director. La obra tiene como premisa que un pacto de fidelidad sella un ser humano con otro y lo lleva hasta sus últimas consecuencias. Las localidades tienen un costo de $40 (con descuentos a estudiantes y jubilados y reservas al 4863-7156) y las funciones se realizan los domingos, a las 20:00, en la Sala Mediterránea (Tucumán, 3378).

La Heladera

Planteando la interrogante de cuánto se puede conservar un recuerdo, el director Martín Piñol lleva a escena un texto en que comparte autoría con Gonzalo Suárez y Damián Valgiusti. La Heladera es una comedia dramática que toma como punto de partida la presencia cotidiana y congelada de un recuerdo, la metáfora de una historia de desamor que cuenta con las actuaciones de Martin Palladino, Gonzalo Suárez, Damian Valgiusti y la voz en off de Gaia Rosviar. El relato presenta a un hombre de 30 años que, junto a dos amigos, decide llamar a una prostituta, en la noche de Navidad. Pero la llegada de la mujer producirá provocará diferentes reacciones hasta conducir a un accidente que dejará en evidencia que nada y nadie es lo que parece ser. Las entradas para el espectáculo valen $35 ($20 para estudiantes y jubilados). Éste es presentado todos los sábados, a las 21:00, en el Teatro La Tertulia (Gallo, 826; teléfono: 6-327-0303).

Las Moiras
Las Moiras (Cloto, Láquesis y Atropos), diosas griegas que hilan la vida, el destino y la muerte, respectivamente, deciden emigrar desde Grecia hacia América en busca de nuevos horizontes de esperanza, bienestar y prosperidad. Para su desgracia, recalan en el barrio porteño de Montserrat, donde las hermanas toman el nombre de Clota, Raque y Pato. Con dramaturgia y dirección de Fabián Politis, la obra cuenta con las actuaciones de Laura Alianelli, Laura Brauer y Mary Décima. Las funciones se realizan todos los viernes, a las 22:00, en el Teatro IFT (Boulogne Sur Mer, 547). Las entradas tienen un costo de $30 ($20 para estudiantes y jubilados) y las reservas pueden ser hechas al 4962-9420.

Nueve
Con dramaturgia y dirección de Lisandro Colaberardino, Nueve presenta a dos recién casados, Ema y Adrián, que se mudan al piso nueve. Al principio, la felicidad parece vivir allí, pero poco a poco el público descubrirá que el deseo de uno es diferente al deseo del otro. Y en nueve meses, Ema deseará no haber nacido; se trata de una obra que escapa a lo convencional y se atreve a circular por los lugares oscuros de las películas de terror, amparada en las actuaciones de Rocío Rodríguez Presedo, Juan Barberini, Sandra Rennis y Sebastián Duarte. Las funciones, que ocurren los viernes, a las 21:00, tienen lugar en La Tertulia (Gallo, 826, Abasto), con reservas al 6327-0303 y entrada general a $35 (con descuentos a estudiantes y jubilados, que pagan $25).

Postal de Vuelo

La obra ganadora del Premio Casa de las Américas (Cuba), en 2005, muestra un mundo de oscuridades donde las palabras y situaciones se iluminan con preguntas. El texto de Vítor Winer es llevado a escena por el director Rubén Santagada e interpretado por Alejandra Brol, Alejandro Rivarola, Santiago Ojea y Jorge Capussotti. Postal de Vuelo sitúa al espectador en un aeropuerto abandonado, donde cuatro personajes marginados se encuentran para una partida de póker, con el fin de comunicarse y olvidar el caos y la desesperación que los hunde en sus mundos solitarios. Las funciones se realizan los viernes y sábados, a las 21:30, con entradas a $30 (descuento a jubilados y estudiantes). El Teatro de la Fábula está ubicado en Agüero, 444, y las reservas pueden ser hechas al 4862–6439. 

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